LAS AVENTURAS DE TINTÍN – EL SECRETO DEL UNICORNIO
(The adventures of Tintín, 2011; dir: Steven Spielberg)

Los sutiles trazos de colores y la música sosegada que integran la secuencia de títulos de Las aventuras de Tintín prometen algo refinado. Enseguida aparece un perspicaz homenaje al personaje del comic en el que está basada: un dibujante callejero le muestra a Tintín una caricatura de sí mismo, que no es más que la imagen creada por el historietista belga Hergé (1907/1983). Las escenas siguientes, en las que el protagonista ve su rostro repetido en unos espejos al tiempo que descubre la maqueta de un barco que comprará –y que, como es de imaginarse, le traerá problemas– exhiben, asimismo, esa gracia que el cine alcanza cuando tiene a la belleza como fin.
Después, la película de Steven Spielberg (Cincinnati, EEUU, 1946) va tomando la forma de un exaltado relato de aventuras, como si Tintín no fuera otro que el mismísimo Indiana Jones enfrentando distintos peligros en lugares exóticos y rodeado de elementos característicos (piratas, animales salvajes, tesoros ocultos, pergaminos misteriosos). La destreza que le permite poner a salvo su vida y la compañía de graciosos personajes más o menos cobardes (en este caso, el casi siempre ebrio Capitán Haddock), contribuyen a esa similitud, a lo que se agrega la música (omnipresente y algo rancia) de John Williams.
Esto no debe verse como una desventaja, conocida la eficacia del director para generar aceitadas máquinas de diversión audiovisual: bien sabido es que, por encima de temas controversiales y temáticas ambiciosas, el mejor Spielberg es el de Los cazadores del arca perdida (1981), Indiana Jones y el templo de la perdición (1984), Indiana Jones y la última cruzada (1993) e Indiana Jones y la calavera de cristal (2008), o, en el mismo sentido, el de productos gestados para provocar sobresaltos sin pretensiones de obra maestra, como Reto a muerte (1971) o Jurassic Park (1993).
Pero, aún así, una vez planteado el conflicto, Las aventuras de Tintín comienza a encadenar peripecias con un vértigo bastante abrumador. Éste es, en principio, el único rasgo que la aleja del comic: filmada con la técnica de captura de movimiento (convirtiendo a actores en modelos digitales de personajes animados), utilizada ya –con discutibles resultados– en películas como Avatar (2009) o Los fantasmas de Scrooge (2009), logra que Tintín se muestre apenas un poco menos nervioso y más expresivo que el dibujado por Helgé, así como se hace más auténtica la presencia de Milú con sus gruñidos y ladridos. Y si la seriedad y la actitud ciegamente altruista de Tintín pueden parecer hoy algo anacrónicas, no podrá negarse que la manera con la que el chico asume esos desafíos –más como una obligación que como placenteras travesuras– forma parte del espíritu del original, creado para el suplemento infantil de un diario católico hacia 1930.
Es innegable que algo inherente al género aflora jubilosamente aquí. Ese contexto atemporal, esa trama de incidentes sin demasiada lógica, permiten sentirse parte de un universo ficticio en el que, identificados con el héroe y sus amigos, podemos sortear peligros e imprevistos sabiendo que sobreviviremos a ellos. Las aventuras de Tintín suma, además, cautivantes cielos encapotados o mares embravecidos, mágicos cambios de secuencia mediante elaboradas transiciones, y la posibilidad de apreciar diferentes acciones en un mismo plano. El 3D, sin dudas, ayuda a sentirse dentro de la historia, percibiendo mejor la cercanía de un gigantesco barco o de cristales que se rompen y saltan por el aire, así como resulta estimable el empleo de un humor nunca vulgar. Ocasionalmente, sin embargo, los guionistas, el director, el productor y/o el editor sintieron la necesidad de enfebrecer el ritmo, apelando a esos travellings desorbitados que ahora posibilitan los efectos digitales y asfixiando al bueno de Tintín en escenarios saturados de detalles (la historieta, al menos, permite detenerse a apreciar los pormenores de cada cuadro).
En definitiva, si el atractivo del buen cine de aventuras se hace presente en este nuevo Spielberg, al mismo tiempo uno se pregunta si la única manera de satisfacer al espectador contemporáneo es estimulando la adrenalina y considerando que, tenga la edad que tenga, se trata siempre de un chico a la espera de golosinas. Algo parecido a lo que ocurre con la agitadísima y exitosa Misión imposible 4: Protocolo fantasma (dir: Brad Bird, estrenada en estos días con numerosas copias dobladas al castellano), que responde también a ese patrón.
Es cierto que no todos los films que llegan a las salas ostentando números (de dinero invertido, de cantidad de salas de estreno, de espectadores) ofrecen la calidad de Las aventuras de Tintín, pero el problema es ver en ellos el mejor o el único cine posible, como si las películas más exigentes, maduras y sensibles quedaran sólo destinadas a espectadores exigentes, maduros, sensibles y –además– con paciencia para rastrearlas en la cartelera.

Por Fernando G. Varea

http://www.tintin.com/

(WERNER HERZOG sobre su documental La cueva de los sueños olvidados)

Por tercer año consecutivo, Espacio Cine se embarca en la tarea de rescatar las mejores películas del año, convocando a críticos, realizadores, docentes y programadores, todos de Rosario y alrededores, a quienes agradecemos por su aporte (al igual que a Julia Solomonoff, Rodrigo Grande, Hugo Grosso, Diego Rolle y otros que se excusaron por no poder participar). Ojalá estas listas, al conllevar distintas miradas, abran el juego al debate, y, al mismo tiempo, estimulen las ganas de ver o rever algunos títulos y de valorar ciertos nombres, permitiendo descubrir en ellos indicios del cine más creativo, lúcido o moderno que se hace en la actualidad. Al final puede encontrarse el recuento de lo más votado. Como siempre, se esperan comentarios que analicen, apoyen o rebatan estas opiniones.

FEDERICO ACTIS
Realizador. Director de Los teleféricos.

1) Las marimbas del infierno (J.H.Cordón)
2) La cueva de los sueños olvidados (W.Herzog)
3) La piel que habito (P.Almodóvar)
4) Pina 3D (W.Wenders)
5) El árbol de la vida (T.Malick)
Película argentina
- El invierno de los raros (R.Guerrero)
Película no estrenada comercialmente
- Amador (F.L.de Aranoa)

JUAN AGUZZI
Crítico del diario El Ciudadano. Programador del Cine Club Espacio INCAA.

1) Incendies (D.Villeneuve)
2) Morir como un hombre (J.P.Rodrigues)
3) Atrapada (J.Carpenter)
4) Le quattro volte (M.Frammartino)
5) Copia certificada (A.Kiarostami)
6) La mentira (X.Giannoli)
7) La piel que habito (P.Almodóvar)
8) El hombre que podía recordar sus vidas pasadas (A.Weerasethakul)
9) El laberinto (J.Cameron Mitchell)
10) Las marimbas del infierno (J.Hernández Cordón)
Película argentina:
- Criada (M.Herrera)
- Invernadero (G.Castro)
Película no estrenada comercialmente:
- 48 (S.de Souza Dias)

LEANDRO ARTEAGA
Periodista. Docente. Crítico del diario Rosario/12.

1) Atrapada (J.Carpenter)
2) Balada triste de trompeta (A.de la Iglesia)
3) Copia certificada (A.Kiarostami)
4) El extraño caso de Angélica (M.de Oliveira)
5) Habemus Papa (N.Moretti)
6) La piel que habito (P.Almodóvar)
7) Medianoche en París (W.Allen)
8) No le temas a la oscuridad (T.Nixey)
9) Poesía para el alma (L.Chang-Dong)
10) Temple de acero (Hnos.Coen)
Película argentina:
- Los labios (Loza/Fund)
- Querida, voy a comprar cigarrillos y vuelvo (Cohn/Duprat)
Película no estrenada comercialmente:
- El diablo bajo la piel (M.Winterbottom)

DIEGO BARCIA
Autor del sitio especializado Cine.matik.

1) Temple de acero (Hnos.Coen)
2) Mas allá de la vida (C.Eastwood)
3) Los agentes del destino (G.Nolfi)
4) El cisne negro (D.Aronofsky)
5) Lazos de sangre (D.Granik)
6) Copia certificada (A.Kiarostami)
7) El planeta de los simios (R)evolución (R.Wyatt)
8) Super 8 (J.J.Abrams)
9) Los ojos de Julia (G.Morales)
10) Rango (G.Verbinski)
Película argentina:
- Aballay (F.Spiner)
- Un cuento chino (S.Borensztein)
Película no estrenada comercialmente:
- Confessions (T.Nakashima)

EMILIO BELLON
Docente. Crítico del diario Rosario/12.

