Cuando en febrero el corto Un movimiento extraño, escrito y dirigido por el argentino Francisco Lezama, ganó el Oso de Oro en el Festival de Berlín, la sorpresa fue bienvenida: era el primer reconocimiento a nuestro cine después de la asunción de Javier Milei como presidente, en medio de noticias varias descalificando la importancia del INCAA y de las películas realizadas en nuestro país. Además, al agradecer el premio, el treintañero Lezama se expresó con claridad sobre la preocupante situación. Un movimiento extraño tiene puntos en común con dos cortometrajes anteriores de Lezama: en La novia de Frankestein (2015) y Dear Renzo (2016) también hay jóvenes crédulos o inocentones y al mismo tiempo atentos al intercambio de dinero, conociéndose azarosamente, desplazándose sin mucho conflicto de un espacio a otro. Se pierden, se encuentran, bailan, se conectan con cierto desapego y buscan sobrevivir como pueden. La exhibición en el FICIC de este corto premiado en Berlín (en el que actúan Laila Maltz, Paco Gorriz, Sofía Palomino y Susana Pampín, entre otros) fue una buena oportunidad para hablar un rato con Lezama, sentados –junto al amigo y colega Fernando Herrera– en la soleada Plaza San Martín de Cosquín. – En tu corto se advierte un gusto por el cine de género: hay algo de comedia, también de suspenso. – Es así. Aunque trato de pensarlo de otra manera. Siento que, a partir de la modernidad, ir al género sin ningun tipo de reflexión queda un poco corto. Sabemos que el cine comenzó transversal y popular, con las clases altas y bajas juntas en una misma sala, hasta que el mercado empezó a segmentar al público. Yo soy cinéfilo desde muy chiquito y me formé viendo cine de género. Evil dead II (1987), de Sam Reimi, por ejemplo, que tiene su propia disolución del género, me había fascinado porque no entendía si era comedia o terror. Una película de género que se corrompía y autodestruía, como un jugo gástrico. De ahí en adelante fue un poco la vara con la que veía las películas de género. Jean Renoir hablaba de lo que va degenerándose como la vida, que no tiene género. ¿La gran ilusión (1937) es una comedia sobre la Primera Guerra Mundial o qué es? El río (1951) tiene un momento super alegre que hace que la película sea mucho más triste. No me gusta el género cuando toca una sola nota rindiendo pleitesía a sus propias reglas. En el caso de Un movimiento extraño, me gustaba la idea de hacer una comedia romántica deconstruida, con esa guardia de seguridad de clase media baja que adelanta información sin saber si realmente las cosas son así o las fantasea, y que al cobrar una indemnización cambia de estatus y compra dólares. Las personas cuando están más tranquilas pueden armarse una película ellas mismas. Al tener dólares, la chica crea una comedia con un arbolito. La comedia romántica es la película que se hace el personaje. Un planteo muy rohmeriano. – Al mismo tiempo, algunos detalles me recuerdan al cine de El Pampero: la música que usás, la manera de hablar de los actores, cierto tipo de planos. – Sí, para mí Mariano Llinás es un cineasta de la concha de la lora. Alejo Moguillansky también, claro, tiene una tradición muy Rohmer, muy Jacques Rozier. Es verdad, en El Pampero está eso de poner en evidencia algo que se relata. Es borgiano eso, o de César Aira. Es la tradición literaria argentina. – Los personajes intercambian dinero sin muchos escrúpulos pero eso es contado con encanto y sentido del humor. – Eso de negociar, de sacar rédito, es parte del entramado del ser humano. Se trata de ver con cariño esa actitud, que puede ser perversa desde un punto de vista moral, o perdonavidas, como creo que debe ser el cine. Ahí están como referencia Robert Bresson, Erich von Stroheim, por ejemplo Avaricia (1924) que está cumpliendo cien años. Es además como un registro de gestos. Una disposición a mostrar lo que fluctúa en el ser humano. – A su vez, no parecen disfrutar mucho lo que van consiguiendo. – No pienso en la psicología de los personajes. En la vida real cualquier cosa puede cambiar. Si un día hay mucho viento, cambia la psicología del personaje. Me gusta ir sorprendiéndome: a diferencia de otras disciplinas, el cine da esa posibilidad de poder contraponer sentido y armar algo más de colisión. Se puede ser realista bazinianamente y, al mismo tiempo, trabajar con la matriz del montaje y una síntesis. En algun punto no me caso con ninguna de las escuelas. – Hay una realidad socio-económica que aparece lateralmente, como esa villa cercana al lugar donde la protagonista va a trabajar o las manifestaciones populares que se escuchan. – Esas manifestaciones no estaban planeadas y fue algo así como “Vamos a aceptar lo que me da el destino”. En el guion se hablaba de una corrida cambiaria, la aparición de los trabajadores marchando fue algo imprevisto. Quedó muy bien pero yo podría haber decidido no filmar eso. Lo que pasa es que hacer una película es como jugar con un cubilete y los dados, aunque haya gente que hace cine de género queriendo hacer doble generala todo el tiempo. Hay que captar los imprevistos. Eso pasa con los actores, que me ofrecen una batería de gestos. – ¿Cómo fue la elección de Laila Maltz y la idea de que su personaje trabaje como guardia de museo? – Laila Maltz es una de las actrices más talentosas de la Argentina. Lo raro sería no llamarla. Lo mismo Susana Pampín, que está siempre muy dispuesta al juego. Por otra parte, me gusta escribir según lo que la vida me da. Voy construyendo los guiones a partir de ideas muy disímiles, aprovechando lo que tengo a mano. Yo trabajaba en el MALBA y veía siempre a los guardias de seguridad. En un encuentro de fin de año aparecían vestidos de civiles. Y claro, es un tipo de trabajo sin movilidad y, salvo que te conviertas en el capo de la seguridad de un museo, eso genera una sensación de libertad que muchos ven como irresponsabilidad. Además me interesó la idea de la atmósfera, de trabajar a la noche en un museo cerrado, esa cosa medio sonámbula. Y allí estaba la obra de Pablo Suárez, un artista que trabajó sobre las crisis con humor. Una de las fichas era filmar una de sus obras a la noche, con la linterna. El final incluso era distinto pero la pandemia cambió los planes. El que quedó lo veo chaplinesco y es como decir “Continuará eternamente”.
Había estado en el Festival Internacional de Cine Independiente de Cosquín en dos oportunidades: en su segunda edición, allá por 2012, invitado a ser parte del jurado de la sección Largometrajes de Ficción, y dos años atrás, cuando la post pandemia estimuló mis ganas de respirar un poco de aire serrano y le agregué el plus de ver buen cine, permaneciendo allí poco más de un día, para luego dirigirme a otra localidad cordobesa.
Mi tercera visita al FICIC respondió a la necesidad de vivir el clima de un festival cinematográfico contrarrestando la zozobra de esta Argentina sometida a la experiencia de ser gobernada, o algo así, por un anarcocapitalista rodeado de funcionarios desdeñosos hacia lo que ha sido siempre parte de la riqueza de nuestro país (la lucha de los organismos de derechos humanos y el Juicio a las Juntas, la universidad y la salud públicas, el cine argentino). Sentirse acompañado durante unos días por personas de distintas generaciones y ciudades que comparten la misma idea del cine como un medio que puede ayudarnos (a aprender, a comprender, a imaginar) es algo impagable y en ese sentido, aunque sin la magnitud del BAFICI o el Festival de Mar del Plata –ahora de destino incierto–, el FICIC volvió a ser una fiesta cinéfila (tal vez este año más que nunca, por los motivos señalados). El evento suma el acierto de ofrecer alojamiento a realizadores, productores y periodistas, aunque esas gratificaciones impliquen no pocas dificultades de financiación: «Ante lo imposible, ante la evidencia de la falta (de recursos y tiempo), ante toda palabrería que solicite nuestra renuncia –expresaba en su texto de bienvenida el director artístico Roger Koza– solamente decimos no, afirmamos nuestra voluntad, seguimos adelante, pensamos en la acción, buscamos una alternativa para cada caso y confiamos en la cooperación virtuosa de muchas otras personas que no están dispuestas a dimitir. Si el FICIC puede hoy celebrarse es debido a nuestro deseo».
Llegando a Cosquín el viernes a la mañana, no pude ver largometrajes exhibidos el día anterior como Las ausencias (Juan José Gorasurreta) –de bello afiche–, la ucraniana La palisiada (Philip Sotnychenko) –a la que el jurado que integraron los realizadores Julián D’Angiolillo y Mariano Luque junto a la escritora Eugenia Almeida terminó premiando como Mejor Película de la Competencia Internacional–, y El realismo socialista (film inconcluso del maestro chileno Raúl Ruiz rescatado y reconstruido en 2023 por su viuda y colaboradora Valeria Sarmiento). Pero ya la amabilidad y simpatía de los directores del festival, Carla Briasco y Eduardo Leyrado (y de Facundo, el hijo de la pareja, incorporado este año a los jóvenes colaboradores del evento), más el encuentro ocasional con colegas, realizadores, actores y productores, anticipaban ratos placenteros. Así fue que, después de la contemplación del apacible río Cosquín y un paseo por las calles coscoínas (que un automóvil recorría con su propaladora, invitando a participar), pude internarme en el ritmo festivalero –más provinciano y amigable que en certámenes más grandes–, que abarcaba desde funciones a las diez de la mañana hasta otras a la medianoche en el teatro El alma encantada y el Centro de Congresos y Convenciones con su microcine.
De la programación pude ver varios cortometrajes, incluyendo Un movimiento extraño, del argentino Francisco Lezama, que con gracia, habilidad narrativa y calidad formal sigue los pasos de una chica supersticiosa que debe dejar su trabajo como guardia de seguridad en un museo y luego se involucra con el empleado de una casa de cambio. Algo de la realidad socio económica reciente de la Argentina y del deseo encontrándose con alguna forma de soledad asoman a través de ambos personajes (jóvenes anhelantes y desorientados, de actitudes algo cándidas y al mismo tiempo materialistas), muy bien encarnados por Laila Maltz (vista en varios largometrajes a partir de Noelia, el corto dirigido por María Alché) y Paco Gorriz, más unos pocos más, además de certeros toques humorísticos y musicales. Aquí la entrevista que pude hacerle a Lezama en torno a este trabajo, premiado en FICIC y antes, en febrero, en el Festival de Berlín.
