Cien años de cine y literatura santafesina

Entrevista a Paulo Ballán en torno a su libro Cien años de cine y literatura santafesina (UNR Editora), publicada en el suplemento Cultura & Libros de la edición del diario La Capital del día 17/2/2019. Puede leerse también online AQUÍ

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El vicepresidente maldito

EL VICEPRESIDENTE: MÁS ALLÁ DEL PODER
(Vice; dir: Adam McKay)

(Por GONZALO VILLALBA)
La trama de Vice se plantea como una vida ejemplar negra: algo así como el revés del self-made man que alimentó y alimenta (administración Trump mediante) el mito norteamericano de país pródigo en oportunidades. En tal sentido, la película de McKay se encarga de relatar cómo un don nadie, proclive a beber en exceso e iniciar pleitos –según retrata la secuencia inicial– asciende progresivamente hasta ocupar la cúspide gubernamental de la nación más poderosa del mundo, parafraseando aquí el discurso nacionalista de supremacía blanca dado al Cheney interpretado por Christian Bale. De ahí la intervención insistente de un misterioso personaje narrador en el film (de quien conoceremos recién en el desenlace su propia participación en los eventos de la trama), encargado de datar e hilvanar los episodios de la vida de Cheney que conforman su carrera ascendente hasta la vicepresidencia, hito final certificatorio de la fábula patriótica norteamericana de tierra de prosperidad asegurada.
Narrador verdaderamente locuaz, puesto que McKay no sólo le asigna referir los hechos del biografiado sino, también, le hace pronunciar largas alocuciones didácticas que recuerdan en demasía las lecciones brindadas por Francis Underwood en House of cards respecto de los entretelones del quehacer político en la Casa Blanca. Estos comentarios del narrador que ilustran al espectador sobre la sagacidad de Chaney y su articulación con la fantasmagoría de la bonanza de oportunidades intrínseca a los Estados Unidos, hacen explícita la intención de McKay de componer un retrato de hombre público que refleje el envés de los ideales norteamericanos. Reflejo que busca desembozadamente espejar la imagen del presidente actual con su eslogan ganador de Hacer grande a América otra vez (aludido en Vice con la cita del discurso del también republicano Ronald Reagan), cuya proclama abreva y distorsiona –si seguimos la tesitura de McKay– el mito de país dadivoso en posibilidades para el desarrollo individual.
La moraleja emerge, entonces, clara: pervertida la chance de progreso que provee la magnificencia de los Estados Unidos con la opción de Cheney por el Mal (o el Diablo, según la musa inspiradora declarada por Bale), el idílico self-made man resulta un monstruo. Anomalía corporeizada en el magnate despiadado que retrata Vice, presto para decidir –una vez lograda la hazaña de conquistar el poder político– la invasión y expropiación de los recursos de países periféricos, a fin de incrementar el propio patrimonio junto al de empresarios amigos. Cheney y Trump un solo corazón, sermonea recursivamente la película de McKay, aunque ese tono aleccionador pretenda ser escamoteado mediante breves intervalos de chistes y escenas de gags creadas ad hoc por el entrometido narrador del film.
De tal forma, si la puesta presenta la vida de Cheney como contraejemplo, la moraleja conlleva un llamado conservador a salvaguardar el american way of life, nuevamente amenazado por el arribo de otro magnate inescrupuloso a la Casa Blanca. Interpelación rayana con la moralina de poner la casa en orden, frustrante de la pretendida radicalidad autoproclamada por los realizadores de la película (aunque, claro, el gesto rebelde de la biografía no autorizada sirva para promocionar, y vender, entradas). Así, Vice está más próxima a Primary Colors por el común cuestionamiento indulgente sobre las formas de ejercicio del poder (en tanto la biopic de McKay expresa un malestar centrado en la actitud bravucona de Cheney), antes bien que la crítica de fondo al sistema político formulada por Welles en Citizen Kane. Es harto conocida la dificultad para lograr simbiosis entre el arte y la política; Vice no parece particularmente saber resolver con eficacia esa relación conflictiva.

10 años de Espacio Cine

Por razones un poco inescrutables, Rosario siempre ha sido reacia a generar espacios destinados a reflexionar y debatir sobre cine. El deseo de hacerse cargo de ese vacío, más el interés por reunir notas propias publicadas de manera dispersa en medios gráficos y sitios web los doce años previos (a las que se agregarían nuevas), fueron el punto de partida de Despertando a la vida, que pronto –al advertir que el título resultaba, para muchos, más esotérico que cinéfilo– pasó a ser Espacio Cine. Durante 2009 la publicación de artículos ya existentes se alternó con algunas críticas, junto a textos de Pablo Makovsky, Juan Aguzzi y Leandro Arteaga que tomé prestados con su autorización (agregándose, apenas iniciado el año, uno inédito sobre Historias extraordinarias escrito por Fernando Herrera). Sugerencias de amigos como Franco Falistoco y Guillermo Bruno ayudaron al diseño del blog. Lo que vino después fue una década de persistente trabajo, añadiéndose a los artículos o reportajes concebidos para otros medios muchos especialmente escritos para Espacio Cine.
Llegado a este punto, la sensación es un poco imprecisa, probablemente porque esta labor desarrollada en un medio tradicional hubiera deparado gratificaciones más tangibles (la posibilidad de ingresar gratis a salas de cine, por ejemplo). Pero mejor detenerse en algunas experiencias positivas que deparó el recorrido.

    • Cuando comencé a darle forma a Espacio Cine no sospechaba que, con el transcurso de los años, eso me permitiría conocer a tantos directores y profesionales del medio: el estadounidense John Gianvito (“Algunos dicen que ya no se ven protestas como las de principios de los ’70, pero el activismo organizado es ahora mucho más fuerte que entonces”), el portugués Miguel Gómes (“Tengo conexiones con argentinos muy diferentes, que creo que se odian un poco como pasa en los países donde no hay tanta plata y varios pelean por lo mismo”), la mexicana Paz Alicia Garciadiego (“Todo el cine de John Ford, cineasta excelso, es irreal; los diálogos de Humprey Bogart y Lauren Bacall en blanco y negro son irreales, nadie habla en la vida real con esa rapidez y precisión… hoy el cine está contaminado de realidad“), los españoles Oskar Alegría y Javier Rebollo (“Rosario me pareció una ciudad moderna, joven, algo dinamitada como Madrid: hay algunos edificios modernos que te hacen pensar que allí debió haber algún palacio maravilloso, como en el boulevard Oroño”), los argentinos Fernando Martín Peña (que alguna vez aceptó, muy dispuesto, a que publicara un texto suyo sobre Buster Keaton que había escrito en facebook), Sergio Wolf, Andrés Di Tella, Fernando Pino Solanas, Lita Stantic, Lisandro Alonso, Matías Piñeiro, Alejo Moguillansky, Mariano Llinás, Rodrigo Moreno, Ezequiel Acuña, Nicolás Herzog, Santiago Mitre, Gustavo Taretto, Pablo Giorgelli, Tomás Lipgot, Celina Murga, Benjamín Ávila, José Luis García, Alejo Hoijman, Hernán Rosselli, Rosendo Ruiz, Inés de Oliveira Cézar, Federico Pintos, Javier Olivera, Ariel Rotter, Benjamín Naishtat, Juan Villegas, Maximiliano Schonfeld, Sebastián Sarquís, Daniel Hendler, Ulises Rosell, Toia Bonino, Matías Rojo. También tuve oportunidad de hacerles un par de preguntas al filósofo y profesor de estética francés Jacques Rancière (cuando fue invitado a Rosario por la gente de Facultad Libre) y a la maestra del cine experimental Narcisa Hirsch (cuando acompañó el documental sobre su vida realizado por Daniela Muttis en Mar del Plata). No se trata únicamente de haber obtenido declaraciones de todos ellos para Espacio Cine (o para algún medio gráfico o radial): en la mayoría de los casos, fueron cálidas charlas que recuerdo entrañablemente. Finalmente, vale agregar las entrevistas por mail que pude hacerles a Nicolás Prividera, Milagros Mumenthaler, Lucrecia Martel (a quien pude saludar personalmente años después, en Rosario, e incluso volverla a entrevistar brevemente en Mar del Plata) y a Manuel Antín. No hace mucho descubrí que una de las declaraciones que había hecho Antín para Espacio Cine era citada en una edición en inglés de Adán Buenosayres.