- Que “la cosa” funcione/Medianoche en París/Conocerás al hombre de tus sueños (W.Allen)
- De dioses y hombres (X.Beauvois)
- Copia certificada (A.Kiarostami)
- El extraño caso de Angélica (M.de Oliveira)
- Habemus Papa (N.Moretti)
- Mis tardes con Margueritte (J.Becker)
- Tengo algo que decirles (F.Ozpetek)
- Un año más (M.Leigh)
- El amante (L.Guadagnino)
- Carlos (O.Assayas)
Película argentina:
- Un cuento chino (S.Borensztein)
- Querida, voy a comprar cigarrillos y vuelvo (Cohn/Duprat)
- El gato desaparece (C.Sorín)
- El estudiante (S.Mitre)
- Mía (J.Van de Couter)
- Alexander Panizza, sólo piano (P.Romano)

GUILLERMO BRUNO
Crítico de espectáculos de LT3, La Red y FM Pop.

1) Incendies (D.Villeneuve)
2) Habemus Papa (N.Moretti)
3) La piel que habito (P.Almodóvar)
4) Medianoche en París (W.Allen)
5) Que “la cosa” funcione (W.Allen)
6) Carlos (O.Assayas)
7) Tengo algo que decirles (F.Ozpetek)
8) Morir como un hombre (J.P.Rodrigues)
9) El extraño caso de Angélica (M.de Oliveira)
10) El discurso del rey (T.Hopper)
Película argentina:
- Mía (J.Van de Couter)
- Aballay (F.Spiner)
- Las Acacias (P.Giorgelli)
- Verdades verdaderas (N.Gil Lavedra)
- De caravana (R.Ruiz)
Película no estrenada comercialmente:
- Were the world mine (T.Gustafson)

PATRICIO CARROGGIO
Realizador.

1) Habemus Papa (N.Moretti)
2) La cueva de los sueños olvidados (W.Herzog)
3) El cisne negro (D.Aronofsky)
4) La piel que habito (P.Almodóvar)
5) Balada triste de trompeta (A.de la Iglesia)
6) El planeta de los simios (R)evolución (R.Wyatt)
7) Temple de acero (Hnos.Coen)
Película argentina:
- Amateur (N.Frenkel)
- La infinita distancia (F.Castagnani)
Película no estrenada comercialmente:
- Son of God (De la Cruz/Noer)

FLORENCIA CASTAGNANI
Realizadora. Directora de La infinita distancia.

1) Morir como un hombre (J.P.Rodrigues)
2) Aquél martes después de Navidad (R.Muntean)
3) El hombre que podía recordar sus vidas pasadas (A.Weerasethakul)
4) Le quattro volte (M.Frammartino)
5) Blue Valentine (D.Cianfrance)
Película argentina:
- El estudiante (S.Mitre)
Película no estrenada comercialmente:
- La Lisière (G.Bajard)

DIEGO CASTRO
Realizador. Guionista.

1) Tres monos (N.B.Ceylan)
2) Lazos de sangre (D.Granik)
3) Un año más (M.Leigh)
4) Cocina del alma (F.Akin)
5) El hombre que podía recordar sus vidas pasadas (A.Weerasethakul)
6) La mujer sin piano (J.Rebollo)
7) Somewhere, en un rincón del corazón (S.Coppola)
8) Que “la cosa” funcione (W.Allen)
9) La casa muda (G.Hernández)
Película argentina:
- Los labios (Loza/Fund)
- El estudiante (S.Mitre)
Película no estrenada comercialmente:
- Le Gamin au veló (Hnos. Dardenne)
- Morgen (M.Crisan)

ADRIÁN CULASSO
Director general del festival Pizza, birra y cortos.

1) Blue Valentine (D.Cianfrance)
2) Carlos (O.Assayas)
3) La vida útil (F.Veiroj)
4) Somewhere, en un rincón del corazón (S.Coppola)
5) Torrente 4: Lethal crisis (S.Segura)
Película argentina:
- Las Acacias (P.Giorgelli)
- Vaquero (J.Minujin)
Película no estrenada comercialmente:
- Post Mortem (P.Larraín)

GUSTAVO ESCALANTE
Realizador. Miembro del equipo de trabajo del Centro Audiovisual Rosario.

1) La piel que habito (P.Almodóvar)
2) Habemus Papa (N.Moretti)
3) Balada triste de trompeta (A.de la Iglesia)
4) La cueva de los sueños olvidados (W.Herzog)
5) Poesía para el alma (L.Chang-Dong)
6) El planeta de los simios (R)evolución (R.Wyatt)
7) Super 8 (J.J.Abrams)
8) Rango (G.Verbinski)
9) La vida útil (F.Veiroj)
10) Hanna (J.Wright)
Película argentina:
- El estudiante (S.Mitre)
- Aballay (F.Spiner)
- Amateur (N.Frenkel)
Película no estrenada comercialmente:
- L’Exercice de l’État (P.Schoeller)
- Life Without Principle (J.To)

GONZALO FERNÁNDEZ
Realizador. Editor y director de fotografía de Desencuentro lejano de la 3ª Edad.

1) Incendies (D.Villeneuve)
2) Biutiful (A.G.Iñárritu)
3) El cisne negro (D.Aronofsky)
4) El discurso del rey (T.Hopper)
5) Medianoche en París (W.Allen)
6) Sólo tres días (P.Haggis)
7) Temple de acero (Hnos.Coen)
8) El ganador (D.Russell)
Película argentina:
- De caravana (R.Ruiz)
Película no estrenada comercialmente:
- The hunter (R.Pitts)

MAIA FERRO
Realizadora. Co-directora de Amor amor amor.

1) Blue Valentine (D.Cianfrance)
2) Le quattro volte (M.Framartino)
3) Copia certificada (A.Kiarostami)
4) La piel que habito (P.Almodóvar)
Película argentina
- Fase 7 (N.Goldbart)
- Los Marziano (A.Katz)
- Amateur (N.Frenkel)

DIEGO FIDALGO
Realizador. Director de Hombres de ideas avanzadas.

1) Carlos (O.Assayas)
2) Copia certificada (A.Kiarostami)
3) El árbol de la vida (T.Malick)
4) Habemus Papa (N.Moretti)
5) Temple de acero (Hnos.Coen)
6) Tres monos (N.B.Ceylan)
Película argentina:
- ¿Qué sois ahora? (Galuppo/Goldgrob)
- El estudiante (S.Mitre)
- Hachazos (A.Di Tella)
Película no estrenada comercialmente:
- Like crazy (D.Doremus)

LUIS FITTIPALDI
Actor. Director teatral. Director de contenidos de Rosariocine.

1) El planeta de los simios (R)evolución (R.Wyatt)
2) Rango (G.Verbinski)
3) Medianoche en París (W.Allen)
4) Habemus Papa (N.Moretti)
5) El ganador (E.Russell)
6) Super 8 (J.J.Abrams)
7) Temple de acero (Hnos.Coen)
8) Un año más (M.Leigh)
Película argentina:
- De caravana (R.Ruiz)
- Aballay (F.Spiner)
- Las Acacias (P.Giorgelli)
- Fase 7 (N.Goldbart)
- El gato desaparece (C.Sorín)

MARTÍN FRAIRE
Crítico de espectáculos en FM TL.

1) Carlos (O.Assayas)
2) Copia certificada (A.Kiarostami)
3) Incendies (D.Villeneuve)
4) Mis tardes con Margueritte (J.Becker)
5) Poesía para el alma (L.Chang-Dong)
6) El planeta de los simios (R)evolución (R.Wyatt)
7) La vitalidad de los afectos (F.Van Groeningen)
8) Líbano (S.Maoz)
9) Super 8 (J.J.Abrams)
10) El ganador (D.Russell)
Película argentina:
- Amateur (N.Frenkel)
- El estudiante (S.Mitre)
Película no estrenada comercialmente:
- Presunto culpable (Hernández/Smith)
- Batman: Under the red hood (B.Vietti)

GUSTAVO GALUPPO
Realizador. Co-dir. de ¿Qué sois ahora? Programador del Cine Club Espacio INCAA.