Muy diferentes son otros cortos que competían en el festival: enigmático y con un lúcido uso del sonido Bloom (de los españoles Samuel M. Delgado y Helena Girón), sobre una isla cierta o imaginaria; de tono cordial pero girando alrededor de una sola idea reiterada con la voz en offYo fui asistente de Eduardo Coutinho (del brasileño Allan Ribeiro); razonablemente caótico, como un collage frío pero cautivante sobre estos tiempos revolucionados por el dinero y la tecnología, For here am i sitting in a tin can far above the world (de la francesa Gala Hernández López); de un interés que se diluye por monótonas voces en off en francés Tu trembleras pour moi (Pablo García Canga) y Pas Crever (de la cordobesa Sofía Bordenave); luminoso y despojado Rolle (del joven crítico argentino Tomás Guarnaccia), registro de una búsqueda en una ciudad suiza, con la casa de Jean-Luc Godard como objetivo aunque se podría prescindir de ese dato, y con la providencial aparición de un gato más sociable de lo que aparenta. Se exhibió también un mediometraje de Nicolás Prividera que había pasado por el BAFICI: Carta a una señorita en París, «una película sobre fantasmas atrapados en el limbo de la historia», como lo definió Luciano Monteagudo según cuenta el propio Prividera aquí. Los films y los textos de NP estimulan la reflexión y el debate; algunos los evitan mientras otros los deseamos. Sentido y disperso, Carta a una señorita… reúne registros en super 8 realizados por los padres del realizador durante su luna de miel en París en 1968 con otros recientes del propio Nicolás, atravesados por reverberaciones de Cortázar, la voz de la crítica francesa Claire Allouche e imágenes de agitadas protestas callejeras en la Francia actual.
El viernes se proyectaron dos largometrajes que convocaron mucho público y generaron comentarios: Las cosas indefinidas (María Aparicio), que el jurado de la Competencia Internacional premió con una Mención Especial, y El escuerzo (Augusto Sinay), que integró la sección Planos de provincia. Aparicio es la realizadora cordobesa de Sobre las nubes (2022) y en esta historia sobre una montajista (Eva Bianco, excelente una vez más) que cumple con su trabajo acompañada de un joven asistente (simpático personaje encarnado por Ramiro Sonzini, co-director del notable corto Mi última aventura, premiado en el BAFICI de hace dos años, y crítico en La vida útil) mientras sobrelleva el dolor por la muerte de un amigo, repite virtudes y deficiencias de su largometraje anterior: por un lado, una sensibilidad y una melancolía contenidas, expresando estados de ánimo a través de elaborados encuadres, planos que duran lo justo, suavidad en tonos y situaciones sin que esto genere apatía; por otro, cierta impostación (locaciones e iluminación forzadamente taciturnas, diálogos no siempre convincentes, plantas y flores como señales de ternura) y la recurrencia a las contrariedades que surgen del trabajo audiovisual, algo que suele usarse como pretexto narrativo para enriquecer un film. En cuanto a El escuerzo –que transcurre en el siglo XIX y era relacionado por algunos con el cine de Leonardo Favio de los años ’70–, no pude verlo pero valga la anécdota: con Sinay, joven director cordobés egresado de la ENERC, nos conocíamos solo por redes sociales después que yo compartiera una foto que le había sacado, de casualidad, en el Festival de Mar del Plata de 2013 junto a Bong Joon-ho.
Otras propuestas eran los Cortos de Escuela (con Sinay, la programadora Carla Briasco y la actriz Jazmín Carballo conformando el jurado), una retrospectiva de Julián D’Angiolillo (exhibiéndose todos sus cortos y largometrajes documentales, incluyendo el valioso Cuerpo de letra y el reciente La gruta continua) y una sección cuyo nombre generaba cierta intriga entre los asistenes (Invitación de la casa), dentro de la cual se incluyó El verano más largo del mundo, dirigida por Alejandra Lipoma y Romina Vlachoff.
A diferencia de mis dos experiencias previas en FICIC, no hubo mesas de debate ni presentaciones de libros. Pero no faltó Filmoteca en vivo, con proyecciones de películas en 35 mm. aportadas por Fernando Martín Peña, que no pudo estar presente. En mi caso, volver a ver El estado de las cosas (1982, Win Wenders, estrenada comercialmente en Argentina únicamente en el cine Lorca, de Buenos Aires, en marzo de 1988) fue, indudablemente, un acontecimiento cinéfilo, en un año en el que probablemente haya pocos a mi alcance: no había vuelto a ver la película desde que la alquilé en VHS muchos años atrás, por lo cual pude redescubrir sus méritos al tiempo que disfruté, junto al nutrido público, las sensaciones despertadas por esa proyección similar a las que se sucedían en las salas del mundo a lo largo del siglo pasado. No eran pocos los que se acercaban, antes y después, a hablar con el proyectorista coscoíno Luis Nogués, valorando su noble y ya postergado oficio. Después supe que fueron muchos también los que asistieron el sábado y el domingo para ver, en el mismo salón del Centro de Congresos y Convenciones, Alicia en las ciudades (1974) y Hammet (1982), igualmente dirigidas por Wenders, el realizador alemán que, después de une etapa irregular, volvió a interesar al público y la critica este año con Días perfectos (2023).
Todo estuvo a la altura de mis expectativas y el balance es positivo. Aunque entre las películas, las caminatas, los encuentros y los saludos se hacía presente, a cada momento, la preocupación por las dificultades para llevar adelante rodajes y festivales a partir de las medidas anunciadas y perpetradas por el actual gobierno nacional, con la anuencia de buena parte de nuestros legisladores. La fotografía que ilustra este texto (con la bandera argentina y un eslogan nada falso, teniendo en cuenta que en torno al mismo nos aglutinamos directores, organizadores, actores, críticos, estudiantes y asistentes en general) da cuenta de esa inquietud.
Este 5 de mayo se cumplen cien años del nacimiento de Leopoldo Torre Nilsson (1924/1978), sin dudas, una de las personalidades más importantes en la historia de nuestro cine, en principio por sus películas (las que hizo junto a su padre Leopoldo Torres Ríos, la severa y misteriosa Días de odio, las inquietas exploraciones en zonas turbias del alma humana y de la historia argentina que implican La caída, El secuestrador, La casa del ángel, Fin de fiesta, La mano en la trampa, Un guapo del 900 y La terraza, las estimables producciones que dirigió con capitales extranjeros a mediados de los ’60, sus discutidas películas históricas, los aciertos aislados de sus transposiciones de textos de Roberto Arlt, Manuel Puig y Adolfo Bioy Casares en los ’70, finalmente la calidoscópica pesadilla de Piedra libre), pero también por sus vínculos con la literatura, el teatro, la publicidad, los debates culturales, la lucha contra la censura en sus distintas formas, su apoyo como productor a directores jóvenes (incluyendo Nicolás Sarquís y Leonardo Favio). Para recordar y valorar su obra comparto este video que edité hace poco más de un año, reuniendo reflexiones y anécdotas contadas por él mismo durante una entrevista para un programa de la televisión española en 1976, acompañadas por fragmentos de los films que menciona.
LAS BATALLAS INFINITAS – CINE ARGENTINO (1929/1989)
(Varios autores, 2023)
Hubo un tiempo en que los libros de cine argentino eran pocos, muy buscados y leídos. En los últimos años fueron publicándose varios pero suelen ser ignorados por los medios de comunicación y las revistas digitales especializadas: mucho han cambiado los hábitos y el cine mismo (no tanto los libros como medios de divulgación cultural) y, a veces, el entusiasmo por nuestro cine parece agotarse en eventos (festivales, estrenos propios o de amigos) y debates entre colegas, quedando las reseñas atentas de muchas obras tal vez para alguna clase o monografía. Hacerse la crítica –sitio que fue cambiando de dirección editorial desde sus comienzos– sumó el año pasado uno nuevo, con un hermoso diseño de tapa y apasionamiento detrás de una buena cantidad de textos relativamente breves. En la introducción se aclara que primó lo lúdico antes que lo académico, así como en el prólogo el gran Fernando Martín Peña recuerda cómo los prejuicios pueden llevarnos a desdeñar películas valiosas de directores de oscilante prestigio. Esto se manifiesta en Las batallas infinitas por los films elegidos para escribir, combinándose auténticos clásicos con otros excluidos de los ensayos habituales. Podría usarse la ilustración de la tapa para afirmar que los autores recorren algunas calles conocidas pero también se desvían por cortadas y pasajes menos transitados. Algo indudablemente meritorio, aunque hubiera sido mejor –más allá del ordenamiento en tres capítulos– un hilo conductor entre los textos. La mirada positiva es una muestra más de que prevaleció el placer de escribir sobre películas preferidas (por una u otra razón), permitiéndose, de todos modos, ocasionales consideraciones desaprobatorias al referirse a aspectos puntuales de las mismas o al tratamiento que recibieron de la crítica especializada.
Los autores son veinticinco, algunos conocidos por quienes frecuentamos este tipo de publicaciones y otros no (lamentablemente no se han agregado referencias profesionales de todos ellos).
El primer artículo es el único sobre el cine silente y fue escrito por Lucio Mafud, investigador reconocido después de haber abordado este período en un par de libros. Aporta aclaraciones valiosas respecto a Las aventuras de Pancho Talero (1928/29, Lanteri) y suma a su texto una breve bibliografía. Eduardo Rojas (uno de los ex El Amante que, desde hace un tiempo, escriben para Hacerse la Crítica) se centra en dos cautivantes obras del período de los estudios: La vuelta al nido (1938, Torres Ríos) y El muerto falta a la cita (1944, Chenal), aventurando en ambos casos ciertos conceptos (sobre el declive del costumbrismo en nuestro cine y sobre la relación del personaje de Sebastián Chiola en el film de Chenal con el incipiente peronismo) que estimulan saludablemente la discusión. Constanza Grela se ocupa de Cándida (1939, Bayón Herrera), a la que denomina “heroína cómica”, y de la lucidez de su creadora Niní Marshall para los juegos lexicales y la gesticulación singular, mientras que Paula Vázquez Prieto (periodista en La Nación, el suplemento Radar de Página/12 y otros medios) vincula la notable Isabelita (1940, Romero) con Frank Capra y la Guerra Mundial, ensalzando ese “mundo propio, con ritmo de tango y aroma a muzzarella” que el film sabe crear, ayudado por la gracia de Paulina Singerman.
Carlos Adrián Muoyo, periodista y director de la Biblioteca en el INCAA/ENERC, vuelca su pasión por la cultura del tango escribiendo sobre Yo no elegí mi vida (1949, Momplet) y El último payador (1950, Manzi/Pappier), buena oportunidad para detenerse en la personalidad de Homero Manzi. El tercer film del que se ocupa es más cercano en el tiempo pero, además de contar con música del Tata Cedrón, respira tango por su apesadumbrado clima urbano: Tute cabrero (1968, Jusid). Las sentidas palabras de Muoyo sobre el rescate que hace esta película de la Costanera Sur me recuerdan lo que, en su momento, escribió Jorge Miguel Couselo sobre cómo ese mismo espacio aparece en Crecer de golpe (1976, según puede leerse en el libro dedicado a Sergio Renán de la colección Directores del cine argentino, 1993). A su texto sobre la película de Jusid le agrega varias citas y un hermoso cierre.
