Cine 2018: Imágenes e historias para recordar

Espacio Cine cumple 10 años. Como desde un principio, nos entusiasma reunir opiniones que contribuyan a la discusión sobre cualquier aspecto vinculado a la producción audiovisual. En este caso (y por novena vez) convocamos a críticos, realizadores, productores, programadores e investigadores para que seleccionen los largometrajes más valiosos, innovadores o arriesgados del año, entre los estrenados en salas, en festivales, en dvd o en streaming (con la opción de destacar, asimismo, una serie, un programa de TV, un corto, un videoclip o una reposición). Cabe aclarar que algunos se disculparon por no poder participar o no respondieron a la invitación. Queda para otro momento algún tipo de reflexión, a modo de balance, sobre los 10 años del blog. En principio, agradezco profundamente a todos los colegas y lectores cinéfilos que han apoyado a Espacio Cine durante todo este tiempo.
Van entonces, a continuación, las películas más votadas y las preferidas de cada uno de los consultados (incluyendo, al final, las mías). Los resultados no sólo pueden servir para rescatar del vértigo informativo determinados títulos y nombres, poner atención en ellos, conocerlos y valorarlos, sino, además, para advertir temáticas y géneros predominantes, descubrir novedades estilísticas y revelaciones, o ratificar las inquietudes de directores ya conocidos. En la selección conviven obras de creadores de distintas procedencias y generaciones, miradas sensibles sobre personajes complejos, documentales rigurosos con la verdad como meta, ficciones y animaciones que celebran el espíritu de aventura, el amor y el sentido del humor, cáusticas exploraciones por la naturaleza humana y por los recodos de la Historia: ojalá todos esos elementos estimulantes y positivos nos permitan recordar de lo que somos capaces –como artistas, como ciudadanos, como personas– para confiar en un año mejor.
FGV

Cantidad de votos y películas correspondientes:
23: EL HILO FANTASMA (Phantom Thread, Paul Thomas Anderson)
15: EL SILENCIO ES UN CUERPO QUE CAE (Agustina Comedi)
12: COLD WAR (Pawel Pawlikowski); ROMA (Alfonso Cuarón); TRES ANUNCIOS PARA UN CRIMEN (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, Martin McDonagh)
11: EL ÁNGEL (Luis Ortega); ISLA DE PERROS (Isle of dogs, Wes Anderson)
9: LA FLOR (Mariano Llinás); LUCKY (John Carroll Lynch); MISIÓN: IMPOSIBLE – REPERCUSIÓN (Christopher McQuarrie); ROJO (Benjamín Naishtat)
8: PROYECTO FLORIDA (The Florida Project, Sean Baker); VISAGES VILLAGES (Agnès Varda/JR)
7: COCO (Lee Unkrich/Adrián Molina); EL LEGADO DEL DIABLO (Hereditary, Ari Aster)
6: EL LIBRO DE IMAGEN (Le Livre d’image, Jean-Luc Godard); LÁZZARO FELICE (Alice Rohrwacher); TRANSIT (Christian Petzold).
5: BOHEMIAN RAPSODY (Bryan Singer); BURNING (Lee Chang-Dong); EL INFILTRADO DEL KKKLAN (BlacKkKlansman, Spike Lee); FAMILIA SUMERGIDA (María Alché); LA VENDEDORA DE FÓSFOROS (Alejo Moguillansky); PIAZZOLLA, LOS AÑOS DEL TIBURÓN (Daniel Rosenfeld); NO INTENSO AGORA (João Moreira Salles); THE OTHER SIDE OF THE WIND (Orson Welles); WESTERN (Valeska Grisebach)
4: 15:17 TREN A PARÍS (The 15:17 to Paris, Clint Eastwood); AS BOAS MANEIRAS (Marco Dutr/Juliana Rojas); EL MOTOARREBATADOR (Agustín Toscano); LA BALADA DE BUSTER SCRUGGS (The Ballad of Buster Scruggs, Joel y Ethan Coen); LLÁMAME POR TU NOMBRE (Call me by your name, Luca Guadagnino); TEATRO DE GUERRA (Lola Arias); THE POST: LOS OSCUROS SECRETOS DEL PENTÁGONO (The Post, Steven Spielberg); VERANO 1993 (Estiu 1993, Carla Simon)

BENJAMÍN NAISHTAT
Realizador (Rojo, Premio a Mejor Director en San Sebastián)
Familia sumergida (M.Alché) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – El motoarrebatador (A.Toscano) – Ultra-reve (Y.Gonzalez/B.Mandico/C.Poggi/J.Vinel)

JUAN VILLEGAS
Realizador (Sábado, Los suicidas, Las Vegas), crítico (Revista de Cine)
Paddington 2 (P.King) – Cetáceos (F.Percia) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – Familia sumergida (M.Alché) –  Una ciudad de provincia (R.Moreno)

PAULO PÉCORA
Realizador (El sueño del perro, Marea baja), guionista, periodista
Verano 1993 (C.Simón) – Visages Villages (A.Varda/JR) – El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi) – 24 cuadros (A.Kiarostami) – Adiós entusiasmo (V.Durán) – Familia sumergida (M.Alché) – La cama (M.Lairana) – La vendedora de fósforos (A.Moguillansky) – Mochila de plomo (D.Mascambroni) – No intenso agora (J.Moreira Salles)

EDUARDO A. RUSSO
Crítico, investigador,  director del Doctorado en Artes de la FBA-UNLP,  autor de Diccionario de Cine, El cine clásico y otras publicaciones
Almas muertas (W.Bing) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – El libro de imagen (J.L.Godard) – The Other Side of the Wind (O.Welles) – El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi) – Lucky (J.C.Lynch) – The Florida Project  (S.Baker) – Roma (A.Cuarón) – Song of Granite (P.Collins) – Verano 1993 (C.Simon)
Mención especial:
Para la serie Mindhunter y los documentales Me amarán cuando esté muerto/El corte final de Orson (complementos de The Other Side of the Wind)

FERNANDO JUAN LIMA
Crítico (La autopista del sur), abogado, ex vicepresidente del INCAA
Lazzaro Felice (A.Rohrwacher) – Las hijas del fuego (A.Carri) – Transit (C.Petzold) – La flor (M.Llinás) – La película infinita (L.Listorti) – El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi) – Borrá todo lo que dije del amor porque no sabía bien quién era (G.Pico) – El ángel (L.Ortega) – Familia sumergida (M.Alché) – Mochila de plomo (D.Mascambroni)
Mención especial:
Filmoteca, temas de cine, el genial programa de Peña y Manes. Por lejos, lo mejor de la TV. Siempre excelente; la incorporación de Roger Koza ha sido un gran acierto.