1) Morir como un hombre (J.P.Rodrigues)
2) El hombre que podía recordar sus vidas pasadas (A,Weerasethakul)
3) Tres monos (N.B.Ceylan)
4) El extraño caso de Angélica (M.de Oliveira)
5) Incendies (D.Villeneuve)
6) Poesía para el alma (L.Chang-Dong)
7) Nunca me abandones (M.Romanek)
8) Alamar (P.Fernández-Rubio)
9) La piel que habito (P.Almodóvar)
10) El gato con botas (C.Miller)
Película argentina:
- Criada (M.Herrera)
- Los labios (Loza/Fund)
Película no estrenada comercialmente:
- 48 (S.de Sousa Dias)
- El caballo de Turín (B.Tarr)
- Yatasto (H.Parolluelo)
- Viento Sur (corto de Paz Encina)
- SEM (corto de Raúl Perrone)

VIRGINIA GIACOSA
Periodista. Productora audiovisual.

1) Divorcio a la finlandesa (M.Kaurismäki)
2) El árbol de la vida (T.Malick)
3) La quise tanto (Z.Breitman)
4) Más allá de la vida (C.Eastwood)
5) Medianoche en París (W.Allen)
6) Pina 3D (W.Wenders)
Película argentina:
- El estudiante (S.Mitre)
Película no estrenada comercialmente:
- Melancholia (L.Von Trier)

EZEQUIEL GRIMALDI
Realizador. Co-director de Alud, dos fragmentos.

1) En un mundo mejor (S.Bier)
2) Blue Valentine (D.Cianfrance)
3) Habemus Papa (N.Moretti)
4) Medianoche en París (W.Allen)
5) Somewhere, en un rincón del corazón (S.Coppola)
6) Super 8 (J.J.Abrams)
Película argentina:
- Alexander Panizza, sólo piano (P.Romano)
Película no estrenada comercialmente:
- Les Geants (B.Lanners)
- L’Apollonide: Souvenirs de la maison close (B.Bonello)
- Meek’s Cutoff (K.Reichardt)

FERNANDO HERRERA
Realizador. Colaborador en el suplemento Escenario del diario La Capital.

1) Copia certificada (A.Kiarostami)
2) Aquel martes después de Navidad (R.Muntean)
3) Habemus Papa (N.Moretti)
4) Alamar (P.Fernández-Rubio)
5) Le quattro volte (M.Frammartino)
6) El extraño caso de Angélica (M.de Oliveira)
7) Blue Valentine (D.Cianfrance)
8) Nunca me abandones (M.Romanek)
9) Que “la cosa” funcione (W.Allen)
10) Poesía para el alma (Ch.Lee)
Película argentina:
- El estudiante (S.Mitre)
- Los labios (Fund/Loza)
Película no estrenada comercialmente:
- Yatasto (H.Paralluelo)
- Norberto apenas tarde (D.Hendler)
- Qu’ils reposent en révolte (S.George)

ARIEL LUQUE
Realizador. Co-director de Amor amor amor.

1) Copia certificada (A.Kiarostami)
2) Blue Valentine (D.Cianfrance)
3) Medianoche en París (W.Allen)
4) Somewhere, en un rincón del corazón (S.Coppola)
5) El hombre que podía recordar sus vidas pasadas (A.Weerasethakul)
6) Pina 3D (W.Wenders)
7) En un mundo mejor (S.Bier)
8) Tres monos (N.B.Ceylan)
9) El árbol de la vida (T.Malick)
10) El mundo es grande y la salvación está a la vuelta de la esquina (S.Komandarev)
Película argentina:
- Las Acacias (P.Giorgelli)
- El estudiante (S.Mitre)
Película no estrenada comercialmente:
- Like crazy (D.Doremus)

PABLO MAKOVSKY
Periodista. Autor del blog Apóstrofe.

1) Paul (G.Mottola)
2) Atrapada (J.Carpenter)
3) Más allá de la vida (C.Eastwood)
4) Temple de acero (Hnos.Coen)
5) Lazos de sangre (D.Granik)
6) La doble vida de Walter (J.Foster)
7) Ajami (Copti/Shani)
8) Sin límites (N.Burger)
9) Incendies (D.Villeneuve)
10) Super 8 (J.J.Abrams)
Película argentina:
- El gato desaparece (C.Sorín)
- Un cuento chino (S.Borensztein)
Película no estrenada comercialmente:
- Essential Killing (J.Skolimovski)
- Super (J.Gunn)
- Attack the Block (J.Cornish)
- Four lions (Ch.Morris)

FRANCISCO MATIOZZI MOLINAS
Realizador. Productor.

1) Habemus Papa (N.Moretti)
2) La mentira (X.Gianolli)
3) La mujer sin piano (J.Rebollo)
4) Balada triste de trompeta (A.de la Iglesia)
5) Aquél martes después de Navidad (R.Muntean)
6) Biutiful (A.G.Iñárritu)
7) La doble vida de Walter (J.Foster)
8) Blue Valentine (D.Cianfrance)
9) El árbol de la vida (T.Malick)
10) El cisne negro (D.Aronofsky)
Película argentina:
- Violeta se fue a los cielos (A.Wodd)
Película no estrenada comercialmente:
- El lugar más pequeño (T.H.Sánchez)
- Melancholia (L.Von Trier)
- Yatasto (H.Paralluelo)

JAVIER MATTEUCCI
Realizador. Productor del largometraje Amor amor amor.

1) El árbol de la vida (T.Malick)
2) Blue Valentine (D.Cianfrance)
3) 127 horas (D.Boyle)
4) Pina 3D (W.Wenders)
5) Rango (G.Verbinski)
6) Super 8 (J.J.Abrams)
7) Temple de acero (Hnos.Coen)
8) X-MEN: Primera generación (M.Vaughin)
9) Cars 2 (Lasseter/Lewis)
10) Habemus Papa (N.Moretti)
Película argentina:
- Un cuento chino (S.Borensztein)
- Medianeras (G.Taretto)

GUSTAVO POSTIGLIONE
Realizador. Director de la miniserie La nieta de Gardel.

- El árbol de la vida (T.Malick)
Película argentina:
“Estoy en deuda con la mayoría de las películas argentinas, algo que me preocupa ya que intento ver la mayor parte de lo que hacen mis colegas”.
Película no estrenada comercialmente:
- Melancholia (L.Von Trier)
- Film Socialism (J-L.Godard)
- Mildred Pierce (T.Haynes)

RUBÉN PLATANEO
Realizador. Director de Tanke PAPI. Integrante de Calanda Producciones.

1) El hombre que podía recordar sus vidas pasadas (A.Weerasethakul)
2) Temple de acero (Hnos.Coen)
3) Pina 3D (W.Wenders)
4) Lazos de sangre (D.Granik)
Película argentina:
- Invernadero (G.Castro)
- El estudiante (S.Mitre)
Película no estrenada comercialmente:
- Misterios de Lisboa (R.Ruiz)
- L’Apollonide: Souvenirs de la Maison Close (B.Bonello)
- Fausto (A.Sokurov)
- El lugar más pequeño (T.H.Sánchez)
- Abrir puertas y ventanas (M.Mumenthäler)
- Yatasto (H.Paralluelo)

LUCIANO REDIGONDA
Realizador. Integrante del equipo de trabajo del Centro Audiovisual Rosario.

1) Lazos de sangre (D.Granik)
2) Medianoche en París (W.Allen)
3) Le quattro volte (M.Frammartino)
4) La vida útil (F.Veiroj)
5) El planeta de los simios (R)evolución (R.Wyatt)
6) Super 8 (J.J.Abrams)
7) La piel que habito (P.Almodóvar)
8) 8 minutos antes de morir (D.Jones)
9) El árbol de la vida (T.Malick)
10) Malas enseñanzas (J.Kasdan)
Película argentina:
- El estudiante (S.Mitre)
- Fase 7 (N.Goldbart)
- Hachazos (A.Di Tella)

PABLO ROMANO
Realizador. Director de Los días del juicio y Alexander Panizza, sólo piano.

1) El árbol de la vida (T.Malick)
2) El hombre que podía recordar sus vidas pasadas (A.Weerasethakul)
3) Enredados (Greno/Howard)
4) La piel que habito (P.Almodóvar)
5) Pina 3D (W.Wenders)
Película argentina:
- Criada (M.Herrera)
- Los labios (Loza/Fund)
Película no estrenada comercialmente:
- 48 (S.de Sousa Días)
- La balada de Génesis y Lady Jaye (M.Loiser)

IGNACIO ROSSELLÓ
Realizador. Editor. Docente.

- El cisne negro (D.Aronofsky)
- Balada triste de trompeta (A.de la Iglesia)
Película argentina:
- Amor amor amor (Babini, Barés y otros)

ALFREDO SCAGLIA
Director de Cine Club Rosario.