José Luis Visconti (autor de El peligro está en los vivos – Representaciones y omisiones en el cine argentino 1976/1983) relaciona atinadamente elementos de Pajarito Gómez (1965, Kuhn) con el cine de Enrique Carreras y los satíricos antecedentes de El negoción (1959, Feldman) y La herencia (1963, Alventosa). Escribe además sobre El fantástico mundo de la María Montiel (1977, Jury), aquella película pensada para la niña Andrea del Boca que finalmente protagonizó Juanita Lara, cuyas acciones parecen detenidas en un tiempo indefinido (lo que beneficia su tono de fábula al mismo tiempo que puede verse como una forma de autocensura en tiempos de dictadura).
El docente y periodista Luis Franc aborda Apenas un delincuente (1949, Fregonese) y dos films del grupo Cine Liberación: El camino hacia la muerte del viejo Reales (1968/71, Vallejo), que –reconoce– podría haber sido concebido hoy, y Los hijos de Fierro (1972/75, Solanas). Gerardo Martínez reseña tres películas de gran riqueza, muy diferentes entre sí: Kilómetro 111 (1938, Soffici), La Quintrala (1954, del Carril) y Circe (1964, Antín), reparando en entrelíneas que reivindican el rol de las mujeres (con un desliz al reemplazar la palabra mejilla por cachete). Carla Leonardi salva de cierto desdén crítico de la época a La que no perdonó (1935, José A. Ferreyra), título que bien podría servir para acercarse al personaje principal de la otra película de la que se ocupa, Señora de nadie (1981/82, Bemberg). Romina Quevedo analiza la capacidad de Madreselva (1938, Amadori) para hacernos disfrutar de lo que se ofrece claramente como representación o entretenimiento melodramático, la de Malambo (1942, de Zavalía) para unir creencias cristianas y mitologías autóctonas a un carácter fabulesco y –arriesga– subversivo para la época, y de la olvidada El grito de Celina (1975, David) para aludir indirectamente a los años en los que se gestó (a este último texto puede objetársele un párrafo final algo confuso y agregar el dato cierto del estreno comercial del film en 1983). Ignacio Verguilla describe con calidad dos películas de los años ’40: Safo, historia de una pasión (1943, Christensen, encontrando en el estilo de su director rastros de Jacques Tourner), y La danza de la fortuna (1944, Bayón Herrera, con su dominio del timing por encima de burlas por defectos físicos habituales en esos años políticamente incorrectos).
Pablo Ventura se dedica a Vidalita (1949, Saslavasky), comedia con vocación de musical de la que destaca su movimiento constante y alusiones avanzadas para la época, y Rosaura a las diez (1958, Soffici), mereciéndole razonablemente atención las presencias de Susana Campos y María Concepción César. Juan Pablo Susel encuentra virtudes en Dios se lo pague (1948, Amadori), comenzando con un recuerdo ligado a su infancia. Hernán Gómez se entusiasma con El hincha (1951, Romero) “una suerte de unipersonal de Discépolo”, coherente con la visión política del inolvidable músico y dramaturgo. Diego Baridó desemenuza las características de la obra de Schlieper a través de Arroz con leche (1950) y desliza apuntes interesantes en torno a La casa del ángel (1956, Torre Nilsson), como que “Ana (Elsa Daniel) sobre todo mira y mira sobre todo”, advirtiendo incluso puntos de contacto con el presente.
Ignacio Izaguirre explora el retrato social que propone La barra de la esquina (1950, Saraceni) y defiende Esperando la carroza (1985, Doria) comparándola con una fiesta con excesos, cuestionando a los que la critican por lo que llama «sobreanálisis moral» (a Baridó podría señalársele que dicha «fiesta» incluye situaciones de crueldad y desesperación, que solo podrían resultar divertidas si no se es parte de las mismas, y que la frase “una buena fiesta se tiene que poder bancar un muerto” suena extraña, si no desafortunada). Marcela Ojea siente que Deshonra (1952, Tinayre) equivale a un laberinto –incluso en términos estéticos– y se pregunta qué sería deshonroso para las mujeres de ese tiempo; Amorina (1961, del Carril), a su vez, le permite comentar rasgos del melodrama. Gabriela López Zubiría analiza cómo en la adaptación de La bestia debe morir (1952, Viñoly Barreto) lo policial va virando a lo moral y cómo Procesado 1040 (1958, Cavallotti) podía asumir con valentía un tema ríspido que puede tener vinculaciones con la actualidad. Pedro Berardi abre su texto con una cita de Martin Scorsese sobre el Cine B para desarrollar sus impresiones sobre la incitante No abras nunca esa puerta (1952, Christensen), al tiempo que encuentra en Dar la cara (1962, Martínez Suárez) una lúcida visión del Buenos Aires de comienzos de los ’60.
El escrito de Soledad Bianchi sobre Shunko (1960, Murúa) es muy justo, valorando su visión del mundo de la enseñanza y reparando en un flashback revelador y diálogos emotivos; en otro, compara provechosamente The players vs. Ángeles caídos (1969, Fischerman) con films de esos años. Gastón Molayoli escribe sobre El centroforward murió al amanecer (1961, Mugica), notando cómo el costumbrismo deviene farsa (y exagerando al sostener que en ese momento “el pueblo” estaba proscripto), y la sólida Tiempo de revancha (1981, Aristarain), preguntándose si Federico Luppi no habrá sido nuestro Fonda (Henry, suponemos) y celebrando la fuerza de la alegoría en ese “momento bisagra”. Juan Pablo Susel se ocupa únicamente de la encantadora Soñar soñar (1976, Favio), observando, entre otras cosas, la ambigua sexualidad de la figura de Carlos Monzón en la película y el sugestivo uso de la frase Antes muerto que vencido iniciada la dictadura.
El periodista Gabriel Orqueda reflexiona sobre Los inundados (1962, Birri, subrayando la secuencia de un baile por lo que implica como catarsis), Invasión (1969, Santiago, pudiendo discutirse su opinión respecto a que los postulados estéticos del film no tienen antecedentes ni discípulos), y Habeas Corpus (1987, Acha, ciertamente “resplandeciente y única”). La comparación que hace Gustavo F. Gros de Prisioneros de una noche (1962, Kohon) con De caravana (2010, Ruiz) parece –más allá de lo temático– algo antojadiza, como también debatible el hecho de alabar que los personajes del film de Kohon “no se quejen”; apunta, por otra parte, datos interesantes sobre ciertos sitios en los que se filmó una secuencia de Los traidores (1971/72, Gleyzer) y deja pensando cuando habla del “placer” que supone haber traicionado.
Victoria Lencina da importancia a tres producciones poco respetadas: Operación Rosa Rosa (1974, Fleider), Insaciable (1976, Bo) y Susana quiere, el negro también (1987, de Grazia). Un error (tal vez de tipeo) es referirse al Ente de Calificación como de “Clasificación”, una opinión para la polémica es si debe agradecerse que el film de Bo no sea un melodrama y sí una parodia (¿por qué sería mejor una cosa que la otra?) y, respecto al film de Julio de Grazia con Alberto Olmedo, vale la aclaración que su subtítulo El que quiere celeste era, en realidad, el título original (que ansiedades comerciales impulsaron a cambiar) y que, entre las posibles referencias, además de Mujer bonita (1990, Marshall), podría haber mencionado Pigmalión. Acierta, en tanto, al destacar la fotografía (de Horacio Maira) y al dejar un acertado comentario como final de su texto (que es, además, el del libro).
En poco menos de doscientas páginas, mucho para leer, debatir y pensar el cine argentino, tan fecundo y con tanta historia, actualmente tan desprotegido.
Disponerse a elegir las películas más valiosas del año puede considerarse un pasatiempo superficial, más aún en estos días agitados –en buena medida sombríos– para los argentinos. Sin embargo, basta con reparar en lo que proponen la mayoría de las producciones más votadas (su calidad para exponer problemas que atraviesan a la sociedad actual, su visión sobre los vínculos humanos, los temas sobre los que reflexionan, el encanto de sus historias y sus procedimientos formales), para reconocer cuánto han servido acompañándonos en un año difícil y cuánto pueden ofrecer a quienes quieran descubrirlas o reverlas. No está de más recordar que el objetivo de esta encuesta (que viene haciéndose desde hace quince años, con una sola interrupción en 2020) ha sido siempre reunir opiniones de especialistas para que, a partir de sus valoraciones y el consenso generado en torno a determinados títulos, pueda revelarse cierto estado de situación del cine del mundo (y de Argentina), el grado de innovación, audacia o sensibilidad que asomó en las películas estrenadas (en salas comerciales, festivales y plataformas, largometrajes pero también cortos, series y videclips), qué nombres y países se han destacado, entre otras cosas. Los consultados son críticos, realizadores, productores, docentes de la especialidad, programadores e investigadores de distintas formaciones, generaciones y ciudades de nuestro país, desde reconocidos directores y profesionales de larga trayectoria hasta cinéfilos muy jóvenes, que vuelcan su entusiasmo y conocimientos en espacios de streaming, instagram o youtube.
A continuación, las películas más votadas (ordenadas por cantidad de votos, que se señalan entre paréntesis) y luego las listas de los 83 participantes (ordenados por orden alfabético). Bienvenidos todos los comentarios y sugerencias.