GONZALO AGUILAR
Docente (UBA), investigador, autor de Otros mundos. Un ensayo sobre el nuevo cine argentino y  Más allá del pueblo. Imágenes, indicios y políticas del cine
Visage Villages (A.Varda/JR) [Otro gran viaje de Agnès Varda por el interior de Francia y por el rostro humano] – Inflitrado del KKKLan (S.Lee) [Genial relectura de la tesis de Haz lo correcto, ahora desde el punto de vista de nuestra ambigüedad frente a la ley] – Isla de perros (W.Anderson) [Exilios, biopolítica, catástrofe ecológica, autoritarismo y soberanía: todos estos temas en stop motion] – La vendedora de fósforos (A.Moguillansky) [¡Otro slapstick intelectual de Moguillansky con música de Schubert!] – El ángel (L.Ortega) [Pese a su dificultad para comprender el padecimiento de las víctimas, es como subir a una montaña rusa y una lectura original de la década del 70] – Black Panther (R.Coogler) [Por fin un superhéroe que redime al continente africano y que muestra los poderes de la cultura afro con una mirada marveliana] – Stefan Zweig: adiós a Europa (M.Schrader) [Proeza: hacer una película interesante y con una reconstrucción sólida del mundo intelectual de los años 30] – El libro de imagen (J.L.Godard) [Godard es Godard] – Godard, mon amour (M.Hazanavicius) [Y… Godard es Godard] – Bohemian Rapsody (B.Singer) [Pésima película pero redimida por un genio deslumbrante y arrollador: don’t stop me now!] – Custodia compartida (X.Legrand) [Un retrato perfecto de la violencia familiar y de género, que juega con los prejuicios y las expectativas convencionales del espectador] – No intenso agora (J.Moreira Salles) [Un poco narcisista, pero la mejor conmemoración de Mayo del 68]
Mención especial:
El video de Thelma Fardin exhibido por el colectivo de actrices en el que denuncia la violación a la que fue sometida. El nuevo cine argentino está en la antesala de este excepcional corto que combina puesta en escena y testimonio, ficción (en el sentido de construcción) y afectividad, telenovela y cinema verité.

RAFAEL SPREGELBURD
Actor (El hombre de al lado, El crítico, Zama, Unidad XV), director teatral
La flor (M.Llinás) – Unidad XV (M.De Salvo) – La vendedora de fósforos (A.Moguillansky) – Cetáceos (F.Percia) – No viajaré escondida (P.Zubizarreta) – Rescate en Entebbe (J.Padilha) – La otra piel (I.de Oliveira Cézar) – Ocean’s 8 (G.Ross) – Misión Imposible: Repercusión (C.McQuarrie) – Perdida (A.Montiel)

ROGER KOZA
Crítico (La voz del interior, Revista Ñ), programador (DocBuenosAires, Filmfest Hamburg, Viennale, FICIC)
El libro de imagen (J.L.Godard) – La flor (M.Llinás) – Western (A.Girsebach) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – The Florida Project (S.Baker) – Transit (C.Petzold) – Misión Imposible: Repercusión (C.McQuarrie) – Jeannette: La infancia de Juana de Arco (B.Dumont) – Llámame por tu nombre (L.Guadagnino) – El lugar del silencio (J.Krasinski)
[Por haber participado en otras encuestas, en ésta, a la vieja usanza me circunscribí a los estrenos comerciales en sala, mencionados por orden de prioridad]
Mención especial:
Debido a que el editor de Espacio Cine ha escrito un confiable y laborioso libro sobre el cine y la dictadura, agrego aquí una lista de 5 libros de cine publicados en Argentina en el 2018 que me resultan excepcionales, sin orden de prioridad: Imitación de una vida (Tabbia); Adiós cine, bienvenida cinefilia (Rosenbaum); Obra y vida de Sarmiento en el cine (Suárez); Cine y dinero. Imaginarios ficcionales y sociales en Argentina (Visconti); Después del nuevo cine. Diez miradas en torno al cine argentino contemporáneo (VVAA).

MARCELA GAMBERINI
Licenciada en Letras, crítica (Con los ojos abiertos, Subjetiva), docente
Lazzaro felice (A.Rohrwacher) – Verano 1993 (C.Simon) – La flor (M.Llinás) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – El ángel (L.Ortega) –  Burning (L.Chang-dong) – Buenos aires al Pacífico (M.Donoso) – Visages Villages (A.Varda/JR) – As boas maneiras (J.Rojas/M.Dutra) – El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi)
Mención especial:
El marginal (escrita por Adián Caetano y dirigida por Luis Ortega)

FERNANDO KRICHMAR PORTO
Realizador (Seré millones, El futuro llegó, El camino de Santiago), integrante de DOCA
1) Venían a buscarme (A.de la Barra). 2) El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi). 3) Ata tu arado a una estrella (C.Guarini). 4) El sabor del Cemento (Z.Kalthoum, vista en la muestra DOCA). 5) La Boya (F.Spiner).  6) Pabellón 4 (D.Gachassin). 7) Teatro de Guerra (L.Arias). 8) La noche de 12 años (Á.Brechner). 9) El espanto (P.Aparo/M.Benchimol). 10) De Regreso a Coronel Vallejo (C.Castro)
Mención especial:
Bohemian Rapsody, No viajaré escondida, Yo Sandro, Toda esa sangre en el monte, Viaje a los pueblos fumigados, Miró: las huellas del olvido, Piazzola: los años del Tiburón y las series Better Call Saul, Happy Valley y Narcos: Mexico (no veo tantas).

CÉSAR MARANGHELLO
Investigador, autor de Breve historia del cine argentino, Eva Duarte, más allá de tanta pena y otros libros
Cold War (P.Pawlikowski) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – El motoarrebatador (A.Toscano) – El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi) – Invisible (P.Giorgelli) – La vendedora de fósforos (A.Moguillasky) – Mochila de plomo (D.Mascambroni) – Nuestra hermana menor (H.Kore-eda) – Rojo (B.Naishtat) – Vendrán lluvias suaves (I.Fund)
Mención especial:
Paddington 2, de Paul King, y La Boya, de Fernando Spiner.

TERESA ARREDONDO
Realizadora (Sibila, codirectora de Las Cruces)
Chuva e cantoria na aldeia dos mortos (J.Salaviza/R.N.Messora) – What You Gonna Do When the World’s on Fire? (R.Minervini) – The image you missed (D.Foreman) – Erased, ascent of the invisible (G.Halwani) – Cassandro el exótico! (M.Losier) – Braquer Poitiers (C.Schmitz) – Los reyes (B.Perut/I.Osnovikoff) – Los sueños del castillo (R.Ballesteros) – El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi)
Mención especial:
Es del 95 pero la vi este año en Mar del Plata y me pareció maravillosa: Out of the present (Andrei Ujica)

TOMÁS LIPGOT
Realizador (Moacir, Vergüenza y respeto, Viva el palíndromo)
All inclusive (D. y P.Levy) – Bohemian Rapsody (B.Singer) – El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi) – Entre dos aguas (I.Lacuesta) – Isla de perros (W.Anderson) – Joel (C.Sorín) – Rojo (B.Naishtat) – Sonita (S.Alizadeh) – Una mujer fantástica (S.Lelio) – Yuli (I.Bollaín)
[por estricto orden alfabético]

NICOLÁS HERZOG
Realizador, guionista (Orquesta roja, Vuelo nocturno. La sombra del Gallo)
1- Rojo (B.Naishtat). 2- Coco (L.Unkrich/A.Molina). 3- Cold War (P.Pawlikowski). 4- Transit (C.Petzold). 5- Invisible (P.Giorgelli). 6- Pabellón 4 (D.Gachassin). 7- Tres anuncios para un crimen (M.McDonaugh). 8 – The Party (S.Potter). 9-  La flor (M.Llinás). 10- 120 pulsaciones por minuto (R.Campillo)