1) Habemus Papa (N.Moretti)
2) La vida útil (F.Veiroj)
3) Le quattro volte (M.Frammartino)
4) Medianoche en París (W.Allen)
5) Mis tardes con Margueritte (J.Becker)
6) Un feriado particular (G.Di Gregorio)
Película argentina:
- Las Acacias (P.Giorgelli)
- Un cuento chino (S.Borensztein)

FERNANDO VAREA
Docente. Periodista. Autor del blog especializado Espacio Cine.

1) Alamar (P.González-Rubio)
2) El extraño caso de Angélica (M.de Oliveira)
3) Carlos (O.Assayas)
4) El hombre que podía recordar sus vidas pasadas (A.Weerasethakul)
5) Le quattro volte (M.Frammartino)
6) Tres monos (N.B.Ceylan)
7) Pina 3D (W.Wenders)
8) Morir como un hombre (J.P.Rodrigues)
9) Aquél martes después de Navidad (R.Muntean)
10) Habemus Papa (N.Moretti)
Película argentina:
- Criada (M.Herrera)
Película no estrenada comercialmente:
- Un été brulant (P.Garrel)

ARIEL VICENTE
Realizador. Programador del cine El Cairo.

1) El árbol de la vida (T.Malick)
2) El hombre que podía recordar sus vidas pasadas (A.Weerasethakul)
3) Incendies (D.Villeneuve)
4) Carlos (O.Assayas)
5) El extraño caso de Angélica (M.de Oliveira)
6) La mentira (X.Giannoli)
7) La vida útil (F.Veiroj)
8) Le quattro volte (M.Frammartino)
9) Morir como un hombre (J.P.Rodrigues)
Película argentina:
- El estudiante (S.Mitre)
- Los labios (Loza/Fund)
Película no estrenada comercialmente:
- This is not a film (J.Panahi)
- ¡Vivan las antípodas! (V.Kossakovsky)

MARCELO VIEGUER
Licenciado en Comunicación Audiovisual. Autor del blog Ficciones Narrativas.
1) Lazos de sangre (D.Granik)
2) Carlos (O.Assayas)
3) La piel que habito (P.Almodóvar)
4) El hombre que podía recordar sus vidas pasadas (A.Weerasethakul)
5) El árbol de la vida (T.Malick)
6) Medianoche en París (W.Allen)
7) Imparable (T.Scott)
8) El planeta de los simios (R)evolución (R.Wyatt)
9) Paul (G.Mottola)
10) Super 8 (J.J.Abrams)
Película argentina
- Fase 7 (N.Goldbart)
- Un amor (P.Hernández)
Película no estrenada comercialmente:
- Le gamin au vélo (Hnos.Dardenne)
- Killing Joe (W.Friedkin)
- Drive (N.W.Refn)

La película que tuvo más menciones fue Habemus Papa (13), seguida de cerca por El árbol de la vida, La piel que habito y Medianoche en París (11). Después se ubicaron:
- El hombre que podía recordar sus vidas pasadas (10)
- Copia certificada, Super 8 y Temple de acero (9)
- Blue Valentine, Carlos y Le quattro volte (8)
- El extraño caso de Angélica, El planeta de los simios (R)evolución, Incendies y Pina 3D (7)
- Lazos de sangre y Morir como un hombre (6)
- Balada triste de trompeta, El cisne negro, Poesía para el alma y Tres monos (5)
- Aquél martes después de Navidad, La mentira, La vida útil y Somewhere, en un rincón del corazón (4)
La película argentina más votada fue El estudiante (12), a la que siguieron Los labios (6), Las Acacias (5) y Un cuento chino (5). Después se ubicaron Aballay (4), Amateur (4), Criada (4) y Fase 7 (4).

Las mejores películas de 2011 según la “Internacional Cinéfila” aquí.
Balance de ESPACIO CINE 2010 aquí
Balance de ESPACIO CINE 2009 aquí

ALAMAR
(2010; dir: Pedro González Rubio)

La conocida teoría que sostiene que en los primeros minutos de una película deben quedar presentados los personajes principales y el conflicto se cumple rigurosamente en Alamar: una serie de fotografías y filmaciones caseras cuentan, rápidamente, la historia de amor entre un joven de origen maya y una muchacha italiana, el nacimiento de su hijo Natan y la posterior separación de la pareja. Pero estos hechos, que cualquier film se delectaría en desarrollar, aquí son sólo el prólogo. Lo importante será el tiempo compartido por Natan, a sus 5 años, con su padre y su abuelo, durante un viaje a tierra mexicana, sabiendo que finalmente residirá en el país de su mamá.
El traslado al Banco Chinchorro (una maravillosa reserva de arrecifes de coral en la Península de Yucatán) conlleva otra aventura igualmente generosa en sensaciones, la de internarse en un espacio más íntimo que geográfico. De hecho, el buceo en el mar de Natan junto a su papá parece denotar el avance hacia el fondo de los afectos, la inmersión en otras profundidades.
Nueva prueba de la manera con la que el cine contemporáneo disgrega barreras entre documental y ficción, Alamar (ganadora en la competencia internacional del BAFICI 2010 y premiada en los festivales de Rotterdam, Toulouse y San Sebastián) registra tanto el fascinante ámbito natural que exhibe esta reserva natural en el sudeste de México como los gestos y detalles que conforman la delicada pero fuerte comunión niño-padre, como si una clase de geografía o de biología se fusionara con los elementos arquetípicos de un pudoroso melodrama.
Hay algo de libertario en la propuesta de Pedro González Rubio (1976, Bruselas, Bélgica): la calma con la que el padre cuida de su hijo, la relación de igual a igual con los animales (incluyendo a Blanquita, una garza blanca que Natán adopta fugazmente como una suerte de mascota), la manera de procurarse comida y sostén prescindiendo de las comodidades, la forma con la que la naturaleza –imponente pero nunca amenazante– se integra a la vida cotidiana, le imprimen a Alamar reminiscencias del hippismo y ecos ecologistas. Esto no significa que se trate de una celebración de la indolencia; por el contrario, los personajes trabajan permanentemente (pintan, serruchan, martillan, nadan, pescan), aprendiendo a subsistir afrontando los problemas de distinto tipo que se les presentan, desde perderle el miedo a un cocodrilo hasta resistir la emoción de una despedida.
Si cierta atemporalidad y el protagonismo de Natan, con toda su inocencia y su alegría a cuestas, le dan a Alamar apariencia de cuento, al mismo tiempo sus piezas se despliegan con la soltura de una poesía. Con el acompañamiento de la bella música de Diego Benlliure, el film fluye liviano, luminoso y sin solemnidades, como lo manifiesta, incluso, su simpático final.