1(46 v) – HOJAS DE OTOÑO (Kuolleet lehdet / Fallen Leaves), dir. Aki Kaurismäki. 2 (33 v) – LOS ASESINOS DE LA LUNA (Killers of the flower moon), dir. Martin Scorsese. 3 (28 v) – LOS DELINCUENTES, dir. Rodrigo Moreno. 4 (23 v) – TRENQUE LAUQUEN, dir. Laura Citarella. 5 (22 v) – CIELO ROJO (Afire / Roter Himmel), dir. Christian Petzold. 6 (21 v) – EL JUICIO, dir. Ulises de la Orden. 7 (20 v) – LOS FABELMAN (The Fabelmans), dir. Steven Spielberg. 8 (19 v) – PUAN, dir. María Alché y Benjamín Naishtat. 9 (17 v) – AS BESTAS, dir. Rodrigo Sorogoyen. 10 (16 v) – CUANDO ACECHA LA MALDAD, dir. Demián Rugna. 11 (12 v) – CERRAR LOS OJOS, dir. Víctor Erice / TÁR, dir. Todd Field. 13(10 v) – TERMINAL YOUNG, dir. Lucía Seles. 14(9 v) – ARTURO A LOS 30, dir. Martín Shanly / LOS ESPÍRITUS DE LA ISLA (The Banshees of Inisherin), dir. Martin MacDonagh / NO ESPERES DEMASIADO DEL FIN DEL MUNDO (Nu astepta prea mult de la sfârsitul lumii), dir. Radu Jude / SUCCESSION, temporada 4 (serie). 18(8 v) – ALCARRÁS, dir. Carla Simón / CLOSE, dir. Lukas Dhont / EL TRIÁNGULO DE LA TRISTEZA (Triangle of Sadness), dir. Ruben Östlund / ERRANTE. LA CONQUISTA DEL HOGAR, dir. Adriana Lestido / HERBARIA, dir. Leandro Listorti / OPPENHEIMER, dir. Christopher Nolan / PEARL, dir. Ti West. 25 (7 v) – BLONDI, dir. Dolores Fonzi / LA DECISIÓN DE PARTIR (Decision to leave / Heojil kyolshim), dir. Park Chan-wook / LA VIDA A OSCURAS, dir. Enrique Bellande. 28(6 v) – ASTEROID CITY, dir. Wes Anderson / EL ASESINO (The killer), dir. David Fincher / EL CONDE, dir. Pablo Larraín / EL GRAN MOVIMIENTO, dir. Kiro Russo / INFINITY POOL, dir. Brandon Cronenberg / LA CHIMERA, dir. Alice Rohrwacher / MISÁNTROPO (Misanthrope), dir. Damián Szifron / THE QUIET GIRL, dir. Colm Bairéad / VITALINA VARELA, dir. Pedro Costa. 37 (5 v)ANATOMÍA DE UNA CAÍDA (Anatomie d’une chute), dir. Justine Triet / EL CASTILLO, dir. Martin Benchimol / EL SOL DEL FUTURO (Il sol dell’avvenire), dir. Nanni Moretti / EXTRAÑA FORMA DE VIDA, dir. Pedro Almodóvar / LA TERMINAL, dir. Gustavo Fontán / LOS QUE SE QUEDAN (The holdovers), dir. Alexander Payne / MATO SECO EM CHAMAS, dir. Joana Pimenta y Adirley Queirós / PASAJES (Passages), dir. Ira Sachs.
Juan AGUZZI Periodista cultural, editor, crítico, escritor El Conde (Larraín) Los espíritus de la isla (McDonagh) As bestas (Sorogoyen) Puan (Alché/Naishtat) El asesino (Fincher) Holy Spider (Abbasi) Tres cosas básicas (Matiozzi Molinas) La noche del crimen (Moll) Infinity pool (Cronenberg) Pasajes (Sachs)
Sofía ALDASORO Guionista, productora audiovisual, docente
1. Los espíritus de la isla (McDonagh)
2. Los Fabelman (Spielberg)
3. Misántropo (Szifrón)
4. Tár (Field)
5. Blondi (Fonzi)
6. Los asesinos de la luna (Scorsese)
7. Puan (Alché/Naishtat)
8. El castillo (Benchimol)
9. LaRoy (Atkinson)
10. Mixtape La Pampa (Di Tella) Mención especial: Succession Temporada 4 (Serie) / Rain Dogs (Serie)
Cristian ANDRADE Realizador, actor
1. Cuando no hay más olas (Díaz)
2. Hojas de otoño (Kaurismäki)
3. Con amor y furia (Denis)
4. Vitalina Varela (Costa)
5. Mato seco em chamas (Pimenta/Queirós)
6. Tár (Field)
7. As bestas (Sorogoyen)
8. R.M.N. (Mungiu) Menciones especiales: La casa del ángel (Torre Nilsson), proyectada en 35 mm en BAFICI, y Dos o tres cosas que yo sé de ella (Godard), reposición restaurada.
Bartolomé ARMENTANO Periodista (Rolling Stone, Rockdelux, Indie Hoy)
1) Past lives (Song)
2) Los asesinos de la luna (Scorsese)
3) Anatomía de una caída (Triet)
4) Oppenheimer (Nolan)
5) Arturo a los 30 (Shanly)
6) Trenque Lauquen (Citarella)
7) May December (Haynes)
8) Los delincuentes (Moreno)
9) Los que se quedan (Payne)
10) Asteroid City (Anderson) Menciones especiales:
La temporada final de Succession (serie) / Carga animal (corto de Iván Bustinduy) / Tár (Field), ya votada el año pasado.
Leandro ARTEAGA Periodista (Rosario/12, Radio UNR), docente (UNR, UAI, EPCTV, ENERC) Hojas de otoño (Kaurismäki) Cielo rojo (Petzold) Cuando acecha la maldad (Rugna) Los delincuentes (Moreno) Pearl (West) Puan (Alché/Naishtat) Tár (Field) The quiet girl (Bairéad) Trenque Lauquen (Citarella) Cerrar los ojos (Erice)
Emilio BELLON Docente en Letras y Artes (UNR, UBA), crítico
. La stranezza (Andó)
. El imperio de la luz (Mendes)
. La ballena (Aronofsky)
. El sol del futuro (Moretti)
. Cielo rojo (Petzold)
. Hojas de otoño (Kaurismäki)
. Los Fabelman (Spielberg)
. Los asesinos de la luna (Scorsese)
. As bestas (Sorogoyen)
. Puan (Alché/Naishtat)
. Hedy Crilla, maestra de actores (Murujosa) Menciones especiales:
– Till (Chukwu) / El Caftán azul (Touzani), no estrenadas en sala.
– Nada (Cohn/Duprat) / La luz que no puedes ver (Knight), miniseries.
Emilio BERNINI Director de las revistas Kilómetro 111 y La Cifra Impar, docente en FUC Herbaria (Listorti) As bestas (Sorogoyen) Tár (Field) El Juicio (de la Orden) Trenque Lauquen (Citarella) El rapto (Goggi) La terminal (Fontán) Danubio (Pérez Rial) Los delincuentes (Moreno) Mención especial: Jill, uncredited (Ing)
Miler BLASCO Productor, montajista (Costera Films) Close (Dhont) Cuando acecha la maldad (Rugna) El asesino (Fincher) El método Tangalanga (Bendesky) Elena sabe (Berneri) Empieza el baile (Seresesky) La ballena (Aronofsky) Los Fabelman (Spielberg) Pearl (West) Mención especial: El amor después del amor (serie)
Álvaro BRETAL Crítico, docente, director editorial de revista Taipei Cielo rojo (Petzold) An evening song (for three voices) (Swon) Arturo a los 30 (Shanly) Cerrar los ojos (Erice) El juicio (de la Orden) May december (Haynes) Last things (Stratman) Los delincuentes (Moreno) The swan (Anderson) Un pájaro azul (Rotter)
Guillermo BRUNO Periodista, crítico de espectáculos (LT8, La Red, Rivadavia)
1) Los asesinos de la luna (Scorsese)
2) Babylon (Chazelle)
3) Los Fabelman (Spielberg)
4) Pasajes (Sachs)
5) Sonido de libertad (Monteverde)
6) Close (Dhont)
7) Hojas de otoño (Kaurismäki)
8) La noche del crimen (Moll)
9) Una femmina: el código de silencio (Costabile)
10) Napoleón (Scott) Menciones especiales:
El documental La vida a oscuras (Bellande), las producciones para Netflix Nuevo Olimpo y La sociedad de la nieve, y el mediometraje Extraña forma de vida (Almodóvar).
Agustina CABRERA Crítica (Linterna Mágica, revista El Eclipse), licenciada en Psicología
10. Errante. La conquista del hogar (Lestido)
9. As bestas (Sorogoyen)
8. La casa de los tíos (Rossi)
7. Herbaria (Listorti)
6. Danubio (Pérez Rial)
5. La vida a oscuras (Bellande)
4. Los asesinos de la luna (Scorsese)
3. Vitalina Varela (Costa)
2. Tres cosas básicas (Matiozzi Molinas)
1. Misión Imposible – Sentencia mortal, parte I (McQuarrie) Mención especial: Succession. Temporada final (serie)
Martín Emilio CAMPOS Programador (Cineclub Municipal Hugo del Carril), crítico (La Vida Útil)
1) Asteroid City (Anderson)
2) Cuando acecha la maldad (Rugna)
3) Hojas de otoño (Kaurismäki)
4) John Wick 4 (Stahelski)
5) Las Delicias (Crespo)
6) Los Fabelman (Spielberg)
7) Los que se quedan (Payne)
8) Luminum (Schonfeld)
9) Spider-Man: A través del Spider-Verso (Dos Santos/Powers/Thompson)
10) Tortugas Ninja: Caos mutante (Spears/Rowe)
Gustavo Jorge CASTAGNA Periodista, docente, crítico de cine (A sala llena) 1976 (Martelli) Holy Spider (Abbasi) La memoria infinita (Alberdi) Una femmina: el código de silencio (Costabile) Misántropo (Szifrón) Los asesinos de la luna (Scorsese) Fragmentada (Escudero Salinas) As bestas (Sorogoyen) Hojas de otoño (Kaurismäki) Vera (Covi)
Diego M. CASTRO Director, guionista (1100) R.M.N. (Mungiu) Alcarrás (Simon) El sol del futuro (Moretti) Los delincuentes (Moreno) Los Fabelman (Spielberg) Trenque Lauquen (Citarella) En lo alto (Sang-soo) The Potemkinists (Jude) (corto)
Arturo CASTRO GODOY Guionista, director (El silencio, Aire, Rinoceronte) Tengo sueños eléctricos (Maurel) Hojas de otoño (Kaurismäki) As bestas (Sorogoyen) Past lives (Song) R.M.N. (Mungiu) Los delincuentes (Moreno) Los asesinos de la luna (Scorsese) Trenque Lauquen (Citarella) Mato seco em chamas (Pimenta/Queirós) Inside the yellow cocoon shell (Pham)
Daniel CHOLAKIAN Periodista (Nodal Cultura, Infobae), docente Blondi (Fonzi) Elena sabe (Berneri) El Conde (Larraín) El gran movimiento (Russo) El juicio (de la Orden) Hojas de otoño (Kaurismäki) La memoria infinita (Alberdi) Los delincuentes (Moreno) Terminal Young (Seles) Un pájaro azul (Rotter)
Elbio CÓRDOBA Docente de Comunicación Audiovisual, coordinador de ciclos de cine Bajar subir bajar (Abraham) Cerrar los ojos (Erice) Cielo rojo (Petzold) Close (Dhont) El triángulo de la tristeza (Östlund) Guardianes de la galaxia vol. 3 (Gunn) Hojas de otoño (Kaurismäki) Los asesinos de la luna (Scorsese) Pobres criaturas (Lanthimos) Spider-Man: A través del Spider-Verso (Dos Santos/Powers/Thompson)
Oscar CUERVO Periodista (La otra)
1 – Hojas de otoño (Kaurismäki)
2 – Terminal Young (Seles)
3 – Aftersun (Wells)
4 – Stranizza d’amuri (Fiorello)
5 – Tár (Field)
6 – Clorindo Testa (Llinás)
7 – Pornomelancolía (Abramovich)
8 – Los convencidos (Farina)
9 – El juicio (de la Orden)
10 – Blondi (Fonzi) Mención especial: Diamante roto (clip de El Mató a Un Policía Motorizado, dirigido por Tomás Seivane y Nacho del Campo).