MARCOS VIEYTES
Crítico (Calanda), autor de Subjetiva de nadie
El hilo fantasma (P.T.Anderson) – Cold War (P.Pawlikowski) – Llámame por tu nombre (L.Guadagnino) – Lucky (J.C.Lynch) – El ornitólogo (J.P.Rodrigues) – Todo el año es navidad (N.Frenkel) – Western (V.Grisebach) – El justiciero 2 (A.Fuqua) – La balada de Buster Scruggs (Hnos.Coen) – El depredador (Sh.Black)

EMILIO BELLON
Licenciado en Letras, crítico (Radio Rosario Clásica), docente (UNR)
1945 (F.Tôrôk) – Transit (C.Petzold) – Visages, villages (A.Varda/JR) – Cold War (P.Pawlikowski) – El repostero de Berlín (O.E.Graizer) – El hilo fantasma (P.T. Anderson) – Lucky (J.C.Lynch) – The place / Los oportunistas (P. Genovese) – Roma (A.Cuarón) – Stefan Zweig, adiós a Europa (M.Schrader)
Mención especial:
Sin dejar huellas (E.Zonca) y las reposiciones de films dados a conocer en sala Arteón, actualmente programa Jorge Debiazzi, y en cine El Cairo, particularmente lo que compete a las funciones de Amigos de El Cairo y el ciclo-homenaje a Marcello Mastroianni.

ESTEBAN TRIVISONNO
Realizador, guionista, director de Tito (que compitió este año en el BAFICI)
The Florida Project (S.Baker) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – Lady Macbeth (W.Oldroyd) – Rojo (B.Naishtat) – Dry Martina (Che Sandoval) – Hereditary (A.Aster) – Tres anuncios por un crimen (M.McDonagh) – The tale (J.Fox) – Yo, Tonya (C.Gillespie) – El sacrificio del ciervo sagrado (Y.Lanthimos)
Mención especial:
Killing Eve (BBC América)

LEANDRO ARTEAGA
Crítico, periodista (Rosario/12, Radio Universidad Rosario, 5Rtv), docente
15:17 Tren a Paris (C.Eastwood) – Aterrados (D.Rugna) – El libro de imagen (J.L.Godard) – El sacrificio del ciervo sagrado (Y.Lanthimos) – El ángel (L.Ortega) – Infiltrado del KKKLan (S.Lee) – Isla de perros (W.Anderson) – La rueda de la maravilla (W.Allen) – Nuestra hermana menor (H.Kore-eda) – Teatro de guerra (L.Arias)
Mención especial:
El cine como promesa (Sans Soleil, 2018), libro de Gustavo Galuppo.

MARIANO LUQUE
Realizador (Salsipuedes, Otra madre, Los árboles), integrante del Colectivo de Cineastas
El hilo fantasma (P.T.Anderson) – The Post: Los oscuros secretos del Pentágono (S.Spielberg) – Vendrán lluvias suaves (I.Fund) – El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi) – Entre dos aguas (I.Lakuesta) – Infinite football (C.Porumboiu)

PATRICIO CARROGGIO
Fotógrafo, realizador (El perro de Ituzaingó, Siempre es tarde)
15:17 Tren a Paris (C.Eastwood) – El primer hombre en la luna (D.Chazelle) – La flor (M.Llinás) – Western (V.Grisebach) – Lucky (J.C.Lynch) – Julia y el zorro (I.M.Barrionuevo) – Inflitrado del KKKLan (S.Lee) – Han Solo: una historia de Star Wars (R.Howard)

OSCAR CUERVO
Periodista (Radio Gráfica, blogs Taller La Otra y KBSAS)
As boas maneiras (M.Dutra/J.Rojas) – An elephant sitting still (Hu Bo) – El ángel (L.Ortega) – Corsario (R.Perrone) – Did you wonder who fired the gun? (T.Wilkerson) – The season of the devil (L.Díaz) – Lady Macbeth (W.Oldroyd) – La desaparición (Pororoca) (C.Popescu) – El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi) – Mujer nómade (M.Farina)

FERNANDO LUIS PUJATO
Crítico (Perro Blanco, La furia umana), autor del libro Hacia lo que vendrá, escritos desde el cine
The Other Side of the Wind (O.Welles) – Ash is Purest White (J.Zhang-ke) – 3 Faces (J.Panahi) – What You Gonna Do When the World´s on Fire? (R.Minervini) – Milla (V.Massadian) – Una storia Volatile (C.Vestroni) – The Impossible Picture (S.Wollner) – El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi) – Lazzaro felice (A.Rohrwacher) – Lucky (J.C.Lynch)

GUILLERMO BRUNO
Crítico de cine y teatro (LT8, FM La Red, Radio 10)
1) Tres anuncios para un crimen (M.McDonaugh) – 2) Llámame por tu nombre (L.Guadagnino) – 3) El hilo fantasma (P.T.Anderson) – 4) Una mujer fantástica (S.Lelio) – 5) Bohemian Rapsody (B.Singer) – 6) El ángel (L.Ortega) – 7) El repostero de Berlín (O.E.Graizer) – 8) The Post: Los oscuros secretos del Pentágono (S.Spielberg) – 9) Cold War (P.Pawlikowski) – 10) Coco (L.Unkrich/A.Molina)
Mención especial:
Para tres documentales nacionales: El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi), Piazzolla, los años del tiburón (D.Rosenfeld) y Testigo de otro mundo (A.Stivelman)

CRISTIAN OLIVA
Periodista, administrador del sitio Central Mutante
Mandy (P.Cosmatos) – Isla de perros (W.Anderson) – Roma (A.Cuarón) – Tully (J.Reitman) – Black Panther (R.Coogler) – Cold War (P.Pawlikowski) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – Hereditary (A.Aster) – Misión Imposible – Repercusión (C.McQuarrie) – Burning (L.Chang-dong)
Mención especial:
Desenterrando Sad Hill, de Guillermo de Oliveira.