    • Estar atento a la producción audiovisual santafesina me permitió conocer a muchos realizadores locales y seguir su evolución. Ya en febrero de 2009 recabé testimonios de los ganadores del 1º Concurso de Proyectos de Producción y Realización Audiovisual organizado por la Secretaría de Producciones e Industrias Culturales de Santa Fe, dependiente del Ministerio de Innovación y Cultura: Lucrecia Mastrángelo (sobre Sexo, dignidad y muerte, que por su vigencia continúa proyectándose), Federico Actis (que con Los teleféricos no dejó de recibir premios y elogios), Francisco Matiozzi Molinas (quien me conmovería años después con Murales, el principio de las cosas), Sonia Helman (quien contaba que a los 12 años le regalaron una cámara de 8 mm y que posteriormente empezó a “editar con tijerita”), María Langhi (que recordó los programas dobles del cine Roma de Santa Fe al que asistía con su hermano), Pablo Romano (que definía Los nueve puntos de mi padre como un “registro documental sobre un fantasma que hace de las suyas en una familia pequeño burguesa”), Nicolás Font (quien deseaba lograr con su corto que “mucha gente quiera que la Vigil exista”), Andrés Nicolás (que daba como referencias cinéfilas a “Walt Disney y Leonardo Favio”) y, entre otros, los animadores Diego Rolle (que contaba cómo haber visto Los cazafantasmas a los 6 años lo impulsó a dibujar su primera historieta) y Pablo Rodríguez Jáuregui (a quien tuve el gusto de entrevistar largamente unos años después). En dicha encuesta, Fernando Herrera (con quien programamos ciclos en La Nave y el CCPE, y cuyos aportes fueron siempre valiosos para mejorar el blog) anticipaba su noble serie documental Punto Qom, en tanto Juan Mascardi, mientras se disponía a comenzar Sustancias elementales, recordaba cómo lo había impresionado, a los 9 años, ver el público gritando durante una exhibición de Evita (Quien quiera oír que oiga), y cómo, durante su infancia, “compraba la revista TV Guía y me estudiaba las programaciones de todos los canales de TV”. Entre los participantes de la encuesta figuraban, además, Iván Fund (cuyos proyectos, siempre deseables, continuarían frecuentando festivales y me llevarían a seguir entrevistándolo) y la inolvidable Mónica Chirife, quien deseaba que su micro documental Una ciudad para todos “sirva para crear conciencia y transformar una realidad y una actitud”. Con la continuidad de Espacio Cine, iría al encuentro de otros santafesinos a lo largo de los años: Julia Solomonoff (a quien había conocido colaborando en un seminario que dirigió para Facultad Libre en 2006), Raúl Beceyro (que entrevisté en un BAFICI), el prestigioso artista rosarino Adrián Villar Rojas (“Tenemos que acostumbrarnos a la idea de que cada centímetro de la Tierra y del universo simbólico humano es un campo de batalla”), la guionista Alicia Giménez Guspi (“Ni en mis mejores fantasías había imaginado lo que se puede sentir cuando el público ríe o aplaude con lo que uno creó”), Mario Piazza (inolvidable la experiencia de ver sus primeros cortos, exhibidos en super 8 y 16 mm, en el Festival de Mar del Plata), el talentoso Esteban Tolj. Igualmente, daría cuenta de la obra de Gustavo Galuppo (que aportó un par de textos para el blog y cuyas agitadas producciones audiovisuales no dejaron de despertar interés en los festivales, las más recientes junto a Carolina Rímini), Rubén Plataneo (notable realizador y frecuente lector de lujo de Espacio Cine), Florencia Castagnani, Diego Fidalgo, Gustavo Postiglione, Rodrigo Grande, Diego Castro, Milton Secchi, Ariel Luque, Sandra Martínez, Arturo Marinho, Juan Diego Kantor, Francisco y Pablo Zini, Claudio Perrín, Lisa Caligaris, Patricio Carroggio, Cristian Cabruja, Arturo Castro Godoy, Juan Pablo Buscarini, Hugo Grosso, Héctor Molina, Néstor Zapata, Esteban Trivisonno, Walter Becker, Estefanía Clotti, e incluso algunos que conocí como alumnos antes que comenzaran a destacarse como realizadores, como Máximo Huerta y Juan Linch. En varias ocasiones gente del medio local fue convocada para elegir las mejores películas del año, fueron difundidos sus proyectos (los del entusiasta productor Javier Matteucci, del director galvense de Pizza, birra y cortos Adrián Culasso o de los jóvenes Lisandro Giampietro y Alejandro Torriggino, en una nota sobre cineastas que también se dedican a la música y la escritura) o se abrió con ellos algún debate (como el organizado en agosto de 2015 en torno al posible dilema cine y/o series, o el año pasado sobre la programación de nuestras pantallas públicas).

    • Uno de los propósitos iniciales fue abrir el espacio a diversos columnistas, entendidos o interesados en el cine: a artículos de los ya mencionados Makovsky, Aguzzi, Arteaga y Herrera (incluyendo uno sobre un film de Cronenberg que este último elaboró junto a Agostina Guma) fueron agregándose otros firmados por Marcelo Vieguer, Alejandro Hugolini y Diego Barcia. Pero seguramente lo más estimulante fue el aporte de algunos jóvenes, egresados de Letras o Periodismo, que aceptaron o propusieron escribir para Espacio Cine: Ignacio Fosco (en torno al Festival de Cine de Mar del Plata de 2009), Martín Fraire (a partir de octubre del año siguiente, con una crítica de Enterrado), Javier Rossanigo (después de haber dejado un extenso y lúcido comentario lo invité a escribir y comenzó a hacerlo en febrero de 2013, sobre El árbol de la muralla) y Gonzalo Villalba (a partir de agosto de 2014, sobre 7 Cajas), colaboradores con los que terminé entablando una relación de confianza y amistad.

    • Espacio Cine surgió en tiempos de efervescencia de los blogs. Tal vez por eso, en los primeros años casi no hubo posteo que no fuera escoltado por comentarios de los lectores, agitándose polémicas en torno a críticas como las de Avatar, Miss Tacuarembó o Batman – El caballero de la noche asciende (que reunió 45 comments). En la difusión ayudaron mucho el boletín electrónico Cineastas Rosarinos que administraba Mario Piazza, el sitio Todas Las Críticas, ocasionalmente algún colega que se hacía eco de determinado artículo, y finalmente las redes sociales. Mi entrevista a Marcelo Panozzo (realizada cuando visitó Rosario como director artístico del BAFICI), al ser replicada por amigos suyos en facebook y twitter, resultó uno de los posteos con más visitas, y algo similar ocurrió cuando, en abril de 2017, después de ser removido de su cargo el presidente del INCAA, Alejandro Cacetta (vislumbrándose recortes presupuestarios y la retirada del rector de la ENERC, Pablo Rovito), reuní declaraciones de realizadores, productores, actores, docentes e investigadores, que obtuve de diversas fuentes (curiosamente, el periodista responsable de la improvisada denuncia televisiva que provocó esas renuncias, Eduardo Feinmann, retwitteó el link de la nota argumentando “hay que escuchar todas las voces”). Pero lo cierto es que los hábitos fueron cambiando y hoy –cuando rápidos vistazos desde el teléfono celular a las imágenes de instagram o a los mensajes de whatsapp reemplazan los minutos que puede demandar la reflexiva lectura de un texto– se escribe y se publica sin saber muy bien quiénes, cuántos y cómo leen. Procurando algo novedoso, en algún momento comencé a rescatar y compartir material proveniente de antiguos diarios y revistas, desde chistes de Fontanarrosa sobre cine publicados en Clarín hasta la crítica de Horacio Verbitsky de El romance del Aniceto y la Francisca o una de las últimas entrevistas a Hugo del Carril. No sé si esos artículos salvados del olvido despertaron entusiasmo en quienes los descubrieron, pero fue una práctica que disfruté especialmente, como un chico que muestra a sus amigos una figurita difícil. Tal vez esos recursos (investigar, acudir a la Historia, salir de la pereza de restringirse a lo que ofrece la web, considerar lo que otros han escrito) respondan, en definitiva, a la necesidad de intentar algo distinto o de publicar lo que uno desearía frecuentar en la web.

      Quien haya llegado a leer hasta acá habrá podido apreciar que Espacio Cine ha sido el resultado de una continuidad de encuentros, ansiedades y altibajos. Confío que parte de lo acopiado aquí, durante estos diez años, haya sido de utilidad para los lectores.

      Fernando G. Varea

Cine 2018: Imágenes e historias para recordar

Espacio Cine cumple 10 años. Como desde un principio, nos entusiasma reunir opiniones que contribuyan a la discusión sobre cualquier aspecto vinculado a la producción audiovisual. En este caso (y por novena vez) convocamos a críticos, realizadores, productores, programadores e investigadores para que seleccionen los largometrajes más valiosos, innovadores o arriesgados del año, entre los estrenados en salas, en festivales, en dvd o en streaming (con la opción de destacar, asimismo, una serie, un programa de TV, un corto, un videoclip o una reposición). Cabe aclarar que algunos se disculparon por no poder participar o no respondieron a la invitación. Queda para otro momento algún tipo de reflexión, a modo de balance, sobre los 10 años del blog. En principio, agradezco profundamente a todos los colegas y lectores cinéfilos que han apoyado a Espacio Cine durante todo este tiempo.
Van entonces, a continuación, las películas más votadas y las preferidas de cada uno de los consultados (incluyendo, al final, las mías). Los resultados no sólo pueden servir para rescatar del vértigo informativo determinados títulos y nombres, poner atención en ellos, conocerlos y valorarlos, sino, además, para advertir temáticas y géneros predominantes, descubrir novedades estilísticas y revelaciones, o ratificar las inquietudes de directores ya conocidos. En la selección conviven obras de creadores de distintas procedencias y generaciones, miradas sensibles sobre personajes complejos, documentales rigurosos con la verdad como meta, ficciones y animaciones que celebran el espíritu de aventura, el amor y el sentido del humor, cáusticas exploraciones por la naturaleza humana y por los recodos de la Historia: ojalá todos esos elementos estimulantes y positivos nos permitan recordar de lo que somos capaces –como artistas, como ciudadanos, como personas– para confiar en un año mejor.
FGV