Maximiliano CURCIO Periodista, escritor, docente, director de la revista cultural Siete Artes Los Fabelman (Spielberg) Oppenheimer (Nolan) Los asesinos de la luna (Scorsese) Con amor y furia (Denis) Los amantes jóvenes (Tardieu) Tár (Field) La decisión de partir (Chan-wook) Babylon (Chazelle) Hojas de otoño (Kaurismäki) Extraña forma de vida (Almodóvar)
Fabián DEL POZO Titular de Videoteca El Conde (Larraín) El sol del futuro (Moretti) El viejo roble (Loach) Hojas de otoño (Kaurismäki) La casa de los tíos (Rossi) La travesía (Miailhe) Los asesinos de la luna (Scorsese) Napoleón (Scott) Puan (Alché/Naishtat) Vitalina Varela (Costa)
Andrés DI TELLA Cineasta (Mixtape La Pampa), escritor, curador, docente (UTDT, Harvard, Princeton), Premio Konex
– Canço d’amor (Andreu)
– El realismo socialista (Ruiz/Sarmiento)
– No esperes demasiado del fin del mundo (Jude)
– No bears (Panahi)
– Saint Omer (Diop)
– Cerrar los ojos (Erice)
– Clorindo Testa (Llinás)
– Puan (Alché/Naishtat)
– Los delincuentes (Moreno)
– La práctica (Rejtman)
Ezequiel Iván DUARTE Docente, crítico (Festifreak, libro La imagen primigenia) Trenque Lauquen (Citarella)* Hojas de otoño (Kaurismäki) Arturo a los 30 (Shanly) El macaco asesino de la navidad del espanto (Magariños) The urgency of death (Seles) Cambio cambio (García Candela) Los Fabelman (Spielberg) *el largometraje, no el corto del mismo nombre estrenado después
Agustín DURRUTY Crítico y editor en Taipei A longa viagem do ônibus amarelo (Bressane) The urgency of death (Seles) Puan (Alché/Naishtat) Los delincuentes (Moreno) Cerrar los ojos (Erice) Youth (Spring) (Bing) Cuando acecha la maldad (Rugna)
Sofía ELIZALDE Realizadora, archivista audiovisual, investigadora ¿Dónde está Nora Lagos? (Battaglia/Langhi) Bill 79 (Galperín) El Conde (Larraín) El juicio (de la Orden) Elena sabe (Berneri) Hojas de otoño (Kaurismäki) La casa de los tíos (Rossi) Los asesinos de la luna (Scorsese) Los delincuentes (Moreno) Puan (Alché/Naishtat)
Gustavo ESCALANTE Realizador, programador y preservador audiovisual en el CAR As bestas (Sorogoyen) Bajar subir bajar (Abraham) Cuando acecha la maldad (Rugna) John Wick 4 (Stahelski) La decisión de partir (Chan-wook) Los asesinos de la luna (Scorsese) Los Fabelman (Spielberg) Oppenheimer (Nolan) Pearl (West) Trenque Lauquen (Citarella) Mención especial: Succession: Temporada 4 (serie) y Spider-Man: A través del Spider-Verso (Dos Santos/Powers/Thompson) (animación).
Mex FALIERO Periodista, crítico de cine en Funcinema y El Marplatense
– Los asesinos de la luna (Scorsese)
– Los Fabelman (Spielberg)
– Guardianes de la Galaxia Vol.3 (Gunn)
– Misión: Imposible – Sentencia mortal: Parte uno (McQuarrie)
– Hojas de otoño (Kaurismäki)
– Volcanes: La tragedia de Katia y Maurice Krafft (Dosa)
– Puan (Alché/Naishtat)
– Air: La historia detrás del logo (Affleck)
– Tortugas Ninja: Caos mutante (Rowe/Spears)
– No estás invitada a mi bat mitzvah (Cohen) Mención especial: Fortissimo (cortometraje de Víctor Cesca)
Andrés FEVRIER Periodista, editor del newsletter Cinematófilos
– As bestas (Sorogoyen)
– Ellas hablan (Polley)
– Las fiestas (Rogers)
– El tiempo del Armagedón (Gray)
– Huesera (Garza Cervera)
Diego FIDALGO Realizador audiovisual (Fotosíntesis) Adentro mío estoy bailando (Koch/Schachmann) Arturo a los 30 (Shanly) As bestas (Sorogoyen) Bajar subir bajar (Abraham) El castillo (Benchimol) Errante. La conquista del hogar (Lestido) Herbaria (Listorti) Los Fabelman (Spielberg) Puan (Alché/Naishtat) Tres cosas básicas (Matiozzi Molinas)
Luis FRANC Docente, crítico, periodista (Radio Caput, Hacerse la crítica)
– El juicio (de la Orden)
– Mato seco em chamas (Queirós/Pimenta)
– Los convencidos (Farina)
– La terminal (Fontán)
– Trenque Lauquen (Citarella)
– Vitalina Varela (Costa)
– Hojas de otoño (Kaurismäki)
– Puan (Alche/Naishtat)
Guillermo FRANCO Programador en Cineclub Municipal Hugo del Carril Adentro mío estoy bailando (Koch/Schachmann) Cielo rojo (Petzold) El juicio (de la Orden) Errante. La conquista del hogar (Lestido) Hojas de otoño (Kaurismäki) La decisión de partir (Chan-wook) Las cosas indefinidas (Aparicio) The quiet girl (Bairéad) La chimera (Rohrwacher) No esperes demasiado del fin del mundo (Jude)
Gabriel FRESTA Columnista de cine (Radio XLFM, Radio Zónica, Rivadavia), docente Carbón (Markowicz) Cuando acecha la maldad (Rugna) El método Tangalanga (Bendesky) Los cinco diablos (Mysius) The quiet girl (Bairéad) El triángulo de la tristeza (Östlund) Los asesinos de la luna (Scorsese) Oppenheimer (Nolan) Los espíritus de la isla (McDonagh) Pasajes (Sachs) Mención especial: El colibrí (Archibugi)
Juan Francisco GACITÚA Autor del newsletter Captura recomendada, co-conductor del podcast Los jóvenes viejos Puan (Alché/Naishtat) El juicio (de la Orden) Los asesinos de la luna (Scorsese) The apocalyptic Is the mother of all christian theology (Finn) La vida a oscuras (Bellande)
Marcela GAMBERINI Crítica de cine, Licenciada en Letras, docente.
1- Trenque Lauquen (Citarella)
2- Cerrar los ojos (Erice)
3- El tiempo del Armagedón (Gray)
4- Clorindo Testa (Llinás)
5- Dueto (Cozarinsky/Ferro)
6- Los delincuentes (Moreno)
7- Cielo rojo (Petzold)
8- El juicio (de la Orden)
9- En vos confío (Toscano)
10- Hojas de otoño (Kaurismäki)
Jorge GARCÍA Crítico en Con los ojos abiertos Hojas de otoño (Kaurismäki) As bestas (Sorogoyen) Close (Dhont) El engaño (Barsaoui) El gran movimiento (Russo) La memoria infinita (Alberdi) La noche del crimen (Moll) No esperes demasiado del fin del mundo (Jude) The quiet girl (Bairéad) Vera (Frimmel/Covi) Mención especial: La mamá y la puta (Eustache) (reposición)
Elena GUILLEN Egresada como guionista de cine y series en El Laboratorio del Guion As bestas (Sorogoyen) Anatomía de una caída (Triet) Los delincuentes (Moreno) Hojas de otoño (Kaurismäki) Errante. La conquista del hogar (Lestido) Amigas en un camino de campo (Loza) El triángulo de la tristeza (Östlund)
Tomás GIAVENO Licenciado en Realización Audiovisual, crítico (Global Film Review)
10- Bottoms (Seligman)
9- Past lives (Song)
8- Infinity pool (Cronenberg)
7- Birth/Rebirth (Moss)
6- Cuando acecha la maldad (Rugna)
5- Anatomía de una caída (Triet)
4- Spider-Man: A través del Spider-Verso (Dos Santos/Powers/Thompson)
3- Los asesinos de la luna (Scorsese)
2- Las habitaciones rojas (Plante)
1- El Conde (Larraín)
Tomás GUARNACCIA Crítico en Con los ojos abiertos No esperes demasiado del fin del mundo (Jude) El juicio (de la Orden) El polvo (Torchinsky) Essential truths of the lake (Diaz) Hojas de otoño (Kaurismäki) La terminal (Fontán) Otro sol (Rodriguez Teare) Puan (Alché/Naishtat) The urgency of death (Seles) Yannick (Dupieux)
Sonia HELMAN Realizadora independiente
– Puan (Alché/Naishtat)
– ¿Dónde está Nora Lagos? (Battaglia/Langhi)
– Contraolvido (Néstor Zapata)
– Mariquita, mujer revolución (Farji)
– Hotel de la amistad (Doudchitzky)
Fernando HERRERA Periodista, docente, realizador
1. Cerrar los ojos (Erice)
2. Scarlet (L´envol) (Marcello)
3. Los colonos (Gálvez)
4. La decisión de partir (Chan-wook)
5. 1976 (Martelli)
6. El juicio (de la Orden)
7. La memoria infinita (Alberdi)
8. No voy a pedirle a nadie que me crea (Frías)
9. Los delincuentes (Moreno)
10. El rapto (Goggi) Mención especial:
Mis respetos a la vigencia y la insistencia del cine de Aki Kaurismäki (Hojas de otoño) y Martin Scorsese (Los asesinos de la luna).