Por Fernando G. Varea

Trailer de Alamar aquí

UNA MAFIA FASCINANTE

Hay un doble nivel de crónica doméstica y de ferocidad criminal en cada secuencia del film. La media hora inicial, en que se presenta la fastuosa boda de Connie Corleone, es un buen ejemplo de la doble vía que luego transitará el relato. Por encima aparece la tranquilidad con que su padre Don Corleone recibe a los visitantes, la dulzura del vals que baila con su mujer, el afán sexual del hijo mayor Santino, el romance cauteloso del hijo menor Michael con una chica americana que todavía no entiende muy bien los modos italianos de esta familia de inmigrantes. Por debajo de esa crónica doméstica, que respira dinero y ciertas zonas de buenos sentimientos, alienta otra fuerza más poderosa. El espectador llega a saber que Don Corleone es un capo di maffia, al mando de docenas de pistoleros, con algunas jerarquías intermedias entre sus hombres de confianza. La familia finge dedicarse a la importación de aceite de oliva, pero en verdad regentea casas de juego y hace pensados favores a los amigos, matando muy discretamente a quienes le incomoden. Desde la boda inicial y a través de tres horas de relato, el film desarrolla las luchas externas de esa familia, no ya contra la ley sino con otros grupos mafiosos de similar importancia. Sobornos, muertes y traiciones van modificando la situación inicial, con dos etapas mayores en el traslado de la jefatura desde Don Corleone hasta Santino y después a Michael. En su último tramo, y redoblando el tono irónico del relato, el hijo menor se transforma también en padrino, pero todos los preparativos del bautismo de su sobrino se alternan, intencionalmente, con los aprontes de los diversos crímenes simultáneos que liquidarán a variados rivales.
Esa doble visión del smoking respetable y del crimen brutal da al film un relieve dramático constante. En opinión del propio Marlon Brando, todo el asunto es una metáfora del mundo de los negocios, donde la dura competencia comercial aparece sustituida por el balazo oportuno. Para la Mafia misma, que sobrevive en Estados Unidos pese a toda represión, el film es un retrato embellecido: no sólo abundan los buenos sentimientos entre los personajes, sino que las mismas palabras Maffia y Cosa Nostra no aparecen jamás en los diálogos, como parte de otro acuerdo de caballeros: la Paramount se comprometió a no utilizarlas, y la Mafia se comprometió en cambio a no fusilar en la calle a productores, director e intérpretes del film.
El embellecimiento de algunas de sus figuras conspira contra la convicción del film como retrato de una realidad. Es difícil creer, por ejemplo, en el amor idealista de Michael por dos mujeres o en la timidez con que afronta la necesidad de matar a dos rivales, y creer al mismo tiempo en su ejecutoria de líder durante los últimos tramos del relato. Paralelamente, quedan sin bastante explicación algunas vueltas laberínticas del asunto, como la facilidad con que un lugarteniente, un cuñado y un verdugo de la familia Corleone acceden a trabajar contra ella. Pero esas contradicciones son el precio que se paga para construir un melodrama de doble fondo, donde la hipocresía de tantos personajes es un instrumento más dentro de una minuciosa orquestación. A cambio de esos pequeños trucos de libreto (que simplifican procesos mejor explicados en la vasta novela de Mario Puzo) el film ostenta una acción continua y parece durar menos de sus tres horas reales.
Marlon Brando hace una creación de su padrino. Convertido en actor característico, sin el menor afán de estirar su personalidad de galán, ha vestido a Don Corleone con muy eficaces trucos de actor: la voz enronquecida, la boca ensanchada en un rictus que parece surgido de la edad, el pequeño baile de la mano en el aire, como si quisiera aclararse una frase complicada que todavía no comenzó a decir. A su lado, el joven Al Pacino, que carecía de mayor experiencia cinematográfica, compone un Michael sensible pero huidizo, en un estilo interpretativo que recuerda a Dustin Hoffman. Los méritos mayores del film son, sin embargo, del productor Albert Ruddy y del director Francis Ford Coppola, por la autenticidad con que retratan a estos italianos inmigrantes, por el engañoso perfil de bondad que ostentan, por la objetividad con que la trama se vuelca a imágenes, sin discursos explicativos, y por la violencia breve y cruel que el film desparrama en cada uno de sus crímenes.
La novela era un best-seller y el film comenzó a batir récords en todo el mundo. Ese éxito se debe en parte a la fascinación de la mafia como tema, pero hay que reconocer a la realización su estilo sobrio, su prescindencia de artificios, su tranquila eficacia.
(H.A.T.)

Si bien este texto fue transcripto directamente del original, cabe informar que se encuentra incluido en el libro Obras Incompletas – Tomo III (compilado por Fernando Martín Peña, Elvio Gandolfo y Álvaro Buela)

VERDADES VERDADERAS
(2011; dir: Nicolás Gil Lavedra)

(Por JUAN AGUZZI)
Luego de Botín de guerra (2000), de David Blaustein y Nietos (2004), de Benjamín Ávila, el cine nacional de circulación comercial no había vuelto a ocuparse del tema de los hijos apropiados de los desaparecidos durante la última dictadura militar; los nietos, aquellos bebés o niños que fueron literalmente arrancados de los brazos de sus madres y a los que les fue sustraída su identidad y que, en su gran mayoría, fueron a parar a manos de quienes secuestraron, torturaron o asesinaron a sus progenitores. Y mucho pasó en relación a estos nietos desde aquel último título, es decir, desde 2004 a la fecha, y gran parte de lo que pasó se debe a la inclaudicable lucha de las Abuelas de Plaza de Mayo, como se conoce a las mujeres que decidieron dedicar sus vidas a la búsqueda de sus nietos como un modo de recuperar, ya que no la vida de sus hijos, al menos una parte de ellos y una parte de las mismas abuelas, puesto que la perversa estructura de los represores permitió un doble golpe fatal: desaparición o muerte de un hijo y desaparición de un nieto. Ahora, Verdades verdaderas, la vida de Estela propone un abordaje a esta temática tan cara a buena parte de los argentinos a través de un relato sobre la hoy presidenta de Abuelas –que a la vez formó parte del grupo fundador– y figura de peso en la escena política y de los Derechos Humanos en el país y en el mundo, Estela Barnes de Carlotto. Ópera prima de Nicolás Gil Lavedra (1963, Buenos Aires), hijo de quien fuera miembro del tribunal que juzgó a los comandantes de las juntas militares, Verdades verdaderas se apoya en los momentos clave de la terrible historia de Estela de Carlotto para unir las intersecciones que la fueron conformando como la artífice de una lucha que implicaba una reparación al cuerpo social herido de una forma antes impensada.
Gil Lavedra, junto a dos colaboradores, construyó un guión suficientemente sólido de corte naturalista donde va acentuando los aspectos cotidianos de Carlotto, desde aquellos momentos en los que su hija Laura, una militante como tantas otras chicas de su edad que vivía con sus padres en una relación algo tirante pero cargada de afecto y comprensión –sin dudas diferente a otras de su mismo estilo–, es secuestrada y luego asesinada y la impactante noticia de que Laura tuvo un bebé y de que ella, Estela,
es abuela, hasta la dolorosa toma de conciencia sobre la posibilidad de luchar públicamente para encontrar a su nieto.
Esas instancias están narradas con buen pulso; Gil Lavedra optó por escindir la violencia explícita y más bien sugerirla con algunas pinceladas certeras, y eligió detenerse en diálogos y situaciones donde la carga connotativa de la violencia de la época está puesta en miradas y gestos, en los disimulos de la vida cotidiana para que el riesgo no sea intolerable, en el derrumbe emocional del marido de Estela –también secuestrado, molido a golpes y luego arrojado como un saco a la puerta de su casa–, en el miedo de la pareja por sus otros dos hijos varones y, finalmente, en el coraje que Carlotto va adquiriendo como modo de paliar las heridas intolerables que como un ventarrón impiadoso barrieron con su apacible vida de clase media.
Pero la estructura de Verdades verdaderas no es lineal, hay saltos en el tiempo y el relato tiene un presente con los tíos de Guido, el nieto todavía no recuperado de Estela, hablándole a cámara, material que irá a sumarse a los archivos del banco de datos que crearon las Abuelas y que tiene como finalidad enterar a los nietos restituidos de su pasado; igual que la secuencia que abre el film con la familia festejando una fecha navideña en la actualidad, que obra como suma de esa marca que el plan de aniquilamiento de la dictadura dejó sobre infinidad de familias pero que aunque, como en el caso de la familia de Estela de Carlotto fue sí la más horrenda de las marcas, no alcanzó a hacer mella sobre la memoria familiar ni impedir que la restitución de la identidad sea uno de los pilares sobre los que se fue erigiendo este nuevo periodo democrático.
Entre las enfáticas y muy bien marcadas actuaciones, que dan relieve a una precisa reconstrucción de época, sobresale la de Susú Pecoraro en la piel de Estela de Carlotto. Se trata de una actuación en la que se hace notable el tránsito desde donde al dolor profundo se le impone una fuerza interior que solivianta el miedo y convierte una vida en otra, la de Estela de Carlotto dejando de ser la correcta y amable directora de escuela primaria para convertirse en alguien que ama denodadamente al nieto que no conoce y entiende que en la recuperación de la identidad de todos los otros nietos que la institución que preside lleva adelante, le va algo del inconmensurable amor que guarda para su propio nieto. En un encuadre final de la Estela verdadera y en la sonrisa de algunos nietos reales recuperados –en un guiño donde mediante placas el realizador alude a un final feliz– se plasman los resultados de una lucha sin concesiones donde todo indica que el amor vencerá al odio.

Publicado en el diario El Ciudadano el 20/11/11.
Trailer de Verdades verdaderas aquí

Por Fernando G. Varea

Publicado en el diario El Ciudadano
http://www.lasacaciasfilm.com/

Depende del cristal con que se lo mire. Si se compara la visita al Festival Internacional de Cine de Mar del Plata en su primera época (la mejor de sus 26 años de historia discontinua) de Vincent Minelli, François Truffaut, Pier Paolo Pasolini, Paul Newman o Vittorio Gassman, con la módica popularidad de quienes desfilaban este año por la alfombra roja antes de presenciar el acto de apertura –apenas aplaudidos por un puñado de curiosos–, éste parecería estar sobrellevando un inocultable proceso de debilitamiento. Si, en cambio, se lo relaciona con la frivolidad y los contratos oscuros de los tiempos de Menem/Mahárbiz, puede afirmarse que ahora el festival luce más acotado pero digno. Y, en tanto otros eventos similares exhiben mayor rigor en la elección de películas y miembros del jurado, el de Mar del Plata (presidido por José Martínez Suárez) luce menos exclusivo, más cálido, mejor dispuesto a favorecer la asistencia de estudiantes.
Es una lástima –y ésta es una de las deficiencias que deben señalarse– que esta vez no hayan sido muchos los directores extranjeros que vinieron a acompañar sus películas, ya que siempre es estimulante el contacto personal de los realizadores con el público. En otro orden, es para lamentar, también, la ausencia de santafesinos en las actividades programadas, con la solitaria excepción de Juan Mascardi, que presentó su documental Tiburones en el Paraná dentro de la Jornada 24 Horas de Cine Nacional (estaba prevista, asimismo, la participación del crítico Emilio Bellón en una charla organizada por la Asociación de Cronistas, pero no pudo asistir).