Cantidad de votos y películas correspondientes:
23: EL HILO FANTASMA (Phantom Thread, Paul Thomas Anderson)
15: EL SILENCIO ES UN CUERPO QUE CAE (Agustina Comedi)
12: COLD WAR (Pawel Pawlikowski); ROMA (Alfonso Cuarón); TRES ANUNCIOS PARA UN CRIMEN (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, Martin McDonagh)
11: EL ÁNGEL (Luis Ortega); ISLA DE PERROS (Isle of dogs, Wes Anderson)
9: LA FLOR (Mariano Llinás); LUCKY (John Carroll Lynch); MISIÓN: IMPOSIBLE – REPERCUSIÓN (Christopher McQuarrie); ROJO (Benjamín Naishtat)
8: PROYECTO FLORIDA (The Florida Project, Sean Baker); VISAGES VILLAGES (Agnès Varda/JR)
7: COCO (Lee Unkrich/Adrián Molina); EL LEGADO DEL DIABLO (Hereditary, Ari Aster)
6: EL LIBRO DE IMAGEN (Le Livre d’image, Jean-Luc Godard); LÁZZARO FELICE (Alice Rohrwacher); TRANSIT (Christian Petzold).
5: BOHEMIAN RAPSODY (Bryan Singer); BURNING (Lee Chang-Dong); EL INFILTRADO DEL KKKLAN (BlacKkKlansman, Spike Lee); FAMILIA SUMERGIDA (María Alché); LA VENDEDORA DE FÓSFOROS (Alejo Moguillansky); PIAZZOLLA, LOS AÑOS DEL TIBURÓN (Daniel Rosenfeld); NO INTENSO AGORA (João Moreira Salles); THE OTHER SIDE OF THE WIND (Orson Welles); WESTERN (Valeska Grisebach)
4: 15:17 TREN A PARÍS (The 15:17 to Paris, Clint Eastwood); AS BOAS MANEIRAS (Marco Dutr/Juliana Rojas); EL MOTOARREBATADOR (Agustín Toscano); LA BALADA DE BUSTER SCRUGGS (The Ballad of Buster Scruggs, Joel y Ethan Coen); LLÁMAME POR TU NOMBRE (Call me by your name, Luca Guadagnino); TEATRO DE GUERRA (Lola Arias); THE POST: LOS OSCUROS SECRETOS DEL PENTÁGONO (The Post, Steven Spielberg); VERANO 1993 (Estiu 1993, Carla Simon)

BENJAMÍN NAISHTAT
Realizador (Rojo, Premio a Mejor Director en San Sebastián)
Familia sumergida (M.Alché) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – El motoarrebatador (A.Toscano) – Ultra-reve (Y.Gonzalez/B.Mandico/C.Poggi/J.Vinel)

JUAN VILLEGAS
Realizador (Sábado, Los suicidas, Las Vegas), crítico (Revista de Cine)
Paddington 2 (P.King) – Cetáceos (F.Percia) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – Familia sumergida (M.Alché) –  Una ciudad de provincia (R.Moreno)

PAULO PÉCORA
Realizador (El sueño del perro, Marea baja), guionista, periodista
Verano 1993 (C.Simón) – Visages Villages (A.Varda/JR) – El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi) – 24 cuadros (A.Kiarostami) – Adiós entusiasmo (V.Durán) – Familia sumergida (M.Alché) – La cama (M.Lairana) – La vendedora de fósforos (A.Moguillansky) – Mochila de plomo (D.Mascambroni) – No intenso agora (J.Moreira Salles)

EDUARDO A. RUSSO
Crítico, investigador,  director del Doctorado en Artes de la FBA-UNLP,  autor de Diccionario de Cine, El cine clásico y otras publicaciones
Almas muertas (W.Bing) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – El libro de imagen (J.L.Godard) – The Other Side of the Wind (O.Welles) – El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi) – Lucky (J.C.Lynch) – The Florida Project  (S.Baker) – Roma (A.Cuarón) – Song of Granite (P.Collins) – Verano 1993 (C.Simon)
Mención especial:
Para la serie Mindhunter y los documentales Me amarán cuando esté muerto/El corte final de Orson (complementos de The Other Side of the Wind)

FERNANDO JUAN LIMA
Crítico (La autopista del sur), abogado, ex vicepresidente del INCAA
Lazzaro Felice (A.Rohrwacher) – Las hijas del fuego (A.Carri) – Transit (C.Petzold) – La flor (M.Llinás) – La película infinita (L.Listorti) – El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi) – Borrá todo lo que dije del amor porque no sabía bien quién era (G.Pico) – El ángel (L.Ortega) – Familia sumergida (M.Alché) – Mochila de plomo (D.Mascambroni)
Mención especial:
Filmoteca, temas de cine, el genial programa de Peña y Manes. Por lejos, lo mejor de la TV. Siempre excelente; la incorporación de Roger Koza ha sido un gran acierto.

GONZALO AGUILAR
Docente (UBA), investigador, autor de Otros mundos. Un ensayo sobre el nuevo cine argentino y  Más allá del pueblo. Imágenes, indicios y políticas del cine
Visage Villages (A.Varda/JR) [Otro gran viaje de Agnès Varda por el interior de Francia y por el rostro humano] – Inflitrado del KKKLan (S.Lee) [Genial relectura de la tesis de Haz lo correcto, ahora desde el punto de vista de nuestra ambigüedad frente a la ley] – Isla de perros (W.Anderson) [Exilios, biopolítica, catástrofe ecológica, autoritarismo y soberanía: todos estos temas en stop motion] – La vendedora de fósforos (A.Moguillansky) [¡Otro slapstick intelectual de Moguillansky con música de Schubert!] – El ángel (L.Ortega) [Pese a su dificultad para comprender el padecimiento de las víctimas, es como subir a una montaña rusa y una lectura original de la década del 70] – Black Panther (R.Coogler) [Por fin un superhéroe que redime al continente africano y que muestra los poderes de la cultura afro con una mirada marveliana] – Stefan Zweig: adiós a Europa (M.Schrader) [Proeza: hacer una película interesante y con una reconstrucción sólida del mundo intelectual de los años 30] – El libro de imagen (J.L.Godard) [Godard es Godard] – Godard, mon amour (M.Hazanavicius) [Y… Godard es Godard] – Bohemian Rapsody (B.Singer) [Pésima película pero redimida por un genio deslumbrante y arrollador: don’t stop me now!] – Custodia compartida (X.Legrand) [Un retrato perfecto de la violencia familiar y de género, que juega con los prejuicios y las expectativas convencionales del espectador] – No intenso agora (J.Moreira Salles) [Un poco narcisista, pero la mejor conmemoración de Mayo del 68]
Mención especial:
El video de Thelma Fardin exhibido por el colectivo de actrices en el que denuncia la violación a la que fue sometida. El nuevo cine argentino está en la antesala de este excepcional corto que combina puesta en escena y testimonio, ficción (en el sentido de construcción) y afectividad, telenovela y cinema verité.

RAFAEL SPREGELBURD
Actor (El hombre de al lado, El crítico, Zama, Unidad XV), director teatral
La flor (M.Llinás) – Unidad XV (M.De Salvo) – La vendedora de fósforos (A.Moguillansky) – Cetáceos (F.Percia) – No viajaré escondida (P.Zubizarreta) – Rescate en Entebbe (J.Padilha) – La otra piel (I.de Oliveira Cézar) – Ocean’s 8 (G.Ross) – Misión Imposible: Repercusión (C.McQuarrie) – Perdida (A.Montiel)

ROGER KOZA
Crítico (La voz del interior, Revista Ñ), programador (DocBuenosAires, Filmfest Hamburg, Viennale, FICIC)
El libro de imagen (J.L.Godard) – La flor (M.Llinás) – Western (A.Girsebach) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – The Florida Project (S.Baker) – Transit (C.Petzold) – Misión Imposible: Repercusión (C.McQuarrie) – Jeannette: La infancia de Juana de Arco (B.Dumont) – Llámame por tu nombre (L.Guadagnino) – El lugar del silencio (J.Krasinski)
[Por haber participado en otras encuestas, en ésta, a la vieja usanza me circunscribí a los estrenos comerciales en sala, mencionados por orden de prioridad]
Mención especial:
Debido a que el editor de Espacio Cine ha escrito un confiable y laborioso libro sobre el cine y la dictadura, agrego aquí una lista de 5 libros de cine publicados en Argentina en el 2018 que me resultan excepcionales, sin orden de prioridad: Imitación de una vida (Tabbia); Adiós cine, bienvenida cinefilia (Rosenbaum); Obra y vida de Sarmiento en el cine (Suárez); Cine y dinero. Imaginarios ficcionales y sociales en Argentina (Visconti); Después del nuevo cine. Diez miradas en torno al cine argentino contemporáneo (VVAA).

MARCELA GAMBERINI
Licenciada en Letras, crítica (Con los ojos abiertos, Subjetiva), docente
Lazzaro felice (A.Rohrwacher) – Verano 1993 (C.Simon) – La flor (M.Llinás) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – El ángel (L.Ortega) –  Burning (L.Chang-dong) – Buenos aires al Pacífico (M.Donoso) – Visages Villages (A.Varda/JR) – As boas maneiras (J.Rojas/M.Dutra) – El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi)
Mención especial:
El marginal (escrita por Adián Caetano y dirigida por Luis Ortega)

FERNANDO KRICHMAR PORTO
Realizador (Seré millones, El futuro llegó, El camino de Santiago), integrante de DOCA
1) Venían a buscarme (A.de la Barra). 2) El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi). 3) Ata tu arado a una estrella (C.Guarini). 4) El sabor del Cemento (Z.Kalthoum, vista en la muestra DOCA). 5) La Boya (F.Spiner).  6) Pabellón 4 (D.Gachassin). 7) Teatro de Guerra (L.Arias). 8) La noche de 12 años (Á.Brechner). 9) El espanto (P.Aparo/M.Benchimol). 10) De Regreso a Coronel Vallejo (C.Castro)
Mención especial:
Bohemian Rapsody, No viajaré escondida, Yo Sandro, Toda esa sangre en el monte, Viaje a los pueblos fumigados, Miró: las huellas del olvido, Piazzola: los años del Tiburón y las series Better Call Saul, Happy Valley y Narcos: Mexico (no veo tantas).

CÉSAR MARANGHELLO
Investigador, autor de Breve historia del cine argentino, Eva Duarte, más allá de tanta pena y otros libros
Cold War (P.Pawlikowski) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – El motoarrebatador (A.Toscano) – El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi) – Invisible (P.Giorgelli) – La vendedora de fósforos (A.Moguillasky) – Mochila de plomo (D.Mascambroni) – Nuestra hermana menor (H.Kore-eda) – Rojo (B.Naishtat) – Vendrán lluvias suaves (I.Fund)
Mención especial:
Paddington 2, de Paul King, y La Boya, de Fernando Spiner.