Claudio HUCK Columnista en revista Estación Cine y otras publicaciones El sol del futuro (Moretti) As bestas (Sorogoyen) El juicio (de la Orden) Hojas de otoño (Kaurismäki) Vitalina Varela (Costa) EO (Skolimowski) Infinity pool (Cronenberg) Los asesinos de la luna (Scorsese) Cielo rojo (Petzold) Pearl (West) Mención especial: Black Mirror: Demonio 79 (Haynes)
Roger KOZA Crítico, programador (Con los ojos abiertos, Revista Ñ) Here (Devos) La palisiada (Sotnychenko) Frente al Guernica (Gianikian/Lucchi) John Wick 4 (Stahelski) Hojas de otoño (Kaurismäki) Mención especial: La terminal (Fontán)
Fernando Juan LIMA Presidente del Festival de Cine de Mar del Plata, crítico de cine Arturo a los 30 (Shanly) Blondi (Fonzi) Cuando acecha la maldad (Rugna) Hojas de otoño (Kaurismäki) Los delincuentes (Moreno) Sobre las nubes (Aparicio) Trenque Lauquen (Citarella) Cerrar los ojos (Erice) La chimera (Rohrwacher) No esperes demasiado del fin del mundo (Jude)
Juan Manuel LINCH Cineasta independiente (Guiso de Saturno, Paraíso) Rotting in the sun (Silva) El triángulo de la tristeza (Östlund) Errante. La conquista del hogar (Lestido) Hojas de otoño (Kaurismäki) The quiet girl (Bairéad) Blondi (Fonzi)
Tomás LIPGOT Director, productor, documentalista Beau tiene miedo (Aster) Cuando acecha la maldad (Rugna) El triángulo de la tristeza (Östlund) Errante. La conquista del hogar (Lestido) Herbaria (Listorti) Los Fabelman (Spielberg)
Leandro LISTORTI Programador, conservador, realizador (Herbaria) Cielo rojo (Petzold) Real Italian Pizza (Rimmer) Hojas de otoño (Kaurismäki) La chimera (Rohrwacher) Areia, lodo e mar (Lyra) Malqueridas (Gilbert) Night colonies (Weerasethakul) Bloom (Delgado/Girón) Aunque es de noche (García López) La presence (Dubosc/Peuteuil)
Pastor LUNA Autor del podcast Stalkers y de Rosarigacine
1. Skinamarink (Ball)
2. Asteroid City (Anderson)
3. Terminal Young / The Urgency of Death (Seles)
4. Hojas de otoño (Kaurismäki)
5. Fairytale (Sokurov)
Gisela MANUSOVICH Licenciada y profesora en Artes (UBA), creadora de El Cine en la Mirada 1976 (Martelli) Alcarrás (Simón) Cielo rojo (Petzold) Close (Dhont) Extraña forma de vida (Almodóvar) Los espíritus de la isla (McDonagh) Los Fabelman (Spielberg) Milagro (Apetri) Tár (Field) Trenque Lauquen (Citarella) Mención especial: El amor después del amor (serie)
Juan Pablo MARTÍNEZ Co-conductor del podcast Los jóvenes viejos y de La guerra de los niños (eqradio.net)
1) Arturo a los 30 (Shanly)
2) Cuando acecha la maldad (Rugna)
3) Trenque Lauquen (Citarella)
4) El juicio (de la Orden)
5) Terminal Young (Seles)
6) Los delincuentes (Moreno)
7) La vida a oscuras (Bellande)
8) La práctica (Rejtman)
9) Puan (Alché/Naishtat)
10) Cambio cambio (García Candela)
Francisco MATIOZZI MOLINAS Realizador (Tres cosas básicas), docente Cielo rojo (Petzold) Close (Dhont) Alcarrás (Simón) Hojas de otoño (Kaurismäki) Errante. La conquista del hogar (Lestido) Los Fabelman (Spielberg) Mención especial: The blacklist (serie)
Luciano MONTEAGUDO Crítico de cine en Página/12, asesor de la Berlinale
–El juicio (de la Orden)
–Los delincuentes (Moreno)
–Hojas de otoño (Kaurismäki)
–No esperes demasiado del fin del mundo (Jude)
–Autorretrato: cuento de hadas en 47KM (Mengqi)
–Music (Schanelec)
–Film annonce du film qui n’existera jamais: Drôles de Guerres (Godard)
–El gran movimiento (Russo)
–Babi Yar. Context (Loznitsa)
–Los Bilbao (Speroni)
Rodrigo MORENO Director, guionista, productor (Los delincuentes) Hojas de otoño (Kaurismäki) Inside the yellow cocoon Shell (Pham) No esperes demasiado del fin del mundo (Jude) Trenque Lauquen (Citarella) Indiana Jones y el dial del destino (Mangold)
Cristian OLIVA Periodista (Central Mutante, Mirador Provincial)
– Air: la historia detrás del logo (Affleck)
– Barbie (Gerwig)
– El asesino (Fincher)
– El triángulo de la tristeza (Östlund)
– Elena sabe (Berneri)
– La decisión de partir (Chan-wook)
– Los asesinos de la luna (Scorsese)
– Los espíritus de la isla (McDonagh)
– Cuando acecha la maldad (Rugna) Mención especial: Barrabrava (Braceras) (serie)
Mercedes ORDEN Editora de contenidos de La tierra quema La chimera (Rohrwacher) Hojas de otoño (Kaurismäki) Cielo rojo (Petzold) Crowrã (Salaviza/Messora) Los asesinos de la luna (Scorsese) Mato seco em chamas (Pimenta/Queirós) El polvo (Torchinsky) El juicio (de la Orden) Los delincuentes (Moreno) Eureka (Alonso)
MATÍAS ORTA Co-creador de A Sala Llena, guionista
1. Oppenheimer (Nolan)
2. La sociedad de la nieve (Bayona)
3. Cuando acecha la maldad (Rugna)
4. Misántropo (Szifrón)
5. Air: la historia detrás del logo (Affleck)
6. Guardianes de la Galaxia Vol. 3 (Gunn)
7. Viernes negro (Roth)
8. Nuestros días más felices (Berruezo Pichón-Revière)
9. Háblame (Philippou)
10. Drácula: Mar de sangre (Øvredal) Mención especial: Filmoteca (TV Pública)
Paulo PÉCORA Cineasta, periodista, docente Los delincuentes (Moreno) El gran movimiento (Russo) El castillo (Benchimol) Herbaria (Listorti) La vida a oscuras (Bellande) Diarios del encierro (Zorrilla) Último recurso (Szulanski) Adentro mío estoy bailando (Koch/Schachmann) Álbum para la juventud (Solarz) Danubio (Pérez Rial)
Alejandro PEREYRA Director de fotografía, crítico (El cine probablemente), escritor
– Los delincuentes (Moreno)
– Godland (Pálmason)
– Music (Schanelec)
– As bestas (Sorogoyen)
– Tár (Field)
– Los espíritus de la isla (McDonagh)
– Cielo rojo (Petzold)
– Showing up (Reichardt)
– Increible pero cierto (Dupieux)
– Tres hermanos (Paparella)
David Eira PIRE Realizador, codirector de Delinquido y Libertad 121 As bestas (Sorogoyen) Los delincuentes (Moreno) Puan (Alché/Naishtat) Cielo rojo (Petzold) El tiempo del Armagedón (Gray) R.M.N. (Mungiu) Close (Dhont) Blondi (Fonzi) ¿Estás ahí Dios? Soy yo, Margaret (Fremon) La barbarie (Sala)
Rubén PLATANEO Realizador, productor (Triple crimen, Sfumato)
– Hojas de otoño (Kaurismäki)
– Pearl (West)
– Ni el cielo ni la Tierra/Gout D’or (Cogitore)
– Vitalina Varela (Costa)
– Los asesinos de la luna (Scorsese)
– El gran movimiento (Russo)
– M3gan (Johnstone)
– Infinity pool (Cronenberg)
– Blondi (Fonzi)
– Cuando acecha la maldad (Rugna)
Milagros PORTA Narradora (Aguamala), crítica de cine y editora (Taipei) Cerrar los ojos (Erice) El juicio (de la Orden) Hojas de otoño (Kaurismäki) La terminal (Fontán) Last things (Stratman) Los delincuentes (Moreno) Terminal Young (Seles) Una canción vespertina (para tres voces) (Swon)
Alejandra PORTELA Historiadora, docente, premio Salvador Sammaritano ACCA 2023 Trenque Lauquen (Citarella) Los delincuentes (Moreno) Alcarrás (Simón) Los asesinos de la luna (Scorsese) Amigas en un camino de campo (Loza) Camuflaje (Perel) El castillo (Benchimol) El triángulo de la tristeza (Östlund) Herbaria (Listorti) Los Fabelman (Spielberg)
Gustavo POSTIGLIONE Director de Cine, TV y teatro, guionista, productor Painting with John (3ª temporada) (Lurie) (serie) Los asesinos de la luna (Scorsese) Barry (última temporada) (serie) John Wick 4 (Stahelski)) El asesino (Fincher) Mención especial:
Todos los videos de Instagram subidos contra el DNU de Milei con la gente en la calle.