Buenas películas

En los primeros días del festival asomaron algunas películas de esas que perduran en la memoria. ¡Vivan las antípodas!, del ruso Víctor Kossakovsky, es una especie de desprejuiciada mirada sobre nuestro planeta integrando seres vivos que habitan territorios opuestos, desde insectos, gatos, cóndores y jirafas hasta gauchos entrerrianos, trabajadores chinos o una familia africana. Opulenta, ocasionalmente graciosa y a veces contemplativa, envuelta en música de diversas procedencias, resulta un experimento curioso.
Esto no es un film es, precisamente, algo distinto a una película: la experiencia de ver a Jafer Panahi (el director iraní de El espejo, cumpliendo arresto domiciliario e imposibilitado de hacer cine por su oposición al gobierno) confinado en su departamento mientras un amigo registra sus intentos de representar el guión que no puede plasmar en imágenes, hasta que, finalmente, se asoma a la calle y se enfrenta con una fogata cargada de significados. Un ejercicio casi periodístico, de indudable valor político, que permite compartir con Panahi su asfixia, con algo de esa capacidad que tiene el cine iraní para reflexionar sobre el medio y jugar con las fronteras que separan la realidad de la ficción. Otro maestro, Alexander Sokurov, ofreció su sugestiva versión de Fausto (León de Oro en el último Festival de Venecia), película extensa de planos cortos, atmósfera húmeda, fotografía magistral, escenas de sobrecogedora belleza, toques cronenbergianos y un Diablo (prestamista de oficio) viscoso y singular en la caracterización de Anton Adasinsky.
L’Apollonide, recuerdos del burdel, de Bertrand Bonello, recorre los interiores de una casa de tolerancia en el París de comienzos del siglo XX, lugar presto para ocultas perversiones y despreocupadas tertulias. El film transmite notablemente la elegancia decadente de ese ámbito y ese tiempo, con provocadoras inserciones musicales fuera de época. La otra película francesa de la competencia internacional, El ejercicio del Estado, de Pierre Schoeller, es un drama intenso sobre los recodos del poder político, siguiendo el trajín cotidiano de un sanguíneo Ministro de Transportes (Olivier Gourmet, en uno de los mejores trabajos actorales vistos durante el festival) enfrentado a sus pares, al periodismo y a sus propias contradicciones.
Fuera de la competencia pudo verse Un verano ardiente, inteligente reflexión de Phillip Garrell sobre la pareja y la amistad, que, aunque algunos consideran deudora de Godard (por El desprecio), recuerda más a Truffaut por el cariño y la sinceridad con los que trata a sus enamoradizos personajes, tan seductores para el espectador como pueden serlo Louis Garrel, Jéròme Robart y Mónica Bellucci.
Se exhibió también –por primera vez en nuestro país– Las acacias, de Pablo Giorgelli, la película argentina ganadora de la Cámara de Oro en la última edición del Festival de Cannes. Acompañando el sutil cambio que produce en un camionero huraño la compañía de una joven mujer y su beba, es un film sobre el entendimiento, clásico en su estructura, dramáticamente contenido, que conmueve sin demagogia.

Buenas intenciones

No mucho más que buenas intenciones pudieron apreciarse en algunas películas argentinas participantes de las distintas secciones competitivas. Si Graba, de Sergio Mazza (cuyas escenas eróticas eran comentadas por los pasillos), parece remedar el cine de los Dardenne, con una pasiva Belén Blanco en medio de un clima angustioso bastante impostado, Diablo, de Nicanor Loreti (filmada casi toda en una sola locación), recuerda a las bromas sanguinolentas de Robert Rodríguez festejables en ruedas de amigos, aportando –sobre todo por las intervenciones de Sergio Boris y Luis Ziembrowski– algo de bienvenido humor. Claro que los valores del film de Loreti desaparecen si se lo compara con las comedias de Luis García Berlanga o de Jacques Tati que se exhibían en el marco del festival.
Tanto Verónica Rocha como Paula Markovitch rescataron hechos y recuerdos de su historia personal, con honestidad pero cierta puerilidad: Rocha repasa, en Ferrioviarios, el esplendor y posterior decadencia del ferrocarril en su ciudad natal (Cruz del Eje), con previsibles testimonios a cámara y algunas dramatizaciones algo ingenuas, mientras que Markovitch recrea en El premio una anécdota de su infancia –en tiempos de la dictadura militar, en San Clemente del Tuyú– que daba para un cortometraje y no para un film de casi dos horas, que sólo atrae por la asombrosa naturalidad de sus pequeños actores (especialmente su protagonista Paula Galinelli Herzog).
Si se habla de jóvenes intérpretes, merece destacarse, igualmente, la entrega física y emocional de la adolescente Joslyn Jensen en Without, despareja película dirigida por el estadounidense Mark Jackson, suerte de intromisión en la intimidad de una chica que, al quedarse a cuidar a un anciano en una casona, se siente extrañamente libre, por momentos melancólica y ligeramente enajenada.
Donde cuesta encontrar pretensiones nobles es en Tiranosaurio, ópera prima del actor y director inglés Paddy Considine, sobre la impensada relación de un hombre violento con una angustiada vecina (interpretados por Peter Mullan y Olivia Colman). Dos perdedores, seres patéticos castigados por un guión bastante antojadizo y nada benevolente, que maltrata sin miramientos a mujeres, chicos y perros.

La gente

Si un festival de cine, además de un abierto abanico de películas, debe ser un lugar de encuentro de cinéfilos y un espacio de aprendizaje, hay que reconocer que, aún con sus limitaciones, la edición 2011 del certamen marplatense cumplió con lo que debía esperarse: se dictaron seminarios y hubo presentaciones de libros, mesas redondas y homenajes. Uno de quienes se hicieron presentes para charlar con el público fue el director y actor Alex Cox, afirmando, en un amable castellano, que considera a El patrullero y no a Sid y Nancy su mejor película como realizador, y que se siente orgulloso de haber hecho en los ‘90 un film basado en La muerte y la brújula de Borges. Las presencias de Joe Dante (Gremlins) y el actor Willen Dafoe (La sombra del vampiro) eran también esperadas con expectativa.
Finalmente, y volviendo a las películas, si resulta discutible la heterogeneidad del conjunto (en el que cabían desde retrospectivas de Raymundo Gleyzer y Rodolfo Kuhn, o clásicos como Los amantes de Louis Malle, hasta Juan y Eva), o la deslucida proyección en una plaza de El secreto de sus ojos (que, a estas alturas, ya vio todo el mundo), nombres como los de Naomi Kawase, Bruno Dumont, Richard Linklater o Jonathan Caouette compensan esos desaciertos.
Un buen festival permite reencontrar la avidez de mucha gente por ver cine, algo que pocas veces puede observarse en otras circunstancias. En este sentido, es para celebrar que la cantidad de público haya superado a la del año pasado, confirmando lo que podía detectarse fácilmente, todos los días, en los cines marplatenses y sus alrededores: el entusiasmo, la necesidad de descubrir y las ganas de disfrutar.