TERESA ARREDONDO
Realizadora (Sibila, codirectora de Las Cruces)
Chuva e cantoria na aldeia dos mortos (J.Salaviza/R.N.Messora) – What You Gonna Do When the World’s on Fire? (R.Minervini) – The image you missed (D.Foreman) – Erased, ascent of the invisible (G.Halwani) – Cassandro el exótico! (M.Losier) – Braquer Poitiers (C.Schmitz) – Los reyes (B.Perut/I.Osnovikoff) – Los sueños del castillo (R.Ballesteros) – El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi)
Mención especial:
Es del 95 pero la vi este año en Mar del Plata y me pareció maravillosa: Out of the present (Andrei Ujica)

TOMÁS LIPGOT
Realizador (Moacir, Vergüenza y respeto, Viva el palíndromo)
All inclusive (D. y P.Levy) – Bohemian Rapsody (B.Singer) – El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi) – Entre dos aguas (I.Lacuesta) – Isla de perros (W.Anderson) – Joel (C.Sorín) – Rojo (B.Naishtat) – Sonita (S.Alizadeh) – Una mujer fantástica (S.Lelio) – Yuli (I.Bollaín)
[por estricto orden alfabético]

NICOLÁS HERZOG
Realizador, guionista (Orquesta roja, Vuelo nocturno. La sombra del Gallo)
1- Rojo (B.Naishtat). 2- Coco (L.Unkrich/A.Molina). 3- Cold War (P.Pawlikowski). 4- Transit (C.Petzold). 5- Invisible (P.Giorgelli). 6- Pabellón 4 (D.Gachassin). 7- Tres anuncios para un crimen (M.McDonaugh). 8 – The Party (S.Potter). 9-  La flor (M.Llinás). 10- 120 pulsaciones por minuto (R.Campillo)

MARCOS VIEYTES
Crítico (Calanda), autor de Subjetiva de nadie
El hilo fantasma (P.T.Anderson) – Cold War (P.Pawlikowski) – Llámame por tu nombre (L.Guadagnino) – Lucky (J.C.Lynch) – El ornitólogo (J.P.Rodrigues) – Todo el año es navidad (N.Frenkel) – Western (V.Grisebach) – El justiciero 2 (A.Fuqua) – La balada de Buster Scruggs (Hnos.Coen) – El depredador (Sh.Black)

EMILIO BELLON
Licenciado en Letras, crítico (Radio Rosario Clásica), docente (UNR)
1945 (F.Tôrôk) – Transit (C.Petzold) – Visages, villages (A.Varda/JR) – Cold War (P.Pawlikowski) – El repostero de Berlín (O.E.Graizer) – El hilo fantasma (P.T. Anderson) – Lucky (J.C.Lynch) – The place / Los oportunistas (P. Genovese) – Roma (A.Cuarón) – Stefan Zweig, adiós a Europa (M.Schrader)
Mención especial:
Sin dejar huellas (E.Zonca) y las reposiciones de films dados a conocer en sala Arteón, actualmente programa Jorge Debiazzi, y en cine El Cairo, particularmente lo que compete a las funciones de Amigos de El Cairo y el ciclo-homenaje a Marcello Mastroianni.

ESTEBAN TRIVISONNO
Realizador, guionista, director de Tito (que compitió este año en el BAFICI)
The Florida Project (S.Baker) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – Lady Macbeth (W.Oldroyd) – Rojo (B.Naishtat) – Dry Martina (Che Sandoval) – Hereditary (A.Aster) – Tres anuncios por un crimen (M.McDonagh) – The tale (J.Fox) – Yo, Tonya (C.Gillespie) – El sacrificio del ciervo sagrado (Y.Lanthimos)
Mención especial:
Killing Eve (BBC América)

LEANDRO ARTEAGA
Crítico, periodista (Rosario/12, Radio Universidad Rosario, 5Rtv), docente
15:17 Tren a Paris (C.Eastwood) – Aterrados (D.Rugna) – El libro de imagen (J.L.Godard) – El sacrificio del ciervo sagrado (Y.Lanthimos) – El ángel (L.Ortega) – Infiltrado del KKKLan (S.Lee) – Isla de perros (W.Anderson) – La rueda de la maravilla (W.Allen) – Nuestra hermana menor (H.Kore-eda) – Teatro de guerra (L.Arias)
Mención especial:
El cine como promesa (Sans Soleil, 2018), libro de Gustavo Galuppo.

MARIANO LUQUE
Realizador (Salsipuedes, Otra madre, Los árboles), integrante del Colectivo de Cineastas
El hilo fantasma (P.T.Anderson) – The Post: Los oscuros secretos del Pentágono (S.Spielberg) – Vendrán lluvias suaves (I.Fund) – El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi) – Entre dos aguas (I.Lakuesta) – Infinite football (C.Porumboiu)

PATRICIO CARROGGIO
Fotógrafo, realizador (El perro de Ituzaingó, Siempre es tarde)
15:17 Tren a Paris (C.Eastwood) – El primer hombre en la luna (D.Chazelle) – La flor (M.Llinás) – Western (V.Grisebach) – Lucky (J.C.Lynch) – Julia y el zorro (I.M.Barrionuevo) – Inflitrado del KKKLan (S.Lee) – Han Solo: una historia de Star Wars (R.Howard)

OSCAR CUERVO
Periodista (Radio Gráfica, blogs Taller La Otra y KBSAS)
As boas maneiras (M.Dutra/J.Rojas) – An elephant sitting still (Hu Bo) – El ángel (L.Ortega) – Corsario (R.Perrone) – Did you wonder who fired the gun? (T.Wilkerson) – The season of the devil (L.Díaz) – Lady Macbeth (W.Oldroyd) – La desaparición (Pororoca) (C.Popescu) – El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi) – Mujer nómade (M.Farina)

FERNANDO LUIS PUJATO
Crítico (Perro Blanco, La furia umana), autor del libro Hacia lo que vendrá, escritos desde el cine
The Other Side of the Wind (O.Welles) – Ash is Purest White (J.Zhang-ke) – 3 Faces (J.Panahi) – What You Gonna Do When the World´s on Fire? (R.Minervini) – Milla (V.Massadian) – Una storia Volatile (C.Vestroni) – The Impossible Picture (S.Wollner) – El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi) – Lazzaro felice (A.Rohrwacher) – Lucky (J.C.Lynch)

GUILLERMO BRUNO
Crítico de cine y teatro (LT8, FM La Red, Radio 10)
1) Tres anuncios para un crimen (M.McDonaugh) – 2) Llámame por tu nombre (L.Guadagnino) – 3) El hilo fantasma (P.T.Anderson) – 4) Una mujer fantástica (S.Lelio) – 5) Bohemian Rapsody (B.Singer) – 6) El ángel (L.Ortega) – 7) El repostero de Berlín (O.E.Graizer) – 8) The Post: Los oscuros secretos del Pentágono (S.Spielberg) – 9) Cold War (P.Pawlikowski) – 10) Coco (L.Unkrich/A.Molina)
Mención especial:
Para tres documentales nacionales: El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi), Piazzolla, los años del tiburón (D.Rosenfeld) y Testigo de otro mundo (A.Stivelman)

CRISTIAN OLIVA
Periodista, administrador del sitio Central Mutante
Mandy (P.Cosmatos) – Isla de perros (W.Anderson) – Roma (A.Cuarón) – Tully (J.Reitman) – Black Panther (R.Coogler) – Cold War (P.Pawlikowski) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – Hereditary (A.Aster) – Misión Imposible – Repercusión (C.McQuarrie) – Burning (L.Chang-dong)
Mención especial:
Desenterrando Sad Hill, de Guillermo de Oliveira.

GABRIEL GUILLAUMET
Realizador, director de fotografía, docente (UAI Rosario, ISCAA Santa Fe)
Lazzaro felice (A.Rohrwacher) – La balada de Buster Scruggs (Hnos.Coen) – The Other Side of the Wind (O.Welles) – Hilda (serie animada de Kurt Mueller & cía)
Mención especial:
Roma (A.Cuarón)

DIEGO FIDALGO
Realizador (Hombres de ideas avanzadas, El origen del pudor, Fotosíntesis), productor (Oxímoron)
Ata tu arado a una estrella (C.Guarini) – La flor (M.Llinás) – Rojo (B.Naishtat) – Toda esta sangre en el monte (M.Céspedes) – Tres anuncios para un crimen (M.McDonaugh) – Triple crimen (R.Plataneo) – Visages Villages (A.Varda/JR)

ARTURO MARINHO
Realizador, productor (Detrás de la línea amarilla, El amansador, Amadoras)
Rojo (B.Naishtat) – Roma (A.Cuarón)

JUAN PABLO RUSSO
Crítico, director de Escribiendo Cine
Rojo (B.Naishtat) – El ángel (L.Ortega) – El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi) – El motoarrebatador (A.Toscano) – Teatro de guerra (L.Arias) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – La noche de 12 años (Á.Brechner) – Pantera Negra (R.Coogler) – Yo soy Simón (G.Berlanti) – No intenso agora (J.Moreira Salles)
Mención especial:
La casa de las flores, de Manolo Caro (Netflix)

GISELA MANUSOVICH
Licenciada en Artes, docente (UBA), crítica (El cine en la mirada)
Cold War (P.Pawlikowski) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – El motoarrebatador (A.Toscano) – Impuros (D.Najenson/F.Mujica) – La cama (M.Lairana) – Los 120, la brigada del café (M.L.Vásquez) – Mujer nómade (M.Farina) – The Florida Project (S.Baker) – Rojo (B.Naishtat) – Verano 1993 (C.Simón)
Mención especial:
Quincy (Netflix)

ALEJANDRO PEREYRA
Director de fotografía (El asadito, El investigador de ciudades, La guayaba, Umbral), escritor
Lucky (J.C. Lynch) – La vendedora de fósforos (A.Moguillansky) – Roma (A.Cuarón) – La flor (M.Llinás) [Sólo vi los dos primeros capítulos] – The Other Side of the Wind (O.Welles)
Mención especial:
Quisiera señalar también una película que aunque no fue estrenada este año yo sí vi en el 2018 y me interesa recomendar: Qué difícil es ser un dios (2013).