GABRIEL GUILLAUMET
Realizador, director de fotografía, docente (UAI Rosario, ISCAA Santa Fe)
Lazzaro felice (A.Rohrwacher) – La balada de Buster Scruggs (Hnos.Coen) – The Other Side of the Wind (O.Welles) – Hilda (serie animada de Kurt Mueller & cía)
Mención especial:
Roma (A.Cuarón)

DIEGO FIDALGO
Realizador (Hombres de ideas avanzadas, El origen del pudor, Fotosíntesis), productor (Oxímoron)
Ata tu arado a una estrella (C.Guarini) – La flor (M.Llinás) – Rojo (B.Naishtat) – Toda esta sangre en el monte (M.Céspedes) – Tres anuncios para un crimen (M.McDonaugh) – Triple crimen (R.Plataneo) – Visages Villages (A.Varda/JR)

ARTURO MARINHO
Realizador, productor (Detrás de la línea amarilla, El amansador, Amadoras)
Rojo (B.Naishtat) – Roma (A.Cuarón)

JUAN PABLO RUSSO
Crítico, director de Escribiendo Cine
Rojo (B.Naishtat) – El ángel (L.Ortega) – El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi) – El motoarrebatador (A.Toscano) – Teatro de guerra (L.Arias) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – La noche de 12 años (Á.Brechner) – Pantera Negra (R.Coogler) – Yo soy Simón (G.Berlanti) – No intenso agora (J.Moreira Salles)
Mención especial:
La casa de las flores, de Manolo Caro (Netflix)

GISELA MANUSOVICH
Licenciada en Artes, docente (UBA), crítica (El cine en la mirada)
Cold War (P.Pawlikowski) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – El motoarrebatador (A.Toscano) – Impuros (D.Najenson/F.Mujica) – La cama (M.Lairana) – Los 120, la brigada del café (M.L.Vásquez) – Mujer nómade (M.Farina) – The Florida Project (S.Baker) – Rojo (B.Naishtat) – Verano 1993 (C.Simón)
Mención especial:
Quincy (Netflix)

ALEJANDRO PEREYRA
Director de fotografía (El asadito, El investigador de ciudades, La guayaba, Umbral), escritor
Lucky (J.C. Lynch) – La vendedora de fósforos (A.Moguillansky) – Roma (A.Cuarón) – La flor (M.Llinás) [Sólo vi los dos primeros capítulos] – The Other Side of the Wind (O.Welles)
Mención especial:
Quisiera señalar también una película que aunque no fue estrenada este año yo sí vi en el 2018 y me interesa recomendar: Qué difícil es ser un dios (2013).

MARCELO VIEGUER
Licenciado en Comunicación Audiovisual, docente (UCA, EPCTV)
Tres anuncios para un crimen (M.McDonagh) – Lazzaro felice (A.Rohrwacher) – Un lugar en silencio (J.Krasinski) – El sacrificio del ciervo sagrado (Y.Lanthimos) – Hereditary (A.Aster) – Custodia compartida (X.Legrand) – 15:17 Tren a Paris (C.Eastwood) – Detroit: zona de conflicto (K.Bigelow) – Todo el dinero del mundo (R.Scott) – El Justiciero 2 (A.Fuqua) – First Reformed (P. Schrader)
Mención especial:
Las series The Americans -Season 6 (estadounidense) y Dark (alemana).

FERNANDO HERRERA
Realizador, crítico (Radio Nacional, Mirar y ver)
1) El hilo fantasma (P.T.Anderson) – 2) Lucky (J.C.Lynch) – 3) Cold War (P.Pawlikowski) – 4) Tres anuncios para un crimen (M.McDonagh) – 5) Piazzolla: los años del tiburón (D.Rosenfeld) – 6) Roma (A.Cuarón) – 7) La flor (M.Llinás) – 8) The Florida Project (S.Baker) – 9) 1945 (F.Tôrôk) – 10) 120 pulsaciones por minuto (R.Campillo)
Mención especial:
Entre las series quiero destacar tres: Cobra Kai, Hill House y Maniac.

LUIS FITTIPALDI
Actor, director teatral, director de Rosariocine
1- Tres anuncios para un crimen (M.McDonaugh). 2- La forma del agua (G.del Toro). 3- Las horas más oscuras (J.Wright). 4- Yo soy Tonya (C.Gillespie). 5- Perfectos desconocidos (versión Alex de la Iglesia). 6- Lucky (J.C.Lynch). 7- Un lugar en silencio (J.Krasinski). 8- Esto no es un golpe (S.Wolf). 9- Animal (A.Bo). 10- Jiro Dreams of Sushi (documental japonés de Netflix que me parece maravilloso)

LUCIANO REDIGONDA
Programador (Centro Audiovisual Rosario), realizador (Clandestina, Mapamundi)
Visages Villages (A.Varda/JR) – Inflitrado del KKKLan (S.Lee) – The Florida Project (S.Baker) – La vendedora de fósforos (A.Moguillansky) – Piazzolla: los años del tiburón (D.Rosenfeld) – Lucky (J.C.Lynch) – Cocote (N.C.de los Santos Arias) – Roma (A.Cuarón) – Lazzaro felice (A.Rohrwacher) – Un lugar en silencio (J.Krasinski)
Mención especial:
Wild Wild Country (serie documental)

GUSTAVO ESCALANTE
Programador, encargado del archivo audiovisual del Centro Audiovisual Rosario
Cold War (P.Pawlikowski) – Inflitrado del KKKLan (S.Lee) – Isla de perros (W.Anderson) – La forma del agua (G.del Toro) – Tres anuncios para un crimen (M.McDonagh) – Aterrados (D.Rugna) – As boas maneiras (J.Rojas/M.Dutra) – Un lugar en silencio (J.Krasinski) – El hilo fantasma (P.T. Anderson) – Roma (A.Cuarón)
Mención especial:
Para el corto mexicano Verde, de Alonso Ruizpalacios (premiado en el 25º Festival de Cine Latinoamericano Rosario)

MATÍAS ORTA
Creador de A sala llena, redactor en revista Miradas, autor de Encerrados Toda la Noche: El Cine de John Carpenter
1-Roma (A.Cuarón). 2-Coco (L.Unkrich/A.Molina)). 3-Llámame por tu nombre (L.Guadagnino). 4-Nace una estrella (B.Cooper). 5-El ángel (L.Ortega). 6-The Post: Los oscuros secretos del pentágono (S.Spielberg). 7-Yo niña (N.Arpajou). 8-Aterrados (D.Rugna). 9-Mandy (P.Cosmatos). 10-Isla de perros (W.Anderson)
Mención especial:
Pose (serie)

MARTÍN IPARRAGUIRRE
Crítico (Hoy Día Córdoba, La mirada encendida), docente (UNC)
Song of Granite (P.Collins) – Season of the Devil (L.Diaz) – I´m not your negro (R.Peck) – As boas maneiras (J.Rojas/M.Dutra) – The Seen And Unseen (K.Andini) – The Florida Project (S.Baker) – Misión Imposible: Repercusión (C.McQuarrie) – No intenso agora (J.Moreira Salles) – Hereditary (A.Aster) – Burning (L.Chang-dong)
Mención especial:
El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi)

PABLO CECCARELLI
Codirector de la revista de cine Pulsión (La Plata)
El silencio es un cuerpo que cae (A.Comedi) – Mujer nómade (M.Farina) – Burning (L.Chang-Dong) – El libro de imagen (J.L.Godard) – Las hijas del fuego (A.Carri)
[aclaración: no incluyo películas que estaban en la lista del año pasado pero tuvieron estreno comercial en 2018]
Mención especial:
Por segundo año,  una película de Fernando Birri: en este caso ORG, proyectada en el Cine Municipal Select de La Plata.

CRISTIAN ANDRADE
Realizador (Santa Soja), programador (Muestra de Cine Interdisciplinaria Conecta)
Grass (H.Sang-Soo) – Kaili Blues (Bi Gan) – The wild pear tree (N.B.Ceylan) – Burning (L. Chang-Dong) – La desaparición (Pororoca) (C.Popescu) – An elephant sitting still (Hu Bo) – A land imagined (Y.Siew Hua) – Cold War (P.Pawlikowski) – El ángel (L.Ortega) – El cuento de la princesa Kaguya (I.Takahata)
Mención especial:
Espacio Cine 10 años.