Por Fernando Varea

(Publicado en el diario El Ciudadano el 12/11/2011)
Balance del Festival de Mar del Plata 2010 aquí

http://www.mardelplatafilmfest.com/

DE CARAVANA
(2010; dir: Rosendo Ruiz)

Una comedia romántica atravesada por los tópicos del thriller que, por sobre esas características genéricas, se alza como un estudio costumbrista salpicado de apuntes sociológicos. Un viaje al fondo de la noche como en Después de hora (Martin Scorsese) –o Felicidades (Lucho Bender)– pero con cierta marginalidad barrial a flor de piel, personajes que parecen salidos de Pizza, birra, faso (Caetano/Stagnaro), ataques de furia machista como en Rey muerto (Lucrecia Martel), algunos diálogos tarantinescos y encontronazos indicadores de diferencias socio-culturales que traen a la memoria a El hombre de al lado (Cohn/Duprat). Todo esto es De caravana, que, aún con esas y otras influencias a la vista, se muestra simple, espontánea, disfrutable, nunca impostada.
Su espíritu jovial y su narrativa clásica, buscando ganarse al espectador, van acompañados de una gran capacidad de observación de la realidad cotidiana de la zona: dirigida por el sanjuanino Rosendo Ruiz (1967) en Córdoba, la película escudriña liviana pero afectuosamente en el interior profundo de esta provincia. No en un sentido estrictamente geográfico, sino porque logra que, entre los enredos de su trama, afloren la vitalidad de los cuentos, la música de los cuartetos, la simpatía y la apertura para el afecto, tanto como cierta vulgaridad, algunas formas de violencia y barreras sociales que anidan desde hace mucho en algunos sectores de nuestro país (de las que recientemente dio cuenta otra producción cordobesa, la excelente Criada, de Matías Herrera). Esto último queda demostrado sin altisonancias, con expresiones como la de Sara (Yohana Pereyra) al oír que el joven que le interesa nunca hubiera asistido al recital de La Mona Jiménez sin requerimientos profesionales de por medio.
No sería oportuno pormenorizar el argumento del film, ya que gran parte de su atractivo proviene, precisamente, de la manera en que sorprende a cada momento: nunca se sabe bien quién de los personajes puede tomar las riendas para salirse con la suya. Sin dudas, lo mejor de De caravana es su guión, desarrollado con precisión, consiguiendo que el interés del espectador crezca sostenido más allá de algunas simplezas (las referencias a la “normalidad”, la metáfora del frasco, una relación sentimental que prospera sin demasiada justificación).
Haciendo creíble esa sucesión de incidentes, se luce un conjunto de desconocidos intérpretes, del que sobresale, comunicativo, Rodrigo Savina (Adrián-Maxtor, un sinvergüenza que termina congraciándose con el protagonista), aunque también es muy graciosa la Penélope de Martín Rena y verosímil el temible Laucha de Gustavo Almada. La manera en que éste le hace ver a su contrincante la imposibilidad de que la relación con Sara fructifique, más que una ocurrencia, parece el furibundo llamado al sentido común de alguien que sufre por su condición social. Actores –casi todos muy jóvenes, ya que casi no hay padres ni abuelos en la historia– que no parecen salidos de un aviso publicitario sino de la vuelta de la esquina.
Sin el lustre formal de, por ejemplo, El descanso (2001, Rosell/Moreno/Tambornino, por nombrar otra película argentina con aires de comedia rodada en la provincia de Córdoba), De caravana ha sido dirigida tomando decisiones sensatas, funcionales. Lo confirman declaraciones de Ruiz en el último número de la revista Haciendo Cine: “El director de fotografía se agarraba la cabeza, me decía que a tal o cual plano había que darle ritmo. Pero yo esperaba que el ritmo no lo imprimieran los planos o el montaje, sino la historia”.

Por Fernando Varea

http://decaravanalapeli.com.ar/

LA PIEL QUE HABITO
(2011; dir: Pedro Almodóvar)

(Por JUAN AGUZZI)
Cierto es que cada nuevo título de Pedro Almodóvar despierta por lo menos curiosidad por ver qué otro giro pone en práctica sobre la negrura que vienen acumulando sus films: crímenes, violaciones, incesto, ambiciones malsanas, traiciones, psicosis fueron conformándose como arquetipos de sus relatos, y aunque siempre envueltos en su pátina melodramática, son inequívocamente los componentes exclusivos, los que están movidos por las pasiones y movilizan la pasión narrativa del realizador español. En Los abrazos rotos (2008), Almodóvar había llegado a un punto de alto rendimiento formal y argumental, retomando el pulso que había logrado en La mala educación (2004) y que había aflojado en Volver (2006). Los abrazos… resumía la pureza de su tendencia pop y de humor negro y consumaba una historia de ribetes trágicos con envidiable plasticidad; la desmesura y el barroquismo de Almodóvar tuvieron en Los abrazos… un denodado filtro que los transformaba en ubicuos apéndices para que la historia se ramificara y se hiciera más rica en sus posibilidades de desarrollo.
Algo de todo esto hay ahora en La piel que habito, una historia terriblemente almodovoriana basada en la novela Tarántula del francés Thierry Jonquet, un escritor del género noir, que el director quería convertir en film hacía bastante tiempo. Y es auténticamente almodovariana porque del seno de La piel que habito surgirá una nueva criatura, un objetivo recurrente en los films del realizador donde, en cualquiera de sus formas, a través de una venganza, de la vuelta a la vida luego de un coma, de un cambio de identidad sexual, alguno de los personajes deviene otro; se diría que toda razón es atendible para Almodóvar para que se opere esa transformación, una necesidad casi interior de constatar que el ser humano puede tener varias vidas en una.
En La piel que habito la razón para ese cambio es siniestra, de un alto nivel de perversidad sin prejuicio de que tal vez esto ya se encuentre en la novela, que opera como un castigo o tortura ante el que sin dudar muchos preferirían la muerte. En un formato de thriller aunque, como ocurre con buena parte de los films de Almodóvar, condense otros géneros, en La piel… puede verse una transposición del tema Frankenstein a partir de la transgénesis, esa parte de la ciencia que se ocupa de las transfiguraciones moleculares y que la bioética ha venido a regular para que no genere monstruos o criaturas impredecibles en su capítulo humano. También es la historia de una venganza de límites insospechados practicada por un psicópata investido como un científico innovador reconocido por su comunidad alla Mary Shelley; la de una familia disfuncional con lazos fluctuantes entre el amor y el odio, y la de una locura colectiva al menos de los personajes en acción y relación que no terminará más que como una tragedia anunciada.
Con un disparador que puede situarse en Los ojos sin rostro (1960), el film de Georges Franju que describía a un cirujano brillante que quitaba las pieles de muchachas que raptaba para restituir la belleza de su hija muerta en un accidente trágico, este film de Almodóvar ensaya también la idea de que para el hombre siempre es posible refinar sus métodos de crueldad con tal de dar rienda suelta a alguna pasión enfermiza. Aquí, el doctor Ledgard quedó emocionalmente quebrado por no poder salvar a su mujer de las graves quemaduras que sufrió en un accidente mientras se fugaba con el hermanastro del médico, con quien había comenzado una relación sentimental. A partir de allí, y en la, a esta altura habitual práctica lúdica de cajas chinas con que al realizador español le gusta ampliar la resonancia de sus historias, otras situaciones van entrelazándose con un vértigo narrativo que estimula a concentrar la atención aun en las escenas más desprovistas.
El doctor Ledgard pertenece a una familia a la que su propia madre -a la que el médico no reconoce como tal- juzga maldita desde su propia génesis y él actuará convencido de que lograr sus oscuros objetivos no es otra cosa que una cuestión de voluntad, de designio, para lo cual se siente como un moderno Prometeo.
Con una puesta en escena refinadísima en la que pueden verse remedos posmodernos de las de algunos films clase B que se ocupan de científicos obsesivos en plan siniestro; una fotografía de calculado impresionismo, y un montaje que deja para el final buena parte del principio de las vicisitudes del relato conjugando solipsismos de los que los protagonistas principales son deudores -en esta elección puede verse un carácter demasiado arbitrario en detrimento de la fluidez del relato-, La piel que habito se ocupa menos de la traumática experiencia de alguien al que le cambiaron el sexo involuntariamente, que de apuntar la densidad patológica de un ser humano que se ve como un “creador” de vida, donde el devenir otro se inicia en los melindrosos caminos de los recursos científicos apropiados por una mente desquiciada.
Claro, se trata de un film noir, y todas las motivaciones son impulsadas por el afán obsesivo de lograr lo imposible, en este caso recuperar la esencia de alguien ya muerto. La piel que habito muestra entonces a un autor recostado en su madurez narrativa y lo sitúa como un hacedor de dispositivos fílmicos de innovadora eficacia.

(Publicado en el diario El Ciudadano el 6/11/2011)

http://www.lapielquehabito.com/

En estos días palpitan algunas discusiones en torno a Juan y Eva (2011, Paula de Luque, ficción sobre los comienzos de la relación sentimental entre Perón y Evita), recomendada por la presidenta y candidata Cristina Fernández, y El estudiante (2011, Santiago Mitre, representación de los recorridos de la militancia política a partir de lo que ocurre en el seno de una universidad pública), filmada sin apoyos del INCAA y entronizada por un sector de la crítica. Se suma, también, el largometraje animado Eva de la Argentina (2011, dirigido por la periodista María Seoane, con música de Gustavo Santaolalla), con un eslogan sugestivo: “Una bandera a la victoria”. Como puede apreciarse, pasan los años y cambian los gobiernos pero la costumbre se repite: poco antes o después de cada acto eleccionario, ciertas películas asoman como portavoces, desplegando sus imágenes en otros cuartos oscuros.