MARCELO VIEGUER
Licenciado en Comunicación Audiovisual, docente (UCA, EPCTV)
Tres anuncios para un crimen (M.McDonagh) – Lazzaro felice (A.Rohrwacher) – Un lugar en silencio (J.Krasinski) – El sacrificio del ciervo sagrado (Y.Lanthimos) – Hereditary (A.Aster) – Custodia compartida (X.Legrand) – 15:17 Tren a Paris (C.Eastwood) – Detroit: zona de conflicto (K.Bigelow) – Todo el dinero del mundo (R.Scott) – El Justiciero 2 (A.Fuqua) – First Reformed (P. Schrader)
Mención especial:
Las series The Americans -Season 6 (estadounidense) y Dark (alemana).

FERNANDO HERRERA
Realizador, crítico (Radio Nacional, Mirar y ver)
1) El hilo fantasma (P.T.Anderson) – 2) Lucky (J.C.Lynch) – 3) Cold War (P.Pawlikowski) – 4) Tres anuncios para un crimen (M.McDonagh) – 5) Piazzolla: los años del tiburón (D.Rosenfeld) – 6) Roma (A.Cuarón) – 7) La flor (M.Llinás) – 8) The Florida Project (S.Baker) – 9) 1945 (F.Tôrôk) – 10) 120 pulsaciones por minuto (R.Campillo)
Mención especial:
Entre las series quiero destacar tres: Cobra Kai, Hill House y Maniac.

LUIS FITTIPALDI
Actor, director teatral, director de Rosariocine
1- Tres anuncios para un crimen (M.McDonaugh). 2- La forma del agua (G.del Toro). 3- Las horas más oscuras (J.Wright). 4- Yo soy Tonya (C.Gillespie). 5- Perfectos desconocidos (versión Alex de la Iglesia). 6- Lucky (J.C.Lynch). 7- Un lugar en silencio (J.Krasinski). 8- Esto no es un golpe (S.Wolf). 9- Animal (A.Bo). 10- Jiro Dreams of Sushi (documental japonés de Netflix que me parece maravilloso)

LUCIANO REDIGONDA
Programador (Centro Audiovisual Rosario), realizador (Clandestina, Mapamundi)
Visages Villages (A.Varda/JR) – Inflitrado del KKKLan (S.Lee) – The Florida Project (S.Baker) – La vendedora de fósforos (A.Moguillansky) – Piazzolla: los años del tiburón (D.Rosenfeld) – Lucky (J.C.Lynch) – Cocote (N.C.de los Santos Arias) – Roma (A.Cuarón) – Lazzaro felice (A.Rohrwacher) – Un lugar en silencio (J.Krasinski)
Mención especial:
Wild Wild Country (serie documental)

GUSTAVO ESCALANTE
Programador, encargado del archivo audiovisual del Centro Audiovisual Rosario
Cold War (P.Pawlikowski) – Inflitrado del KKKLan (S.Lee) – Isla de perros (W.Anderson) – La forma del agua (G.del Toro) – Tres anuncios para un crimen (M.McDonagh) – Aterrados (D.Rugna) – As boas maneiras (J.Rojas/M.Dutra) – Un lugar en silencio (J.Krasinski) – El hilo fantasma (P.T. Anderson) – Roma (A.Cuarón)
Mención especial:
Para el corto mexicano Verde, de Alonso Ruizpalacios (premiado en el 25º Festival de Cine Latinoamericano Rosario)

MATÍAS ORTA
Creador de A sala llena, redactor en revista Miradas, autor de Encerrados Toda la Noche: El Cine de John Carpenter
1-Roma (A.Cuarón). 2-Coco (L.Unkrich/A.Molina)). 3-Llámame por tu nombre (L.Guadagnino). 4-Nace una estrella (B.Cooper). 5-El ángel (L.Ortega). 6-The Post: Los oscuros secretos del pentágono (S.Spielberg). 7-Yo niña (N.Arpajou). 8-Aterrados (D.Rugna). 9-Mandy (P.Cosmatos). 10-Isla de perros (W.Anderson)
Mención especial:
Pose (serie)

MARTÍN IPARRAGUIRRE
Crítico (Hoy Día Córdoba, La mirada encendida), docente (UNC)
Song of Granite (P.Collins) – Season of the Devil (L.Diaz) – I´m not your negro (R.Peck) – As boas maneiras (J.Rojas/M.Dutra) – The Seen And Unseen (K.Andini) – The Florida Project (S.Baker) – Misión Imposible: Repercusión (C.McQuarrie) – No intenso agora (J.Moreira Salles) – Hereditary (A.Aster) – Burning (L.Chang-dong)
Mención especial:
El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi)

PABLO CECCARELLI
Codirector de la revista de cine Pulsión (La Plata)
El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi) – Mujer nómade (M.Farina) – Burning (L.Chang-Dong) – El libro de imagen (J.L.Godard) – Las hijas del fuego (A.Carri)
[aclaración: no incluyo películas que estaban en la lista del año pasado pero tuvieron estreno comercial en 2018]
Mención especial:
Por segundo año,  una película de Fernando Birri: en este caso ORG, proyectada en el Cine Municipal Select de La Plata.

CRISTIAN ANDRADE
Realizador (Santa Soja), programador (Muestra de Cine Interdisciplinaria Conecta)
Grass (H.Sang-Soo) – Kaili Blues (Bi Gan) – The wild pear tree (N.B.Ceylan) – Burning (L. Chang-Dong) – La desaparición (Pororoca) (C.Popescu) – An elephant sitting still (Hu Bo) – A land imagined (Y.Siew Hua) – Cold War (P.Pawlikowski) – El ángel (L.Ortega) – El cuento de la princesa Kaguya (I.Takahata)
Mención especial:
Espacio Cine 10 años.

FEDERICO ACTIS
Realizador (Los teleféricos, La arquitectura del crimen), productor (Rabia), docente
Dos largometrajes de ficción: El hilo fantasma (P.T.Anderson) y Tres anuncios para un crimen (M.McDonaugh). Un largometraje documental: El espanto (P.Aparo/M.Benchimol). Y un largometraje de animación: Isla de perros (W.Anderson)
Mención especial:
Para la serie Sharp Objects.

MARTÍN FRAIRE
Periodista, crítico (Radio San Jorge)
1- The Other Side of the Wind (O.Welles). 2- El hilo fantasma (P.T.Anderson). 3- Isla de perros (W.Anderson). 4- Roma (A.Cuarón). 5- El ángel (L.Ortega). 6- Avengers: Infinity War (A. y Joe Russo). 7- Tres anuncios para un crimen (M.McDonaugh). 8- Coco (LUnkrich/A.Molina). 9- Misión: Imposible – Repercusión (C.McQuarrie). 10- Hereditary (A.Aster)
Mención especial:
Episodio 4, temporada 3 de Daredevil – Miniserie Wild wild country – 2ª temporada de El Marginal.

FABIÁN DEL POZO
(Titular de Videoteca, cofundador de la primera revista sobre cine rosarina El Eclipse)
La balada de Buster Scruggs (J. y E.Coen) – Coco (L.Unkrich/A.Molina) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – La morgue (A.Ovredal) – The wild pear tree (N.B.Ceylán) – Piazzolla: los años del tiburón (D.Rosenfeld) – Roma (A.Cuarón) – Sinfonía para Ana (E.Ardito/V.Molina) – Transit (C.Petzold) – Viaje a los pueblos fumigados (F.Solanas)
[En estricto orden alfabético]
Mención especial:
A la continuidad de Filmoteca en la TVP, en un contexto en que el Estado actual cuestiona desde su día cero todo lo construido por el Estado predecesor (más aún en ámbitos afectados por groseros recortes presupuestarios como la Cultura), con todo el respeto a la coherencia de su conductor, quien saludablemente para la democracia, a la vez se manifiesta de manera pública contra dichas políticas: un espacio a preservar, en el que se puede disfrutar en calidad HD de una semana  dedicada al inusual modo de filmar de, por ejemplo, un Darío Argento casi no programado en la TV argentina.

JAVIER MATTEUCCI
Productor (Bronce, Amadoras)
Ready Player One: Comienza el juego (S.Spielberg) – Los conversos (S.Martinez/A.Marinho) – Bohemian Rapsody (B.Singer) – Animal (A.Bo) – Coco (L.Unkrich/A.Molina) – Isla de perros (W.Anderson) – Misión Imposible: Repercusión (C.McQuarrie) – Pañuelos para la historia (N.Valentini/A.Haddad) – Tres anuncios para un crimen (M.McDonaugh) – Deadpool 2 (D.Leitch)

MILTON SECCHI
Productor, realizador (director de Yo, pasto de los leones, exhibido en BAFICI 2018)
Estanque negro (J.S.Rinland) – Los árboles (M.Luque) – Western (V.Grisebach) – Malambo, el hombre bueno (S.Loza) – Vendrán lluvias suaves (I.Fund)
Mención especial:
La videoinstalacion de Florencia Levy en la muestra de la BIM (Bienal de la Imagen en Movimiento) en Muntref. Bellísima obra.