Ricardo RANDAZZO Conductor de Noches de cine (LT8, ganador de 5 Martín Fierro) Maestro (Cooper) Hojas de otoño (Kaurismäki) Oppenheimer (Nolan) Conspiración divina (Saleh) Extraña forma de vida (Almodovar) El falsificador (Peren) Los espíritus de la isla (Mc Donagh) Nosotras (Meneghetti) Los jóvenes amantes (Tardieu) Mención especial: El conformista (Bertolucci) (reposición)
Luciano REDIGONDA Realizador, guionista, programador, miembro del CAR Alcarrás (Simón) Los delincuentes (Moreno) Cuando acecha la maldad (Rugna) Bajar subir bajar (Abraham) Háblame (Philippou) Terminal Young (Seles) Los asesinos de la luna (Scorsese) Pearl (West) La calma (Cócolo) Misántropo (Szifrón) Mención especial: Succession 4ta temporada (serie)
Eduardo ROJAS Crítico, escritor (Hacerse la crítica) El juicio (de la Orden) No esperes demasiado del fin del mundo (Jude) Cerrar los ojos (Erice) La chimera (Rohrwacher) Sobre la historia natural de la destrucción (Loznitsa) Cielo rojo (Petzold) Puan (Alché/Naishtat) Mención especial: Marx puede esperar (Bellocchio)
Silvia G. ROMERO Directora y programadora del Festival de Cine Inusual Asteroid City (Anderson) Conspiración divina (Saleh) Cría siniestra (Bergholm) Guardianes de la Galaxia Vol. 3 (Gunn) El imperio de la luz (Mendes) Llaman a la puerta (Shyamalan) Los asesinos de la luna (Scorsese) Misión Imposible – Sentencia Mortal (Parte 1) (McQuarrie) Poderes ocultos (Vogt) Pearl (West) Menciones especiales: EO (Skolimowski) / Vera (Covi/Frimmel)
Eduardo A. RUSSO Crítico, investigador, docente, director del Doctorado en Artes FDA-UNLP Cielo rojo (Petzold) Clorindo Testa (Llinás) Cerrar los ojos (Erice) El gran movimiento (Russo) Hojas de otoño (Kaurismäki) Mato seco em chamas (Pimenta/Queirós) La invención del otro (Jorge) Notas para una película (Agüero) Skinamarink, el despertar del mal (Ball) Trenque Lauquen (Citarella)
Juan Pablo RUSSO Crítico (Escribiendo Cine), Presidente de ACCA, miembro votante Golden Globes Barbie (Gerwig) Cambio cambio (García Candela) Close (Dhont) El mal no existe (Hamaguchi) Hojas de otoño (Kaurismäki) Infinity pool (Cronenberg) La decisión de partir (Chan-wook) Los asesinos de la luna (Scorsese) Puan (Alché/Naishtat) Terminal Young (Seles) Mención especial: Heartstopper – Temporada 2 ( Netflix)
Fabián SANCHO Coordinador del Centro de Documentación del Museo del Cine Asteroid City (Anderson) Catálogo para una familia (Attías) Cría siniestra (Bergholm) El hombre más fuerte del mundo (Arditi) EO (Skolimowski) Hojas de otoño (Kaurismäki) El imperio de la luz (Mendes) La ballena (Aronofsky) Los asesinos de la luna (Scorsese) The innocents (Vogt)
Ramiro SONZINI Fundador y editor de La vida útil, programador, realizador
– Los Fabelman (Spielberg)
– Hojas de otoño (Kaurismäki)
– There is a Stone (Ota)
– Yannick (Dupieux)
– An evening song(for three voices) (Swon)
– Abril, verde, amarillo (Aulicino)
– Perfect days (Wenders)
– Losing faith (Mechow)
– Los que se quedan (Payne)
– O día que te conheci (Oliveira)
Rafael SPREGELBURD Actor, dramaturgo Trenque Lauquen (Citarella) Los espíritus de la isla (McDonagh) El villano (Ziembrowski/Reches) El triángulo de la tristeza (Östlund) Chau Buenos Aires (Kral) El káiser de la Atlántida (Alfie) Los Fabelman (Spielberg) El rapto (Goggi) Doble discurso (Gerschuny) Mención especial: Iosi, el espía arrepentido II (serie)
Alejandro TÉVEZ Comunicador, newsletter Las veredas Arturo a los 30 (Shanly) BlackBerry (Johnson) Cielo rojo (Petzold) El juicio (de la Orden) Hojas de otoño (Kaurismäki) Los asesinos de la luna (Scorsese) Misión Imposible – Sentencia mortal, Parte 1 (McQuarrie) Partió de mí un barco llevándome (Kang) Robot dreams (Berger) Terminal Young (Seles) Mención especial: Albert Brooks: Defending my life (Rob Reiner)
Abel TOLOSA Realizador audiovisual, coconductor del podcast Mundus cinema
1.- Beau tiene miedo (Aster)
2.- Pearl (West)
3.- Los Fabelman (Spielberg)
4.- Tár (Field)
5.- Los asesinos de la luna (Scorsese)
6.- La ballena (Aronofsky)
7.- Infinity pool (Cronenberg)
8.- Babylon (Chazelle)
9.- Barbie (Gerwig)
10.- Evil dead: El despertar (Cronin)
Francisco TOMAT Realizador, asistente de sonido y edición Alcarrás (Simón) Con amor y furia (Denis) Eureka (Alonso) El mal no existe (Hamaguchi) Godland (Pálmason) Sons of Ramses (Cogitore) Hojas de otoño (Kaurismäki) Tár (Field) Trenque Lauquen (Citarella) Cuando no hay más olas (Díaz)
José TRIPODERO Divulgador, docente, podcaster (A Sala Llena, Sucesos Argentinos)
1 – Mantícora (Vermut)
2 – Trenque Lauquen (Citarella)
3 – No voy a pedirle a nadie que me crea (Frías de la Parra)
4 – Los asesinos de la luna (Scorsese)
5 – Master Gardener (Schrader)
6 – Cuando acecha la maldad (Rugna)
7 – Arturo a los 30 (Shanly)
8 – Misántropo (Szifrón)
9 – La decisión de partir (Chan-Wook)
10 – El asesino (Fincher)
Esteban TRIVISONNO Director de cine y teatro, guionista, asistente de dirección (Puan) Tár (Field) Anatomía de una caída (Triet) Los asesinos de la luna (Scorsese) Alcarrás (Simón) Puan (Alché/Naishtat) Cielo rojo (Petzold) Los cinco diablos (Mysius) Vera y el placer de los otros (Tamburello/Actis) Los espíritus de la isla (McDonagh) Oppenheimer (Nolan) Menciones especiales: Bronca [Beef] (serie) / Succession: Temporada 4 (serie) / Dead Ringers (serie)
Cristian ULLOA Programador (Vaivem, Malba), guionista Asteroid City (Anderson) Cambio cambio (García Candela) Cielo rojo (Petzold) Trenque Lauquen (Citarella) Los colonos (Gálvez)
Fernando G. VAREA Periodista, autor-editor de Espacio Cine, autor de El cine como eco y otras publicaciones The quiet girl (Bairéad) Hojas de otoño (Kaurismäki) El mal no existe (Hamaguchi) El juicio (de la Orden) Herbaria (Listorti) Cielo rojo (Petzold) Pasajes (Sachs) Los delincuentes (Moreno) Trenque Lauquen (Citarella) Terminal Young (Seles) Mención especial: El conformista (Bertolucci), reposición en versión restaurada, y El secuestrador (Torre Nilsson), exhibida en 35 mm en el Bafici.
Paula VÁZQUEZ PRIETO Crítica (La Nación, Radar, Hacerse La Crítica), docente.
1. Trenque Lauquen (Citarella).
2. Los delincuentes (Moreno).
3. Cielo rojo (Petzold).
4. Cerrar los ojos (Erice).
5. La chimera (Rohrwacher).
6. Scarlet (L’envol) (Marcello).
7. Pasajes (Sachs).
8. Una linda mañana (Hansen-Løve).
9. No esperes demasiado del fin del mundo (Jude)
10. Los asesinos de la luna (Scorsese).
Ariel VICENTE Realizador, coordinador general y programador del Cine El Cairo Arturo a los 30 (Shanly) As bestas (Sorogoyen) Catálogo para una familia (Attías) El castillo (Benchimol) El Conde (Larraín) El siervo inútil (Lacolla) Errante. La conquista del hogar (Lestido) Herbaria (Listorti) Hojas de otoño (Kaurismäki) Rotting in the sun (Silva) Sigue leyendo →
Durante la ceremonia de cierre del 38º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, la actriz, guionista y directora Ana Katz (que fue centro de un homenaje) recordó cuando, al asistir por primera vez como colaboradora, había tenido que preparar credenciales para estudiantes que venían de distintas partes del país, de cuyo alojamiento y comida se hacía cargo el festival: ¿Eso va a volver, no? les preguntó intencionadamente a Fernando Juan Lima y Pablo Conde (respectivamente Presidente y Director Artístico del mismo). En otro momento, antes de la entrega de los premios, los propios Lima y Conde reclamaron, sin vueltas (aunque con ánimo jocoso, tal vez para no arruinar el clima de fiesta que se supone debe imperar en estas circunstancias), mayor presupuesto y más tiempo para la organización, entre otras cosas.
En verdad, pocas veces como este año el festival se balanceó –dificultosamente– entre dos realidades. Por un lado, un innegable recorte, que hizo añorar tiempos no tan lejanos, en los que los asistentes podíamos ver y escuchar en persona a reconocidas figuras del cine internacional (de Bong Joon-ho a Paul Schrader, de Vittorio Storaro a Jean-Pierre Léaud y Vanessa Redgrave), había publicaciones en papel (este año se presentaron varios libros, incluyendo dos dedicados a Vlasta Lah y Martín Rejtman, pero no existía un espacio donde encontrarlos), numerosos invitados (pocas películas estuvieron acompañadas por alguien de su equipo presente en la sala, como era habitual) y recursos para estimular la participación de periodistas y estudiantes (que en esta edición quedamos medio librados a nuestra suerte, como si no importara mucho nuestra presencia). A pesar de ello, al mismo tiempo, las salas estuvieron siempre colmadas de un público entusiasta, hubo largas colas para acceder a las funciones gratuitas en el Teatro Colón y conmovían los aplausos cada vez que podía leerse en la pantalla –a través del spot del festival– Cine y democracia,Memoria, verdad y justicia o Nunca más.
De los spots exhibidos antes de las funciones podrían objetarse el afán épico, el hecho de que en uno de ellos se vea una escuela rural al mencionarse el Monumento Nacional a la Bandera (sin ir más lejos, podrían haberse obtenido imágenes del mismo de una escena de Argentina 1985), que para sensibilizar se recurra a las figuras de los queridos Maradona y Messi (no muy ligados al cine) y que se eludan imágenes de películas previas a los años ’60, o que las referencias a la censura se limiten a la última dictadura (también se cortaban películas con anterioridad e incluso hay casos de censura posteriores a 1984, más sutiles por cierto); de todas formas, estos videos fueron pertinentes para energizar al público y recordar los peligros que implicaría la llegada al gobierno de los candidatos de LLA en el ballotage del próximo domingo (noble propósito apoyado con las presencias, dudosamente necesarias, del ministro y candidato Sergio Massa en la apertura y del jefe de asesores del Gobernador de la Provincia de Buenos Aires, Carlos Bianco, en la clausura).
Dentro de la Competencia Internacional se exhibieron la coreana Mimang y la alemana Arthur & Diana. La primera, escrita y dirigida por Kim Taeyang, es una sucesión de encuentros entre un joven y una amiga a lo largo de cuatro años. Conversan, compartiendo recuerdos y pensamientos, mientras caminan sin apuro por sitios de Seúl. Un film melancólico tanto como monótono, que puede traer a la memoria otros similares, y cuyo encanto mayor reside en la seducción que ejercen las calles mojadas por la lluvia, algun bar semiescondido al que vuelven por un rato, y los rincones que el espectador tiene oportunidad de ir descubriendo en ese recorrido, en medio del trajín de la ciudad. El film alemán, en tanto, es algo así como un luminoso psicodrama: escrito, dirigido y actuado por Sara Summa, encarnando a una mujer que debe viajar de Berlín a París junto a su hermano y su bebé (encarnados por su hermano real y su pequeño y gracioso hijo), mientras discuten y afrontan imprevistos diversos. Filmado mayormente en 16 mm, las coloridas locaciones y la ocasional simpatía de las anécdotas que atraviesan el viaje le dan cierto atractivo.
Integrando la Competencia Latinoamericana, la colombiana El otro hijo (Juan Sebastián Quebrada) comienza ocupándose de los roces familiares de los que es testigo un adolescente hasta que –en una secuencia muy bien planteada– una fiesta juvenil ligeramente desmadrada es interrumpida por una tragedia. Allí comienza un duelo familiar, un quiebre emocional con el que el pibe, su madre, su padrastro y su padre (con quien no convive) lidian como pueden, desgarrados e intrigados por las dudas que quedan flotando en torno a ese dramático incidente. Inspirada en un hecho que conmovió a la familia del joven realizador, la película desliza una mirada sobre cierto sector de la sociedad colombiana (se muestra como natural que los chicos asistan a un colegio privado y anhelen continuar sus estudios en Europa), pareciendo una concesión el vínculo que termina estableciendo el protagonista con la novia de su hermano. Si cobra fuerza es por la calidad de las actuaciones y la autenticidad con la que expone el dolor ante la pérdida de un ser querido.