FEDERICO ACTIS
Realizador (Los teleféricos, La arquitectura del crimen), productor (Rabia), docente
Dos largometrajes de ficción: El hilo fantasma (P.T.Anderson) y Tres anuncios para un crimen (M.McDonaugh). Un largometraje documental: El espanto (P.Aparo/M.Benchimol). Y un largometraje de animación: Isla de perros (W.Anderson)
Mención especial:
Para la serie Sharp Objects.

MARTÍN FRAIRE
Periodista, crítico (Radio San Jorge)
1- The Other Side of the Wind (O.Welles). 2- El hilo fantasma (P.T.Anderson). 3- Isla de perros (W.Anderson). 4- Roma (A.Cuarón). 5- El ángel (L.Ortega). 6- Avengers: Infinity War (A. y Joe Russo). 7- Tres anuncios para un crimen (M.McDonaugh). 8- Coco (LUnkrich/A.Molina). 9- Misión: Imposible – Repercusión (C.McQuarrie). 10- Hereditary (A.Aster)
Mención especial:
Episodio 4, temporada 3 de Daredevil – Miniserie Wild wild country – 2ª temporada de El Marginal.

FABIÁN DEL POZO
(Titular de Videoteca, cofundador de la primera revista sobre cine rosarina El Eclipse)
La balada de Buster Scruggs (J. y E.Coen) – Coco (L.Unkrich/A.Molina) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – La morgue (A.Ovredal) – The wild pear tree (N.B.Ceylán) – Piazzolla: los años del tiburón (D.Rosenfeld) – Roma (A.Cuarón) – Sinfonía para Ana (E.Ardito/V.Molina) – Transit (C.Petzold) – Viaje a los pueblos fumigados (F.Solanas)
[En estricto orden alfabético]
Mención especial:
A la continuidad de Filmoteca en la TVP, en un contexto en que el Estado actual cuestiona desde su día cero todo lo construido por el Estado predecesor (más aún en ámbitos afectados por groseros recortes presupuestarios como la Cultura), con todo el respeto a la coherencia de su conductor, quien saludablemente para la democracia, a la vez se manifiesta de manera pública contra dichas políticas: un espacio a preservar, en el que se puede disfrutar en calidad HD de una semana  dedicada al inusual modo de filmar de, por ejemplo, un Darío Argento casi no programado en la TV argentina.

JAVIER MATTEUCCI
Productor (Bronce, Amadoras)
Ready Player One: Comienza el juego (S.Spielberg) – Los conversos (S.Martinez/A.Marinho) – Bohemian Rapsody (B.Singer) – Animal (A.Bo) – Coco (L.Unkrich/A.Molina) – Isla de perros (W.Anderson) – Misión Imposible: Repercusión (C.McQuarrie) – Pañuelos para la historia (N.Valentini/A.Haddad) – Tres anuncios para un crimen (M.McDonaugh) – Deadpool 2 (D.Leitch)

MILTON SECCHI
Productor, realizador (director de Yo, pasto de los leones, exhibido en BAFICI 2018)
Estanque negro (J.S.Rinland) – Los árboles (M.Luque) – Western (V.Grisebach) – Malambo, el hombre bueno (S.Loza) – Vendrán lluvias suaves (I.Fund)
Mención especial:
La videoinstalacion de Florencia Levy en la muestra de la BIM (Bienal de la Imagen en Movimiento) en Muntref. Bellísima obra.

JUAN FRANCISCO GACITÚA
Crítico (Los jóvenes viejos, A sala llena, Las pistas)
Visages villages (A.Varda/JR) – Unas preguntas (K.Konrad) – La reina del miedo (V.Bertuccelli/F.Tiscornia) – Mochila de plomo (D.Mascambroni) – Casa del teatro (H.Rosselli) – Teatro de guerra (L.Arias) – Terra franca (L.Teles) – El ángel (L.Ortega) – Julia y el zorro (I.M.Barrionuevo) – Te quiero tanto que no sé (L.García Candela)
Mención especial:
La cura del espanto, de Mariana Rojas.

JUAN MARTÍNEZ
Crítico (Los Jóvenes Viejos)
1) Puppet Master: The Littlest Reich (S.Laguna/T.Wiklund) – 2) Hereditary (A.Aster) – 3) Misión: Imposible – Repercusión (C.McQuarrie) – 4) El libro de imagen (J.L.Godard) – 5) Las hijas del fuego (A.Carri) – 6) 15:17 Tren a París (C.Eastwood) – 7) Bodied (J.Kahn) – 8) Te quiero tanto que no sé (L.García Candela) – 9) Under the Silver Lake (D.R.Mitchell) – 10) La reina del miedo (V.Bertuccelli/F.Tiscornia)
Mención especial:
Chillling Adventures of Sabrina S01E01: Su 1º episodio nos mete de lleno en su universo a fuerza de confianza en los personajes y en aquello que se está narrando, con conflictos que no por adolescentes dejan de ser profundos, pero sin caer nunca en la solemnidad, con una soltura al entrar al mundo del satanismo que no veíamos desde La última puerta de Polanski y con una atmósfera verdaderamente aterradora. Y, al contrario de Hill House, sabe qué mostrar y cómo hacerlo, y es así como, en un momento enorme, tenemos una aparición de un diablo hermoso y majestuoso. Extrañamente, hasta ahora no vi ningún otro episodio de esta serie, tal vez porque temo que lo que viene después no esté a la altura de ese episodio descomunal.

DIEGO M. CASTRO
Licenciado en Comunicación Audiovisual (UNR), guionista, productor, realizador
Western (V.Grisebach) – Cold War (P.Pawlikowski) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – Las herederas (M.Martinessi) – Invisible (P.Giorgelli)

MEX FALIERO
Crítico, director de Fancinema, jurado de la sección Banda Sonora Original en el 33MDQFilmFest
Amor de vinilo (J.Peretz) – Coco (L.Unkrich/A.Molina) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – Isla de perros (W.Anderson) – La balada de Buster Scruggs (Hnos.Coen) – La reina del miedo (V.Bertuccelli/F.Tiscornia) – Misión Imposible – Repercusión (C.McQuarrie) – Petit Paysan (H.Charuel [vista en el Marfici] – The Florida Project (S.Baker) – The Post: Los oscuros secretos del Pentágono (S.Spielberg)
Mención especial:
Mrs McCutcheon, de John Sheedy (corto canadiense visto en el festival Funcinema, que aborda la temática de la identidad sexual con osadía y sensibilidad)

SONIA HELMAN
Médica bioquímica, realizadora (La torre de Guido, Con acento mocoví)
Colette: liberación y deseo (W.Westmoreland) [film inglés histórico más Keira Knightly es siempre digno de verse] – Lo que ellas quieren (N.Meyeres) [Sex and the city sexagenario muy interesante en el guión, un homenaje a las comedias de diálogos ingeniosos de los años 30 y 40] – La sociedad literaria del pastel de papas de Guernsey (M.Newell, Netflix) [más allá del profesionalismo y oficio de estos films corales, demuestra, en la línea de Doña Flor y sus dos maridos o La cámara oscura, que la mejor manera de llevar al cine un libro, y hacer un producto digno, es siendo absolutamente irreverente con la historia original]