JUAN FRANCISCO GACITÚA
Crítico (Los jóvenes viejos, A sala llena, Las pistas)
Visages villages (A.Varda/JR) – Unas preguntas (K.Konrad) – La reina del miedo (V.Bertuccelli/F.Tiscornia) – Mochila de plomo (D.Mascambroni) – Casa del teatro (H.Rosselli) – Teatro de guerra (L.Arias) – Terra franca (L.Teles) – El ángel (L.Ortega) – Julia y el zorro (I.M.Barrionuevo) – Te quiero tanto que no sé (L.García Candela)
Mención especial:
La cura del espanto, de Mariana Rojas.

JUAN MARTÍNEZ
Crítico (Los Jóvenes Viejos)
1) Puppet Master: The Littlest Reich (S.Laguna/T.Wiklund) – 2) Hereditary (A.Aster) – 3) Misión: Imposible – Repercusión (C.McQuarrie) – 4) El libro de imagen (J.L.Godard) – 5) Las hijas del fuego (A.Carri) – 6) 15:17 Tren a París (C.Eastwood) – 7) Bodied (J.Kahn) – 8) Te quiero tanto que no sé (L.García Candela) – 9) Under the Silver Lake (D.R.Mitchell) – 10) La reina del miedo (V.Bertuccelli/F.Tiscornia)
Mención especial:
Chillling Adventures of Sabrina S01E01: Su 1º episodio nos mete de lleno en su universo a fuerza de confianza en los personajes y en aquello que se está narrando, con conflictos que no por adolescentes dejan de ser profundos, pero sin caer nunca en la solemnidad, con una soltura al entrar al mundo del satanismo que no veíamos desde La última puerta de Polanski y con una atmósfera verdaderamente aterradora. Y, al contrario de Hill House, sabe qué mostrar y cómo hacerlo, y es así como, en un momento enorme, tenemos una aparición de un diablo hermoso y majestuoso. Extrañamente, hasta ahora no vi ningún otro episodio de esta serie, tal vez porque temo que lo que viene después no esté a la altura de ese episodio descomunal.

DIEGO M. CASTRO
Licenciado en Comunicación Audiovisual (UNR), guionista, productor, realizador
Western (V.Grisebach) – Cold War (P.Pawlikowski) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – Las herederas (M.Martinessi) – Invisible (P.Giorgelli)

MEX FALIERO
Crítico, director de Fancinema, jurado de la sección Banda Sonora Original en el 33MDQFilmFest
Amor de vinilo (J.Peretz) – Coco (L.Unkrich/A.Molina) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – Isla de perros (W.Anderson) – La balada de Buster Scruggs (Hnos.Coen) – La reina del miedo (V.Bertuccelli/F.Tiscornia) – Misión Imposible – Repercusión (C.McQuarrie) – Petit Paysan (H.Charuel [vista en el Marfici] – The Florida Project (S.Baker) – The Post: Los oscuros secretos del Pentágono (S.Spielberg)
Mención especial:
Mrs McCutcheon, de John Sheedy (corto canadiense visto en el festival Funcinema, que aborda la temática de la identidad sexual con osadía y sensibilidad)

SONIA HELMAN
Médica bioquímica, realizadora (La torre de Guido, Con acento mocoví)
Colette: liberación y deseo (W.Westmoreland) [film inglés histórico más Keira Knightly es siempre digno de verse] – Lo que ellas quieren (N.Meyeres) [Sex and the city sexagenario muy interesante en el guión, un homenaje a las comedias de diálogos ingeniosos de los años 30 y 40] – La sociedad literaria del pastel de papas de Guernsey (M.Newell, Netflix) [más allá del profesionalismo y oficio de estos films corales, demuestra, en la línea de Doña Flor y sus dos maridos o La cámara oscura, que la mejor manera de llevar al cine un libro, y hacer un producto digno, es siendo absolutamente irreverente con la historia original]

JOSÉ LUIS VISCONTI
Licenciado en Comunicación Social (UNLP), crítico (Hacerse la crítica)
La imagen perdida (R.Pahn) – Isla de perros (W.Anderson) – Nuestra hermana menor (H.Kore-eda) – No intenso agora (J.Moreira Salles) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – Las olas (A.Biniez) – Rojo (B.Naishtat) – La noche de 12 años (A.Brechner) – Transit (C.Petzold) – No viajaré escondida (P.Zubizarreta)
Mención especial:
Fattoruso, de Sebastián Bednarik (que merece un estreno comercial)

DIEGO BARCIA
Diseñador integral, especialista en cine fantástico (Fantápolis, Cinematik)
Mi obra maestra (G.Duprat) – Coco (L.Unkrich/A.Molina) – El Ángel (L.Ortega) – Deadpool 2 (D.Leitch) – Animal (A.Bo) – Tres anuncios para un crimen (M.McDonaugh) – Desobediencia (S.Lelio) – Ready Player One: Comienza el juego (S.Spielberg) – Alfa (A.Hughes) – Hereditary (A.Aster)

FERNANDO G. VAREA
Periodista (Espacio Cine, Cultura & Libros de diario La Capital), docente (EPCTV, UAI)
1) The wild pear tree (N.B.Ceylan). 2) El hilo fantasma (P.T.Anderson). 3) Visages Villages (A.Varda/JR). 4) Cold War (P.Pawlikowski). 5) As boas maneiras (J.Rojas/M.Dutra). 6) A land imagined (Y.Siew Hua). 7) Misión imposible: Repercusión (C.McQuarrie). 8) Malambo, el hombre bueno (S.Loza). 9) La vendedora de fósforos (A.Moguillansky). 10) Familia sumergida (M.Alché) / Piazzolla: los años del tiburón (D.Rosenfeld)
Mención especial:
Versión restaurada de El bueno, el malo y el feo (Sergio Leone), exhibida en el BAFICI.