Un caso singular es El empresario (Germán Scelso), que integró la Competencia Argentina, documental que ensambla saludablemente inquietudes del propio director (hijo de un militante del Ejército Revolucionario del Pueblo) con testimonios de una familia víctima de acciones de su padre y compañeros suyos en 1976. Algunos datos que presenta al comienzo son relevantes al punto de que el film no tendría sentido desconociéndolos: apenas el empresario en cuestión fue liberado, el padre del director fue apresado y desaparecido por las fuerzas de la represión ilegal de la Argentina de la dictadura. Lo que cuentan el hijo y los nietos de aquel hombre secuestrado por el ERP interesa porque deja al descubierto matices que bien vale conocer o recordar: el relativo buen trato que recibió de los jóvenes raptores, el robo de un reloj por parte de las fuerzas militares-policiales cuando lo trajeron de vuelta a su hogar, y otros tantos. En esos detalles está lo mejor del film, errático en su forma y en el uso del material de archivo. No queda del todo claro si Scelso quiso cerrar heridas, rastrear recuerdos o, al hablar con estas personas, conocer algo más de su padre desaparecido: tal vez el resultado haya sido satisfactorio en lo personal, pero parece faltarle maduración o una posición ideológica más clara. Cabe señalar que en la misma sección hubo también dos producciones santafesinas, ambas ganadoras de varios premios y, curiosamente, codirigidas por parejas: La mujer hormiga (Betania Cappato/Adrián Suárez) y Vera y el placer de los otros (Romina Tamburello/Federico Actis); las dos ya tendrán en Espacio Cine el espacio que merecen.
Parte de la Competencia Latinoamericana, El castillo, de Martín Benchimol, es un documental que va exponiendo de a poco la curiosa historia de una empleada doméstica que ha heredado de su dueña un viejo castillo en pleno campo. Allí vive con su hija, juega con un par de animalitos, limpia, cocina, mira TV y entabla ocasionales vínculos con vecinos y visitantes bastante frívolos o interesados en aprovechar el lugar para obtener algún rédito económico. Sin salir nunca de Lobos (una de las localidades donde se filmó Juan Moreira, y uno piensa que a Favio seguramente le hubiera gustado este film), expone situaciones nunca extraordinarias exceptuando, claro, el punto de partida. Deliberadamente, seduce al espectador sin señalarle qué momentos son registros espontáneos y cuáles escenas recreadas por sus mismas protagonistas: No nos ve nadie le dice en un momento una mujer a Justina, cuyo rostro expresa toda la resignación, la dignidad y las emociones contenidas de su condición social o, digamos, de su clase. La música de José Manuel Gatica y la oportunidad de los encuadres logran que la cotidianeidad se cubra de un extrañamiento nunca artificioso.
Suele suceder que el festival sea una buena oportunidad para apreciar (en pantalla grande y condiciones óptimas, antes de su estreno comercial si es que llegan a tenerlo) las nuevas películas de directores reconocidos. No pude ver las más recientes producciones de Aki Kaurismäki, Víctor Erice, Michel Gondry y otros, pero sí lo último de Alice Rohrwacher, Bertrand Bonello, Lisandro Alonso, Radu Jude y Ryûsuke Hamaguchi. La chimera [La quimera], de la italiana Rohrwacher (directora de Le meraviglie, Lázzaro felice y el encantador corto Las pupilas, que se vio en Mar del Plata el año pasado y luego fue nominado al Oscar) y La Bête [La bestia], del francés Bonello (L’apollonide, Nocturama) son relatos seductores, intensos, que se extienden dispersándose, aunque con estilos distintos. La primera ensaya una suerte de fábula a partir de un hombre algo hosco (Josh O’Connor) quien, al salir de la cárcel, va relacionándose con su madre (curiosa caracterización de Isabella Rossellini), unos viejos amigos (ladronzuelos extrovertidos, típicamente italianos) y una joven estudiante de canto (Carol Duarte), entre otros personajes. Reuniendo viñetas en torno al robo de antiguas esculturas, una posible historia de amor, anécdotas familiares y excentricidades varias, La chimera va volviéndose irregular, forzando sugerencias metafóricas, aunque no pueden discutírsele la calidez que irradia y la empatía que generan los fotogénicos O’Connor y Duarte. Parecidos son los problemas, aunque diferentes los méritos, de La Bête: con una protagonista que parece vivir en tres épocas diferentes (espléndida Lèa Seydoux), recordando o imaginando en una lo que le ocurre en otra, resulta casi hipnótica la manera en la que va internando al espectador en una trama futurista que se alterna con una historia de amor imposible en los albores del siglo XX. Estética y narrativamente todo luce sumamente calculado, quizás demasiado (se reitera aquí la tendencia del director a la minuciosidad en la elaboración de encuadres y movimientos de cámara, junto a la elegancia o cierto glamour en las locaciones, la apariencia de sus criaturas humanas e incluso la música). Genera alarma sobre las consecuencias de los avances tecnológicos, colisionando confort y soledad, pero sin poder impedir que algunas reflexiones y chistes resulten simplones, dentro de un film más superficial que profundo.
En el marco del festival, el argentino Lisandro Alonso estrenó Eureka. Traten de no interpretar la película sino dejarse llevar, sugirió, presente en la sala, el propio Alonso. El consejo era razonable, ya que el film puede incomodar por lo enigmático, yendo de un comienzo en blanco y negro (suerte de western enrarecido, con Viggo Mortensen) a un episodio donde una mujer policía y su sobrina adolescente, en una reservación indígena estadounidense, llevan adelante con sencillez su vida cotidiana (como una actriz-cineasta, aparece en ambos segmentos Chiara Mastroianni). La chica extraña a su abuelo y, en determinado momento, recurre a un rito para contactarse con él, ingresar a otra dimensión, transmutar o –siguiendo la recomendación de Alonso– lo que cada uno piense o imagine. Una tercera parte se rinde a la belleza transparente y salvaje de la selva brasileña, sin desestimar problemas de explotación sufridos por los indígenas en los años ’70 en el país vecino. Maltratada por buena parte de la crítica tras exhibirse en Cannes, Eureka es, no obstante, más que valiosa como experiencia sensorial y probable reverso de la mitología del western, con un aire fantástico invadiendo la(s) historia(s).
Do not expect too much from the end of the world [No esperes demasiado del fin del mundo], del rumano Radu Jude (Sexo desafortunado o porno loco), es un excitado torrente de ideas (sobre la realidad rumana, la precariedad laboral en el mundo actual, la agresividad de los videos que se comparten y viralizan en redes sociales, el enloquecido ritmo de vida en las grandes ciudades) arrojadas mientras una ayudante de producción conduce su coche por Bucarest y alrededores buscando testimonios para un spot de seguridad laboral. Con la participación de Nina Hoss, el film es lúdico y acometedor, puede desviarse de su vértigo para mostrar silenciosamente tumbas armadas al costado de una ruta de las personas que murieron en accidentes de tránsito, o detenerse en un plano fijo final (extenso, extenuante, apasionante) dentro del cual no dejan de ocurrir cosas relacionadas con las dificultades y la manipulación en la elaboración de uno de esos videos sobre víctimas de accidentes laborales, e incluso insertar oportunamente fragmentos de una película rumana de 1981 sobre una mujer taxista. La protagonista (Ilinca Manolache, con un brilloso vestido cuyo colorido deliberadamente se escamotea, ya que buena parte del film es en blanco y negro) es hiperquinética, comprensiva con sus semejantes, rebelde a su manera, guarra en modos y reacciones: en su personaje se concentra la vivacidad de la película, que puede recordar a cierto cine satírico (Robert Altman, Lindsay Anderson) aunque con un sello propio, anárquico y juvenil.
Muy distinta es Evil does not exist [El mal no existe], del japonés Ryûsuke Hamaguchi (Drive my car, La rueda de la fortuna y la fantasía), sobre un hombre, su pequeña hija y un grupo de vecinos que ven cómo su apacible (y, al mismo tiempo, esforzada) vida en un pueblo rodeado de bosques puede ser alterada cuando una empresa pretende instalar en el lugar un glamoroso camping (glamping le llaman). Si esta consigna suena a algo ya visto, o a un drama de denuncia tan políticamente correcto como previsible, hay que decir que Hamaguchi hace otra cosa: nada puede salir bien de ese proyecto, parece ser la reflexión final, a la cual se llega lentamente, mientras aparentemente crece alguna forma de entendimiento entre las partes. Podría acercarse a un drama de calidad impostada si no fuera que el realizador impone su delicadeza habitual, sus planos demorados, su música magnética (que abruptamente se interrumpe, como los hachazos que el protagonista asesta sobre los troncos) y su exploración visual del entorno natural (de una serena belleza que ocasionalmente se torna misteriosa, fantasmal). Tanto en la caracterización de los personajes principales (de reacciones algo imprevisibles para lo que se espera de ellos) como en las alusiones al peligro y la construcción de un tramo final inquietante –sin apelar a golpes bajos ni a resoluciones tranquilizadoras–, Hamaguchi confirma su enorme capacidad.
Entre los espacios destinados al festival, se agregó este año uno esplendoroso de nombre raro (Chauvin) para algunas actividades, mientras dejaron de ser parte las salas del Ambassador y el shopping Los Gallegos. Tampoco hubo proyecciones de cine silente con música en vivo o de material que sorprenda por su carácter extraordinario, como venía ocurriendo en ediciones anteriores (en muchos casos gracias a aportes de Fernando Martín Peña). De todas formas, fue meritorio el rescate de Hombre de la esquina rosada (1962, del gran René Mugica, sobre relato de Jorge Luis Borges), en copia restaurada, así como de algunas películas –no las mejores– de Adolfo Aristarain, dos de Esteban Sapir (quien, recordemos, es autor de uno de los mejores spots realizados para el festival, nueve años atrás), y la palpitante Great Green Valley (1967), del cineasta georgiano Merab Kokochashvili, además de recordados títulos de Jean Rouch, Marguerite Duras y otros nombres igualmente estimables. Esto último, desde ya, fueron parte de las iniciativas dignas de ser celebradas.
Fernando G. Varea Imágenes: interior y alrededores del Teatro Auditorium durante el festival; fotogramas de Evil does not exist, La Bête y Eureka.
Cuando en febrero el corto Un movimiento extraño, escrito y dirigido por el argentino Francisco Lezama, ganó el Oso de Oro en el Festival de Berlín, la sorpresa fue bienvenida: era el primer reconocimiento a nuestro cine después de la asunción de Javier Milei como presidente, en medio de noticias varias descalificando la importancia del INCAA y de las películas realizadas en nuestro país. Además, al agradecer el premio, el treintañero Lezama se expresó con claridad sobre la preocupante situación.
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