JOSÉ LUIS VISCONTI
Licenciado en Comunicación Social (UNLP), crítico (Hacerse la crítica)
La imagen perdida (R.Pahn) – Isla de perros (W.Anderson) – Nuestra hermana menor (H.Kore-eda) – No intenso agora (J.Moreira Salles) – El hilo fantasma (P.T.Anderson) – Las olas (A.Biniez) – Rojo (B.Naishtat) – La noche de 12 años (A.Brechner) – Transit (C.Petzold) – No viajaré escondida (P.Zubizarreta)
Mención especial:
Fattoruso, de Sebastián Bednarik (que merece un estreno comercial)

DIEGO BARCIA
Diseñador integral, especialista en cine fantástico (Fantápolis, Cinematik)
Mi obra maestra (G.Duprat) – Coco (L.Unkrich/A.Molina) – El Ángel (L.Ortega) – Deadpool 2 (D.Leitch) – Animal (A.Bo) – Tres anuncios para un crimen (M.McDonaugh) – Desobediencia (S.Lelio) – Ready Player One: Comienza el juego (S.Spielberg) – Alfa (A.Hughes) – Hereditary (A.Aster)

FERNANDO G. VAREA
Periodista (Espacio Cine, Cultura & Libros de diario La Capital), docente (EPCTV, UAI)
1) The wild pear tree (N.B.Ceylan). 2) El hilo fantasma (P.T.Anderson). 3) Visages Villages (A.Varda/JR). 4) Cold War (P.Pawlikowski). 5) As boas maneiras (J.Rojas/M.Dutra). 6) A land imagined (Y.Siew Hua). 7) Misión imposible: Repercusión (C.McQuarrie). 8) Malambo, el hombre bueno (S.Loza). 9) La vendedora de fósforos (A.Moguillansky). 10) Familia sumergida (M.Alché) / Piazzolla: los años del tiburón (D.Rosenfeld)
Mención especial:
Versión restaurada de El bueno, el malo y el feo (Sergio Leone), exhibida en el BAFICI.

Balance 2017 AQUÍ

La Internacional Cinéfila 2018 AQUÍ  

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33MDQFilmFest: Un balance y un diálogo con Lucrecia Martel

Nota publicada en suplemento Cultura y Libros del diario La Capital de Rosario, en su edición del 8/12/2018. Puede leerse también online aquí.
-Mi agradecimiento a Agustín Tocalini y Camila Alderisi por la grabación de la entrevista a Lucrecia Martel-