Balance 2017 AQUÍ

La Internacional Cinéfila 2018 AQUÍ  

Un encuentro con clásicos y modernos

A continuación, nuestra opinión sobre algunas de las películas proyectadas en distintas secciones del 33ª Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Aparte nos referimos a Vendrán lluvias suaves, escrita y dirigida por Iván Fund (Competencia Internacional) y La cama, de Mónica Lairana (Competencia Argentina). Pronto sumaremos una crónica de acontecimientos del festival, más una breve entrevista que pudimos hacerle a la realizadora Lucrecia Martel.
AUTORES
Seguramente las dos mejores películas que tuve oportunidad de ver fueron The wild pear tree [El peral silvestre] (Nuri Bilge Ceylan) y A land imagined [Una tierra imaginada] (Yeo Siew Hua), exhibidas ambas en la sección Autores. El film de Ceylan sigue a un joven que vuelve a su pueblo natal, en Turquía, reencontrándose con su familia e intentando iniciarse como escritor. Costumbres que funcionan como obstáculos (machismo, conservadurismo), además de la afición por el juego de su padre, le impiden progresar, pese a lo cual no pierde de vista su intención de publicar un libro (y conseguir que alguien lo lea). Aunque algunas decisiones del realizador de Lejano y Sueño de invierno puedan discutirse, su película contiene momentos extraordinarios –como el encuentro con una antigua amiga en un bosque o la extensa charla de tres jóvenes sobre religión mientras comen manzanas, caminan y se sientan a tomar un té– que a su riqueza formal le agregan calidez. La de Yeo Siew Hua, en tanto, tiene como eje a un trabajador chino en Singapur quien, después de sufrir un accidente, entabla relación con la dueña de un cybercafé y con un intrigante amigo en línea. La precarización laboral y deshumanización se encaminan hacia un clima agudamente pesadillesco, con ayuda de una iluminación artificiosa, de tonos parduzcos, y derivaciones argumentales que combinan la mirada pesimista sobre la vida en un país en el que la naturaleza parece no existir (se siente como un alivio cuando, una noche, el obrero y la chica cruzan a nado un río) con un enigma policial y rodeos sobre ciertos tópicos del cine fantástico.
En la Competencia Internacional también pudo verse Yara, del iraquí Abbas Fadhel (Homeland), donde una adolescente huérfana que vive con su abuela entre las montañas, en el norte del Líbano, conoce imprevistamente a un joven del que se enamora. Mucho de contemplativo hay en este film que no excede demasiado el registro de la apacible rutina de las dos mujeres: cuidar a los animales, recoger moras o dialogar con algún vecino son los pequeñas tareas que las mantienen ocupadas. La cámara se desvía a cada momento para exhibir el deslumbrante paisaje, asomando apenas una que otra idea plástica (la ropa de colores tendida al sol) y algunas sutilezas (la religiosidad de la anciana, o el teléfono celular que interrumpe las conversaciones indicando el avance de la tecnología hasta un lugar tan remoto como ese).
Infinite Football [Fútbol infinito], del rumano Corneliu Porumboiu (Policía, adjetivo, El tesoro) documenta el testimonio de un empleado público empeñado en modificar las reglas del fútbol. Su mayor parte la ocupa la conversación de Porumboiu con el gris funcionario, pero a esas declaraciones algo absurdas sobre el deseo de cambiar reglas (que pueden exceder el ámbito deportivo), se suma como plus la visita a la oficina de una anciana junto a un locuaz acompañante, para cumplir con un trámite burocrático. Curiosamente, al finalizar el film se escucha La peregrinación del santafesino Ariel Ramírez, en la artificiosa versión de Paul Mouriat. El film rumano dura poco más de una hora, lo mismo que Roi Soleil, del español Albert  Serra, también exhibido en la sección Autores, pero éste provocó deserciones en la sala y algunas risas nerviosas entre los asistentes, ya que se limita a exponer la figura de un hombre vestido como Luis XIV arrastrándose lentamente por el piso como un animal moribundo, en tiempo real, en medio de ayes y bañado de una luz roja. Golpes de piano (en un solo momento) y la insinuación de que se trataría de una instalación en una galería artística (con dos únicas palabras oyéndose al final) alteran ligeramente este experimento del director de Honor de Cavallería que, evidentemente, tomó desprevenido a más de uno. En Autores se vio, asimismo,  Le cahier noir [El cuaderno negro], de la cineasta chilena Valeria Sarmiento (esposa y colaboradora de Raúl Ruiz), quien, antes de comenzar la función, recibió de manos de la Directora Artística del festival Cecilia Barrionuevo una distinción por su trayectoria. Basada en una novela de Camilo Castelo Branco, es un discreto melodrama que transcurre en tiempos de la Revolución Francesa, cruzado de oropeles y carruajes, mejor ambientado que actuado.
TEMAS Y PERSONAJES
Varias películas de la Competencia Internacional eran acercamientos a problemáticas de actualidad o a personas dignas de ser conocidas. Es el caso del luchador transformista mexicano que la cineasta francesa Marie Losier entrevista en Cassandro el exótico! Durante el documental se lo ve eufórico, hablando de su madre y de su admiración por Lady Di, o mostrando las heridas y huellas de violencia en su cuerpo como si éste hubiera sido, durante muchos años, un auténtico campo de batalla. La representación de su posible muerte o la imagen suya caminando glamorosamente por el desierto, no son ideas muy afortunadas dentro de un trabajo cuyo interés se centra, básicamente, en la singularidad del extrovertido Cassandro, quien irrumpía en cada una de las funciones desde el fondo de la sala luciendo un fastuoso vestido.
Desparejas resultaron las estadounidenses Skate kitchen, de Crystal Moselle, y What  you gonna do when the world’s on fire [¿Qué vas a hacer cuando el mundo esté en llamas?], de Roberto Minervini. La primera sigue a una joven skater que encuentra en desinhibidas pares (que conoce en calles de Nueva York) una comprensión y contención que no le da la compañía de su madre, lo cual la impulsa a compartir cada vez más tiempo con ellas. En las liberadoras reuniones de las chicas, pendientes de sus skates y su cuenta de instagram, late cierta vitalidad generacional, pero las acciones se vuelven un poco repetitivas: otras películas con skaters (Paranoid ParkTilva roš) han tenido más vuelo u originalidad. El documental de Minervini, en tanto, presenta la realidad cotidiana de varios miembros de una comunidad negra marcada por la discriminación y el acecho de la violencia policial, yendo de sutiles guiños (chicos negros con la bandera de Estados Unidos estampada en sus remeras) hasta grupos pidiendo justicia por Alton Sterling (asesinado por la policía hace dos años) y alzando consignas militantes (Poder negro, Sin justicia no hay paz). Realizado en blanco y negro con una estructura algo caótica, de a ratos emociona y moviliza.
La misma temática pero desde otra óptica aborda If beale street could talk [Si la calle Beale hablara], el más reciente largometraje de Barry Jenkins, quien había competido con Moonlight en Mar del Plata dos años atrás, antes de ganar el Oscar. Como allí, Jenkins sigue el calvario de personajes negros de clase trabajadora (en este caso partiendo de una novela de James Baldwin ambientada en los años ’70) con refinados movimientos de cámara, cierta intensidad dramática y buenas canciones. La secuencia de una discusión familiar tal vez sea lo mejor del film, ya que las escenas románticas o la frecuencia con la que los personajes ponen música en un tocadiscos dejan demasiado en evidencia la búsqueda de sensual elegancia. Por otra parte, los problemas de la comunidad (En este país le alquilarían la casa a un leproso antes que a un negro, dicen en un momento) son un poco absorbidas por la historia de amor de la pareja interpretada por Stephan James (como un joven arrestado por un crimen que no cometió, lo que agrega pormenores de índole policial-judicial) y una sobreactuada Kiki Layne. Film de poco riesgo pero muy profesional, con Diego Luna y Dave Franco en personajes secundarios, gustó mucho al público.
CINE DE GÉNERO ENRARECIDO
Tres películas que integraron la Competencia Internacional fueron bastante discutidas, tal vez por responder a ciertos tópicos del cine fantástico y de terror (de poco prestigio para algunos) o por no definir plenamente su tono. Una fue In fabric [En tela], del británico Peter Strickland (Berberian Sound Studio), en torno a un vestido rojo que, por alguna extraña maldición, comienza a traerle problemas a varios personajes. Hay una vendedora exageradamente sinuosa, un lavarropas que enloquece, misterios e ironías varias en este film más divertido que armonioso. Las otras son las argentinas Vendrán lluvias suaves, de Iván Fund (de la que nos ocupamos aquí), y Muere, monstruo, muere, del mendocino Alejandro Fadel (director de Los salvajes y coguionista de algunos films de Pablo Trapero). Lo mejor de esta última es su atmósfera enrarecida y cargada de presagios sonoros, aunque su argumento acopla ingredientes diversos sin que quede claro si el objetivo último es la parodia o el horror psicológico partiendo de alguna problemática social, como podría serlo la violencia de género. Un adusto Esteban Bigliardi (visto recientemente en la notable Familia sumergida), junto a Víctor López y Jorge Prado (como dos graciosos policías) son los protagonistas de este producto híbrido, que reúne esplendorosos planos generales del paisaje cordillerano con un viscoso monstruo cuya apariencia sugiere genitalidad, frases sentenciosas (Todo el mundo tiene miedoEl aburrimiento lleva al horror) y un tema de Sergio Denis que se repite tres veces (nueva irrupción de una canción de los ’70 en el cine argentino reciente después de El ángel y Rojo).
MATICES DE LATINOAMÉRICA
La programación incluyó lo nuevo de Ana Katz y Ezequiel Acuña. Sueño Florianópolis, de Katz (Mi amiga del parque), abrió el festival con su aventura de una familia de clase media que emprende un viaje a Brasil en los años ’90. Claroscuros, cierta liviandad moral e indiferencia ante el futuro afloran en este grupo humano encarnado con gracia por Mercedes Morán y Gustavo Garzón junto a Manuela Martínez y Joaquín Garzón, hijos adolescentes de una y otro respectivamente. Por momentos el film parece contagiarse del ánimo vacacional de sus personajes, que se enredan en amoríos sin mucha convicción y sortean diversos incidentes sin alterarse demasiado. El guión, escrito por Ana y su hermano Daniel Katz, intenta una radiografía del argentino medio sin subrayados costumbristas. Bueno, lo vemos, repite el personaje de Morán cada vez que alguien le propone algo, con una mezcla de indolencia, pasividad y desinterés por el futuro que la película insinúa como rasgos distintivos de la Argentina que apañó al menemismo. Acuña, por su parte, ofreció en la Competencia Latinoamericana La migración, filmada en Perú (donde vive y trabaja actualmente), en la que el personaje que interpretaba Santiago Pedrero en La vida de alguien viaja a ese país en busca de su amigo sin demasiadas pistas, encontrando una forma de recompensa en la relación con una simpática adolescente (Paulina Bazán) y ocasionales compañeros como un tal Santino Amigo, cuya torpeza y ternura le trae recuerdos de sus 20 años. Diáfana y melancólica, por encima del encanto artificioso de un par de escenas (la lectura de El Principito, el juego con mímica en la plaza), la película de Acuña tiene el enorme valor de la sensibilidad con la que reflexiona sobre la amistad y los recuerdos. Ofrendar discos o canciones para establecer vínculos afectivos, por ejemplo, es algo tan simple como honesto, que los seres de ficción del realizador de Como un avión estrellado ejercen naturalmente, con informalidad y un dejo de tristeza. ¿Cuánto hay de personal en el film? le pregunté a Acuña; Más del 100% me respondió.
En la Competencia principal estuvieron la brasileña Chuva é Cantoria na Aldeia dos Mortos [La lluvia es canto en la aldea de los muertos], dirigida por Joâo Salaviza y Renée Nader Messora, sobre un joven indígena que extraña a su padre fallecido, y A portuguesa, de Rita Azevedo Gomes. La primera se sumerge de manera algo desapasionada en una cultura ajena a nuestro trajín urbano, en la que despunta un conflicto interesante (en una visita a la ciudad, el pibe comienza a engancharse con costumbres, música y comidas del lugar) que finalmente se diluye. Claro que la imagen entrañable de un viejo de la comunidad bailando desnudo en plena selva resulta difícil de olvidar.
En cuanto a Azevedo Gomes, adapta una novela de Robert Musil para un fresco histórico tan fascinante en su construcción visual como parsimonioso dramáticamente. Planos fijos de arrebatador encanto visual en antiguos palacios o exteriores (un lago en el que la protagonista se baña, bucólicos bosques cruzados por conejos o ciervos que parecen salidos de un cuento) se templan por las voces monótonas y la teatralidad de los actores, que discurren sobre  hechos de la Historia (La guerra está hecha de deudas) mientras una misteriosa mujer (la cantante Ingrid Caven) aparece, cada tanto, como un testigo o un fantasma.
CLÁSICOS
¿Valía la pena volver a ver Los 400 golpes (1959, François Truffaut)? Definitivamente, sí: presentada por el propio Jean-Pierre Léaud, volver a apreciar la querible historia del adolescente Antoine Doinel en la enorme pantalla del Auditorium, recordando que una exhibición del film en otro festival (Cannes, sesenta años atrás) revelaba la consagración de la Nouvelle Vague, no podía dejar de conmovernos a los cinéfilos. Como no podía ser de otra manera, la corrida final del joven protagonista por la playa y su mirada a cámara fueron acompañadas por un efusivo aplauso.
Algo similar, aunque en una sala mucho más chica, deparó El último malón, filmada por Alcides Greca en San Javier (pcia. de Santa Fe) cien años atrás, recreación de la rebelión de un grupo de mocovíes ocurrida en esa localidad un tiempo antes, con el aditamento de una historia de amor. La película, magníficamente restaurada, fue presentada por gente del Museo del Cine y se exhibió musicalizada por Maia Koening, remedando sonidos de tambores que parecían provenir de la misma memoria. El evento recordó otros que Fernando Martín Peña (Director Artístico hasta hace dos años) solía organizar en el marco del festival, como la proyección de Los cuatro jinetes del Apocalipsis o El caballo de hierro con el acompañamiento de la Orquesta Sinfónica de la ciudad, acontecimientos que ojalá vuelvan a producirse alguna vez.
Y si hablamos de clásicos y de centenarios, valga finalmente destacar las películas de Ingmar Bergman programadas a cien años de su nacimiento, además de una completísima muestra realizada en el Museo Castagnino marplatense (en la que el Presidente del festival José Martínez Suárez desgranó anécdotas y recuerdos relacionados con la obra del gran director sueco) y la presentación de un libro de gran calidad, iniciativa de Raúl Manrupe. En el balance personal, haber participado de esta hermosa publicación fue una gratificación de esas que escasean.