Por Fernando Varea

EL EXTRAÑO CASO DE ANGÉLICA
(O estranho caso de Angelica, 2010; dir: Manoel de Oliveira)

Sería injusto restringir El extraño caso de Angélica a la anécdota que desenvuelve fácilmente, con una hermosa joven repentinamente fallecida y un fotógrafo que –convocado para tomar con su cámara imágenes de ella aún vestida con su traje de novia– termina confundido, hechizado, enamorado. El film de Manoel de Oliveira (Oporto, Portugal, 1908) revela tras una apariencia sencilla una gran riqueza de matices, haciendo de una simple historia de amor con ribetes fantásticos una lúcida mirada sobre sentimientos y anhelos.
Isaac, el joven fotógrafo (interpretado por Ricardo Trêpa), puede ver lo que otros no ven. Enamorado al fin, se desinteresa por la comida o el dinero. Sabe apreciar la belleza que puede haber en un grupo de campesinos trabajando y comprende el sufrimiento de los demás, al punto de compadecerse del marido de Angélica, la muchacha muerta (que encarna sin hablar Pilar López de Ayala, la actriz española de Medianeras). Los demás no ven a Isaac con buenos ojos: algunos familares de Angélica parecen irritados con su nombre, a la dueña de la pensión le inspira desconfianza que le interese lo “antiguo”. Pero él ignora las habladurías y no le teme a lo que alguien llama brujerías: ensimismado, elude lo superficial y su mundo es interior, buscando la gracia en lo que lo rodea y en sus sueños, con su cámara o sus pensamientos. Por eso, la ventana de su cuarto en la pensión está siempre abierta, y él alerta a lo que puede verse y oírse desde allí. Los otros intentan encontrar explicaciones para todo; Isaac simplemente mira, atento a lo que tiene para ofrecerle el mundo con sus misterios. Fotografiar, más que una ocupación, termina siendo un recurso mágico, una manera de encontrar vida y luz donde ya no las hay.
El centenario director de Viaje al principio del mundo (1997) y Belle toujours (2006) le imprime a El extraño caso de Angélica tonalidad de cuento, trocando dramatismo por inocencia. A su ambientación algo atemporal se agrega una caracterización de los personajes a partir de rasgos esenciales (incluyendo el vestuario) y el empleo de sobreimpresiones deliberadamente anacrónicas para las apariciones de Angélica. Al mismo tiempo, muestra al pueblo en el que transcurre la acción como una aldea de fábula, apaciblemente soleada u ocasionalmente mojada por la lluvia. Su film es de aquéllos –excepcionales– en los que se advierte la elaboración de cada plano y donde cada movimiento de cámara aparece justificado. Los diálogos, en tanto, son expresados con parsimoniosa dulzura.
Es realmente admirable el dominio de los recursos y la frescura con los que sigue trabajando Manoel de Oliveira, que en un par de meses cumplirá 103 años. En El extraño caso de Angélica integra elementos provenientes de distintos momentos de la historia del cine (desde los trucos de Méliès hasta situaciones y personajes que traen resonancias de la obra de Dreyer, Bergman o Buñuel) sin énfasis de sabihondo ni reblandecimiento, simplemente jugando como un chico.

Por Fernando Varea

Trailer de El extraño caso de Angélica aquí

EL ÁRBOL DE LA VIDA
(The tree of life, 2011; dir: Terrence Malick)

(Por FERNANDO HERRERA)
Curiosa película ésta de Terrence Malick (1943, Waco, EEUU), autor todopoderoso que construye, reconstruye y deconstruye su propio universo para darle entidad a una obra que está a la altura de todos sus (des)propósitos, con una belleza enigmática y arrolladora, un lirismo elemental y una búsqueda de sentido que bien podría haberse ahorrado. Pero, claro, sería otra película y no este conjunto de momentos que acarician la obra maestra unidos a otros que se desbarrancan maravillosamente.
Ese exceso de ambición, esa búsqueda de abarcar lo inabarcable, a contracorriente de cualquier tendencia, probablemente valgan el precio de la entrada y quien se aventure a ver esto debería hacerlo en la pantalla más grande posible.
El centro de la historia pasa por un relato preciso sobre una arquetípica familia norteamericana de los años 50, con padre autoritario (Brad Pitt), madre comprensiva y tres hijos varones, que deben afrontar una tragedia que nunca se explica del todo. Este retrato está construido con solidez y amor por los detalles. Para dar cuenta de este micro-mundo, el director, fiel a sus ambiciones y a sus principios, nos lleva al Principio, el mismísimo del nacimiento del mundo, con una muy bella secuencia que es pertinente comparar con el final de 2001 – Odisea del espacio (Stanley Kubrick), más cerca del cine experimental y con muchas imágenes que, liberadas del peso de lo narrativo, se disfrutan en sí mismas.
A todo esto, otra subtrama, no muy desarrollada, nos lleva a ver en un frío presente al desencantado hijo mayor de la familia (Sean Penn, en plan intenso y sin la edad suficiente para haber sido un niño de 10 años en los ´50), deambulando por la ciudad y tratando de conectarse con ese pasado perdido. Parece mucho. Es mucho.
En la memorable Zorba, el griego (1964, Mihalis Kakogiannis) el final encuentra a los personajes principales bailando despreocupadamente en una playa, a pesar todo lo que vivieron. Los protagonistas de El árbol de la vida también terminan en una playa, pero más que bailar caminan confundidos, como buscando un guión perdido. Zorba no necesitaba replantearse tanto todo, simplemente bailaba sobre las ruinas de un proyecto desmedido que había terminado muy mal y, con una sonrisa, le preguntaba a su compañero Basil si alguna vez había visto un fracaso más esplendoroso.

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SIN ESCAPE
(2010; Der räuber; dir: Benjamin Heisenberg)

Aunque el título en castellano lleve a pensar en un thriller del montón, y aunque ladrones de bancos ha habido muchos en la historia del cine, esta película se diferencia de otras por hacer de su protagonista un condenado a vivir el escape como destino, el robo como adicción.
Adaptación de una novela basada en un personaje real, Sin escape retrata a Johann (encarnado por el actor austríaco Andreas Lust, que años atrás integró el elenco internacional del Munich de Spielberg), un hombre todavía joven que después de dejar la cárcel logra éxito como maratonista, pero –desoyendo las advertencias que, de distinta manera, le brindan un oficial que controla su libertad condicional y una joven con la que reinicia una relación sentimental– vuelve a robar, como si se tratara de una enfermedad o una vocación maldita. Más por las características del personaje que por el estilo del director Benjamin Heisenberg (1974, Tübingen, Alemania), trae el recuerdo de Pickpocket (1959), de Bresson.
Robar no parece ser lo único que le interesa a Johann, tal vez ni siquiera lo prioritario, sino el vértigo del peligro, la necesidad de sentirse perseguido para escapar hacia ninguna parte. Hay en él, al mismo tiempo, una obsesión por el deporte y la vida sana (llegando a reaccionar agresivamente cuando alguien fuma delante suyo) que, provocativamente, no aparece como posibilidad de salvación sino como parte de una personalidad maníaca y egoísta. No se sabe mucho de su pasado, pero pueden intuirse los motivos por los cuales no logra salir de su frialdad: la casa en la que se refugia, el fugaz recuerdo de la madre de su novia, alguna foto, parecen ruinas de un estado de felicidad irrecuperable. Tampoco importan demasiado sus triunfos deportivos ni su perfil mediático, sino lo difícil que le resulta escuchar, pensar, amar.
Sin escape genera tensión sin ceder a la tentación de hacer de los enfrentamientos delincuente-policías un espectáculo efectista. La mayoría de las escenas de fuga no están filmadas con cámara en mano sino en planos generales; tampoco hay música atronadora ni estética de videogame.
Director discreto, Heisenberg logra –con la melancólica luz de Reinhold Vorschneider como auxilio– enriquecer su trabajo con algunos fulgores: un misterioso plano general de una calle de Viena al atardecer sembrada de luces revelando (travelling mediante) la visión de una maratón, o los destellos de las linternas de los policías asomando entre las sombras del bosque, generan una rara sensación de amenaza y desazón.

Por Fernando Varea

Trailer de Sin escape aquí