Un encuentro con clásicos y modernos

A continuación, nuestra opinión sobre algunas de las películas proyectadas en distintas secciones del 33ª Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Aparte nos referimos a Vendrán lluvias suaves, escrita y dirigida por Iván Fund (Competencia Internacional) y La cama, de Mónica Lairana (Competencia Argentina). Pronto sumaremos una crónica de acontecimientos del festival, más una breve entrevista que pudimos hacerle a la realizadora Lucrecia Martel.
AUTORES
Seguramente las dos mejores películas que tuve oportunidad de ver fueron The wild pear tree [El peral silvestre] (Nuri Bilge Ceylan) y A land imagined [Una tierra imaginada] (Yeo Siew Hua), exhibidas ambas en la sección Autores. El film de Ceylan sigue a un joven que vuelve a su pueblo natal, en Turquía, reencontrándose con su familia e intentando iniciarse como escritor. Costumbres que funcionan como obstáculos (machismo, conservadurismo), además de la afición por el juego de su padre, le impiden progresar, pese a lo cual no pierde de vista su intención de publicar un libro (y conseguir que alguien lo lea). Aunque algunas decisiones del realizador de Lejano y Sueño de invierno puedan discutirse, su película contiene momentos extraordinarios –como el encuentro con una antigua amiga en un bosque o la extensa charla de tres jóvenes sobre religión mientras comen manzanas, caminan y se sientan a tomar un té– que a su riqueza formal le agregan calidez. La de Yeo Siew Hua, en tanto, tiene como eje a un trabajador chino en Singapur quien, después de sufrir un accidente, entabla relación con la dueña de un cybercafé y con un intrigante amigo en línea. La precarización laboral y deshumanización se encaminan hacia un clima agudamente pesadillesco, con ayuda de una iluminación artificiosa, de tonos parduzcos, y derivaciones argumentales que combinan la mirada pesimista sobre la vida en un país en el que la naturaleza parece no existir (se siente como un alivio cuando, una noche, el obrero y la chica cruzan a nado un río) con un enigma policial y rodeos sobre ciertos tópicos del cine fantástico.
En la Competencia Internacional también pudo verse Yara, del iraquí Abbas Fadhel (Homeland), donde una adolescente huérfana que vive con su abuela entre las montañas, en el norte del Líbano, conoce imprevistamente a un joven del que se enamora. Mucho de contemplativo hay en este film que no excede demasiado el registro de la apacible rutina de las dos mujeres: cuidar a los animales, recoger moras o dialogar con algún vecino son los pequeñas tareas que las mantienen ocupadas. La cámara se desvía a cada momento para exhibir el deslumbrante paisaje, asomando apenas una que otra idea plástica (la ropa de colores tendida al sol) y algunas sutilezas (la religiosidad de la anciana, o el teléfono celular que interrumpe las conversaciones indicando el avance de la tecnología hasta un lugar tan remoto como ese).
Infinite Football [Fútbol infinito], del rumano Corneliu Porumboiu (Policía, adjetivo, El tesoro) documenta el testimonio de un empleado público empeñado en modificar las reglas del fútbol. Su mayor parte la ocupa la conversación de Porumboiu con el gris funcionario, pero a esas declaraciones algo absurdas sobre el deseo de cambiar reglas (que pueden exceder el ámbito deportivo), se suma como plus la visita a la oficina de una anciana junto a un locuaz acompañante, para cumplir con un trámite burocrático. Curiosamente, al finalizar el film se escucha La peregrinación del santafesino Ariel Ramírez, en la artificiosa versión de Paul Mouriat. El film rumano dura poco más de una hora, lo mismo que Roi Soleil, del español Albert  Serra, también exhibido en la sección Autores, pero éste provocó deserciones en la sala y algunas risas nerviosas entre los asistentes, ya que se limita a exponer la figura de un hombre vestido como Luis XIV arrastrándose lentamente por el piso como un animal moribundo, en tiempo real, en medio de ayes y bañado de una luz roja. Golpes de piano (en un solo momento) y la insinuación de que se trataría de una instalación en una galería artística (con dos únicas palabras oyéndose al final) alteran ligeramente este experimento del director de Honor de Cavallería que, evidentemente, tomó desprevenido a más de uno. En Autores se vio, asimismo,  Le cahier noir [El cuaderno negro], de la cineasta chilena Valeria Sarmiento (esposa y colaboradora de Raúl Ruiz), quien, antes de comenzar la función, recibió de manos de la Directora Artística del festival Cecilia Barrionuevo una distinción por su trayectoria. Basada en una novela de Camilo Castelo Branco, es un discreto melodrama que transcurre en tiempos de la Revolución Francesa, cruzado de oropeles y carruajes, mejor ambientado que actuado.
TEMAS Y PERSONAJES
Varias películas de la Competencia Internacional eran acercamientos a problemáticas de actualidad o a personas dignas de ser conocidas. Es el caso del luchador transformista mexicano que la cineasta francesa Marie Losier entrevista en Cassandro el exótico! Durante el documental se lo ve eufórico, hablando de su madre y de su admiración por Lady Di, o mostrando las heridas y huellas de violencia en su cuerpo como si éste hubiera sido, durante muchos años, un auténtico campo de batalla. La representación de su posible muerte o la imagen suya caminando glamorosamente por el desierto, no son ideas muy afortunadas dentro de un trabajo cuyo interés se centra, básicamente, en la singularidad del extrovertido Cassandro, quien irrumpía en cada una de las funciones desde el fondo de la sala luciendo un fastuoso vestido.
Desparejas resultaron las estadounidenses Skate kitchen, de Crystal Moselle, y What  you gonna do when the world’s on fire [¿Qué vas a hacer cuando el mundo esté en llamas?], de Roberto Minervini. La primera sigue a una joven skater que encuentra en desinhibidas pares (que conoce en calles de Nueva York) una comprensión y contención que no le da la compañía de su madre, lo cual la impulsa a compartir cada vez más tiempo con ellas. En las liberadoras reuniones de las chicas, pendientes de sus skates y su cuenta de instagram, late cierta vitalidad generacional, pero las acciones se vuelven un poco repetitivas: otras películas con skaters (Paranoid ParkTilva roš) han tenido más vuelo u originalidad. El documental de Minervini, en tanto, presenta la realidad cotidiana de varios miembros de una comunidad negra marcada por la discriminación y el acecho de la violencia policial, yendo de sutiles guiños (chicos negros con la bandera de Estados Unidos estampada en sus remeras) hasta grupos pidiendo justicia por Alton Sterling (asesinado por la policía hace dos años) y alzando consignas militantes (Poder negro, Sin justicia no hay paz). Realizado en blanco y negro con una estructura algo caótica, de a ratos emociona y moviliza.
La misma temática pero desde otra óptica aborda If beale street could talk [Si la calle Beale hablara], el más reciente largometraje de Barry Jenkins, quien había competido con Moonlight en Mar del Plata dos años atrás, antes de ganar el Oscar. Como allí, Jenkins sigue el calvario de personajes negros de clase trabajadora (en este caso partiendo de una novela de James Baldwin ambientada en los años ’70) con refinados movimientos de cámara, cierta intensidad dramática y buenas canciones. La secuencia de una discusión familiar tal vez sea lo mejor del film, ya que las escenas románticas o la frecuencia con la que los personajes ponen música en un tocadiscos dejan demasiado en evidencia la búsqueda de sensual elegancia. Por otra parte, los problemas de la comunidad (En este país le alquilarían la casa a un leproso antes que a un negro, dicen en un momento) son un poco absorbidas por la historia de amor de la pareja interpretada por Stephan James (como un joven arrestado por un crimen que no cometió, lo que agrega pormenores de índole policial-judicial) y una sobreactuada Kiki Layne. Film de poco riesgo pero muy profesional, con Diego Luna y Dave Franco en personajes secundarios, gustó mucho al público.
CINE DE GÉNERO ENRARECIDO
Tres películas que integraron la Competencia Internacional fueron bastante discutidas, tal vez por responder a ciertos tópicos del cine fantástico y de terror (de poco prestigio para algunos) o por no definir plenamente su tono. Una fue In fabric [En tela], del británico Peter Strickland (Berberian Sound Studio), en torno a un vestido rojo que, por alguna extraña maldición, comienza a traerle problemas a varios personajes. Hay una vendedora exageradamente sinuosa, un lavarropas que enloquece, misterios e ironías varias en este film más divertido que armonioso. Las otras son las argentinas Vendrán lluvias suaves, de Iván Fund (de la que nos ocupamos aquí), y Muere, monstruo, muere, del mendocino Alejandro Fadel (director de Los salvajes y coguionista de algunos films de Pablo Trapero). Lo mejor de esta última es su atmósfera enrarecida y cargada de presagios sonoros, aunque su argumento acopla ingredientes diversos sin que quede claro si el objetivo último es la parodia o el horror psicológico partiendo de alguna problemática social, como podría serlo la violencia de género. Un adusto Esteban Bigliardi (visto recientemente en la notable Familia sumergida), junto a Víctor López y Jorge Prado (como dos graciosos policías) son los protagonistas de este producto híbrido, que reúne esplendorosos planos generales del paisaje cordillerano con un viscoso monstruo cuya apariencia sugiere genitalidad, frases sentenciosas (Todo el mundo tiene miedoEl aburrimiento lleva al horror) y un tema de Sergio Denis que se repite tres veces (nueva irrupción de una canción de los ’70 en el cine argentino reciente después de El ángel y Rojo).
MATICES DE LATINOAMÉRICA
La programación incluyó lo nuevo de Ana Katz y Ezequiel Acuña. Sueño Florianópolis, de Katz (Mi amiga del parque), abrió el festival con su aventura de una familia de clase media que emprende un viaje a Brasil en los años ’90. Claroscuros, cierta liviandad moral e indiferencia ante el futuro afloran en este grupo humano encarnado con gracia por Mercedes Morán y Gustavo Garzón junto a Manuela Martínez y Joaquín Garzón, hijos adolescentes de una y otro respectivamente. Por momentos el film parece contagiarse del ánimo vacacional de sus personajes, que se enredan en amoríos sin mucha convicción y sortean diversos incidentes sin alterarse demasiado. El guión, escrito por Ana y su hermano Daniel Katz, intenta una radiografía del argentino medio sin subrayados costumbristas. Bueno, lo vemos, repite el personaje de Morán cada vez que alguien le propone algo, con una mezcla de indolencia, pasividad y desinterés por el futuro que la película insinúa como rasgos distintivos de la Argentina que apañó al menemismo. Acuña, por su parte, ofreció en la Competencia Latinoamericana La migración, filmada en Perú (donde vive y trabaja actualmente), en la que el personaje que interpretaba Santiago Pedrero en La vida de alguien viaja a ese país en busca de su amigo sin demasiadas pistas, encontrando una forma de recompensa en la relación con una simpática adolescente (Paulina Bazán) y ocasionales compañeros como un tal Santino Amigo, cuya torpeza y ternura le trae recuerdos de sus 20 años. Diáfana y melancólica, por encima del encanto artificioso de un par de escenas (la lectura de El Principito, el juego con mímica en la plaza), la película de Acuña tiene el enorme valor de la sensibilidad con la que reflexiona sobre la amistad y los recuerdos. Ofrendar discos o canciones para establecer vínculos afectivos, por ejemplo, es algo tan simple como honesto, que los seres de ficción del realizador de Como un avión estrellado ejercen naturalmente, con informalidad y un dejo de tristeza. ¿Cuánto hay de personal en el film? le pregunté a Acuña; Más del 100% me respondió.
En la Competencia principal estuvieron la brasileña Chuva é Cantoria na Aldeia dos Mortos [La lluvia es canto en la aldea de los muertos], dirigida por Joâo Salaviza y Renée Nader Messora, sobre un joven indígena que extraña a su padre fallecido, y A portuguesa, de Rita Azevedo Gomes. La primera se sumerge de manera algo desapasionada en una cultura ajena a nuestro trajín urbano, en la que despunta un conflicto interesante (en una visita a la ciudad, el pibe comienza a engancharse con costumbres, música y comidas del lugar) que finalmente se diluye. Claro que la imagen entrañable de un viejo de la comunidad bailando desnudo en plena selva resulta difícil de olvidar.
En cuanto a Azevedo Gomes, adapta una novela de Robert Musil para un fresco histórico tan fascinante en su construcción visual como parsimonioso dramáticamente. Planos fijos de arrebatador encanto visual en antiguos palacios o exteriores (un lago en el que la protagonista se baña, bucólicos bosques cruzados por conejos o ciervos que parecen salidos de un cuento) se templan por las voces monótonas y la teatralidad de los actores, que discurren sobre  hechos de la Historia (La guerra está hecha de deudas) mientras una misteriosa mujer (la cantante Ingrid Caven) aparece, cada tanto, como un testigo o un fantasma.
CLÁSICOS
¿Valía la pena volver a ver Los 400 golpes (1959, François Truffaut)? Definitivamente, sí: presentada por el propio Jean-Pierre Léaud, volver a apreciar la querible historia del adolescente Antoine Doinel en la enorme pantalla del Auditorium, recordando que una exhibición del film en otro festival (Cannes, sesenta años atrás) revelaba la consagración de la Nouvelle Vague, no podía dejar de conmovernos a los cinéfilos. Como no podía ser de otra manera, la corrida final del joven protagonista por la playa y su mirada a cámara fueron acompañadas por un efusivo aplauso.
Algo similar, aunque en una sala mucho más chica, deparó El último malón, filmada por Alcides Greca en San Javier (pcia. de Santa Fe) cien años atrás, recreación de la rebelión de un grupo de mocovíes ocurrida en esa localidad un tiempo antes, con el aditamento de una historia de amor. La película, magníficamente restaurada, fue presentada por gente del Museo del Cine y se exhibió musicalizada por Maia Koening, remedando sonidos de tambores que parecían provenir de la misma memoria. El evento recordó otros que Fernando Martín Peña (Director Artístico hasta hace dos años) solía organizar en el marco del festival, como la proyección de Los cuatro jinetes del Apocalipsis o El caballo de hierro con el acompañamiento de la Orquesta Sinfónica de la ciudad, acontecimientos que ojalá vuelvan a producirse alguna vez.
Y si hablamos de clásicos y de centenarios, valga finalmente destacar las películas de Ingmar Bergman programadas a cien años de su nacimiento, además de una completísima muestra realizada en el Museo Castagnino marplatense (en la que el Presidente del festival José Martínez Suárez desgranó anécdotas y recuerdos relacionados con la obra del gran director sueco) y la presentación de un libro de gran calidad, iniciativa de Raúl Manrupe. En el balance personal, haber participado de esta hermosa publicación fue una gratificación de esas que escasean.