Por Fernando G. Varea

Iván Fund: “Los chicos son un atajo a la ficción”

Entrevistamos por primera vez a Iván Fund (santafesino nacido en San Cristóbal y criado en Crespo, Entre Ríos), cuando apenas superaba los veinte años y competía con su primer largometraje La risa (2009) en el BAFICI. Otros encuentros se sucedieron en torno a trabajos posteriores como Los labios (que codirigió con Santiago Loza y fue premiado en la sección Un Certain Regard de Cannes en 2010),  Hoy no tuve miedo (2011) y Toublanc (2017, sobre obra de Juan José Saer, con producción de Señal Santa Fe). Su nuevo largometraje Vendrán lluvias suaves (2018) integró la Competencia Internacional del 33º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, donde el rumano Andrei Ujica (colaborador de Harun Farocki), el productor y director español Lluís Miñarro, la fotógrafa y cineasta franco-armenia Valérie Massadian, la documentalista italiana Maria Bonsanti y la actriz y realizadora argentina María Alché (Familia sumergida) le otorgaron el Premio Especial del Jurado, compartido con el film brasileño Chuva é Cantoria na Aldeia dos Mortos (Renée Nader Messora/João Salaviza). De clima sereno pero efecto persistente, Vendrán lluvias suaves roza lo fantástico imaginando un pueblo en el que un día los adultos no despiertan y los chicos espontáneamente van agrupándose, ayudándose uno al otro y saliendo en busca de respuestas sin renunciar al juego y la aventura. La película tiene un tono austero y delicado, desenvolviendo sin demasiados sobresaltos algunos momentos de sugestiva belleza, como cuando muestra imágenes consecutivas de pibes de diferentes edades explorando el pueblo semivacío en compañía de sus gatos o perros. En el marco del festival (antes de saber que recibiría un premio) dialogamos con Fund sobre su obra.
– ¿Qué te motivó a hacer la película? 
– No hubo un disparador concreto. Siempre hay un conglomerado de elementos que, de a poco, comienzan a ordenarse. En el caso de Vendrán lluvias suaves yo había estado un par de años muy obsesionado con los libros infantiles, las novelas gráficas, los comics. Me había fascinado ese universo que desconocía y, de hecho, tuve la experiencia de hacer un libro llamado El organismo, para el que convoqué a una ilustradora y que por suerte se editó este año en Francia. Con esas inquietudes descubro El pato y la muerte, de Wolf Erlbruch, un libro infantil muy simple, con ilustraciones. Ahí había algo de la forma de relacionarse con el mundo y con la muerte que me interpelaba. Por otro lado, hace ya diez años que hago películas, en los últimos tiempos se fue clausurando cierta búsqueda y volvieron esas ganas de recuperar el cine que yo veía de pibe, por el cual empecé a dedicarme a esto también.
Vendrán lluvias suaves parece una combinación de ese cine que mencionás con tu estilo habitual, con tu propia búsqueda.
– Seríamos vende humo si dijéramos que es una película de aventura o de cine fantástico. No es eso. Sólo incorpora elementos de ese lenguaje, como de alguna manera lo hacía Toublanc con el policial. Tenía interés de empezar a incorporar códigos del cine de género. Si se quiere, abrir un poco el hermetismo que tenía mi cine anterior.
– Un rasgo que se mantiene es la ternura, una mirada  sensible sobre las cosas.
– Eso es un halago y me encanta que la película pueda transmitir esa manera de ver el mundo. Estamos bastante bombardeados por un cine que suele ser más un comentario que una experiencia y quería poner la atención en esos matices que hay entre el blanco y el negro. Porque si no pareciera que uno es un predicador, que dice Se viene el Apocalipsis o La salvación es ésta. La realidad afortunadamente siempre es mucho más compleja, con más fisuras.
– La película estimula distintas interpretaciones. ¿Hubo alguna reflexión en particular que te interesó dejarle al espectador?
– Para mí es valioso que la película dispare ese abanico, que cualquiera de las hipótesis funcionen. Puede haber una lectura epidérmica y cosas más subterráneas. Algunas tan subterráneas que no las ve nadie… Se trata un poco de esta búsqueda que uno está haciendo. Me gustaba que la película se eleve por sobre el blanco y el negro, celebrando la posibilidad de que, finalmente, lo único con lo que contamos es al que tenemos al lado, y cómo lo tratás. Es la única manera de atravesar el mundo, digamos. Los adultos están dormidos, hay cosas que se les pasan. Y aunque tenemos la tendencia a pensar en una catástrofe, los niños ven que eso está pasando pero no les preocupa verdaderamente porque tienen esa mirada matizada por otras cosas.
– Por el juego, por ejemplo.
– Eso es interesante porque yo pensé mucho en la idea del juego, en cómo está profundamente ligado a su realidad. Cuando el niño juega, se juega la vida, porque en realidad piensa que eso puede pasar. Si bien los niños asumen –tal vez un poco secreta o melancólicamente– esa suerte de desamparo, o de existencialismo pre-púber, devuelven la dimensión real a cada cosa. Como si dijeran Esto está mal, pero mientras tanto… Se puede luchar estando contentos, digamos. Creo incluso que el festival asumió un riesgo al programar Vendrán lluvias suaves, porque en las secciones principales suele haber películas más fácilmente tematizables, en sintonía con la agenda del momento.
– ¿Los fundidos a negro representan el gesto de dar vuelta las páginas de un libro?
– Sí, total. Tiene que ver con esa visión un poco fragmentada, que te dormís y pescás esto o lo otro. Hay una lógica de ensueño en la película. Por eso es un poco arbitraria en algunas cosas. Bueno, el cine es arbitrario siempre.
– Las locaciones elegidas tienen algo de pueblo venido a menos, con esas fábricas abandonadas y casas a medio revocar. No son lugares demasiado bonitos ni terroríficos.
– En eso fue fundamental Maxi Schonfeld, ayudó mucho. Como los protagonistas son rubios y de ojos celestes, siempre hacíamos el chiste Alguien va a decir que parece una película danesa, pero en Crespo son todos descendientes de alemanes. No sólo los chicos son de allí, también sus casas y sus perros. Me encantó trabajar con ellos, son una masa. Fueron re cómplices. Proponían todo el tiempo. Son un atajo a la ficción, no tenés que convencerlos de nada.
– ¿Por qué te interesó que transcurriera en un lugar indeterminado de Argentina?
– Transcurre en lugares que tienen una connotación emocional muy fuerte, porque me crié ahí. La fábrica es donde trabajó mi viejo cuarenta años. La casa es de un amigo, donde yo me quedé a dormir fuera de la mía por primera vez. La idea de no anclarla en una geografía concreta tiene que ver, además, con la idea de que puede estar pasando todo en la cabeza de alguien. Medio en broma y medio en serio, digo que es como El Eternauta con niños. Y el protagonismo lo tiene un grupo, no un héroe.
– La música aporta extrañeza y sentimiento al mismo tiempo. Y su uso no es excesivo.
– La hizo Mauro Mourelos, un músico de jazz que por primera vez hace música para una película. Yo había tenido una buena experiencia con él con Me perdí hace una semana (2012), en la que hizo un fragmento. Me gusta que la música sea como las piedritas que ponés para ir pasando por encima del agua, Mauro lo entendió perfecto. Hay también cierto uso de la misma como en el cine oriental o el animé.
– ¿Por qué no hay teléfonos, computadoras o televisores encendidos?
– Entiendo que como director de cine en 2018 debería empezar a incorporar esos elementos al relato. El teléfono de tubo fue fundamental para la historia del cine, por ejemplo. Habría que repensar cómo usar las nuevas tecnologías: la única peli que me gustó cómo está usado eso es Personal Shopper (Olivier Assayas), ya que en la manera en que la protagonista manda los mensajes o usa la computadora hay un hecho estético. En nuestro caso, no lo necesitábamos para la historia. Ayudó que cuando hicimos el casting le preguntábamos a los nenes que venían cuál era su juego favorito y nos decían Jugar al fútbol, a la escondida, ir al parque con los amigos. Casi nadie dijo Jugar a la play. Lo cual me sorprendió.
– Hay un plano cenital bastante curioso, con la cámara elevándose, mientras los chicos caminan.
– Me pareció un buen recurso para expresar desolación. La cámara está siempre a la altura de los chicos, por eso me parecía importante que un par de planos los contextualizara en ese pueblo abandonado. Se hizo con un dron. Teníamos poco tiempo pero creo que funcionó. Juega también con la idea de que alguien viene del espacio, mirando desde una perspectiva no humana. Además, hay algunas presencias que yo quise que fueran muy sutiles: el que las ve las ve, y el que no, no las ve.

Por Fernando G. Varea