Por Fernando G. Varea

Iván Fund: “Los chicos son un atajo a la ficción”

Entrevistamos por primera vez a Iván Fund (santafesino nacido en San Cristóbal y criado en Crespo, Entre Ríos), cuando apenas superaba los veinte años y competía con su primer largometraje La risa (2009) en el BAFICI. Otros encuentros se sucedieron en torno a trabajos posteriores como Los labios (que codirigió con Santiago Loza y fue premiado en la sección Un Certain Regard de Cannes en 2010),  Hoy no tuve miedo (2011) y Toublanc (2017, sobre obra de Juan José Saer, con producción de Señal Santa Fe). Su nuevo largometraje Vendrán lluvias suaves (2018) integró la Competencia Internacional del 33º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, donde el rumano Andrei Ujica (colaborador de Harun Farocki), el productor y director español Lluís Miñarro, la fotógrafa y cineasta franco-armenia Valérie Massadian, la documentalista italiana Maria Bonsanti y la actriz y realizadora argentina María Alché (Familia sumergida) le otorgaron el Premio Especial del Jurado, compartido con el film brasileño Chuva é Cantoria na Aldeia dos Mortos (Renée Nader Messora/João Salaviza). De clima sereno pero efecto persistente, Vendrán lluvias suaves roza lo fantástico imaginando un pueblo en el que un día los adultos no despiertan y los chicos espontáneamente van agrupándose, ayudándose uno al otro y saliendo en busca de respuestas sin renunciar al juego y la aventura. La película tiene un tono austero y delicado, desenvolviendo sin demasiados sobresaltos algunos momentos de sugestiva belleza, como cuando muestra imágenes consecutivas de pibes de diferentes edades explorando el pueblo semivacío en compañía de sus gatos o perros. En el marco del festival (antes de saber que recibiría un premio) dialogamos con Fund sobre su obra.
– ¿Qué te motivó a hacer la película? 
– No hubo un disparador concreto. Siempre hay un conglomerado de elementos que, de a poco, comienzan a ordenarse. En el caso de Vendrán lluvias suaves yo había estado un par de años muy obsesionado con los libros infantiles, las novelas gráficas, los comics. Me había fascinado ese universo que desconocía y, de hecho, tuve la experiencia de hacer un libro llamado El organismo, para el que convoqué a una ilustradora y que por suerte se editó este año en Francia. Con esas inquietudes descubro El pato y la muerte, de Wolf Erlbruch, un libro infantil muy simple, con ilustraciones. Ahí había algo de la forma de relacionarse con el mundo y con la muerte que me interpelaba. Por otro lado, hace ya diez años que hago películas, en los últimos tiempos se fue clausurando cierta búsqueda y volvieron esas ganas de recuperar el cine que yo veía de pibe, por el cual empecé a dedicarme a esto también.
Vendrán lluvias suaves parece una combinación de ese cine que mencionás con tu estilo habitual, con tu propia búsqueda.
– Seríamos vende humo si dijéramos que es una película de aventura o de cine fantástico. No es eso. Sólo incorpora elementos de ese lenguaje, como de alguna manera lo hacía Toublanc con el policial. Tenía interés de empezar a incorporar códigos del cine de género. Si se quiere, abrir un poco el hermetismo que tenía mi cine anterior.
– Un rasgo que se mantiene es la ternura, una mirada  sensible sobre las cosas.
– Eso es un halago y me encanta que la película pueda transmitir esa manera de ver el mundo. Estamos bastante bombardeados por un cine que suele ser más un comentario que una experiencia y quería poner la atención en esos matices que hay entre el blanco y el negro. Porque si no pareciera que uno es un predicador, que dice Se viene el Apocalipsis o La salvación es ésta. La realidad afortunadamente siempre es mucho más compleja, con más fisuras.
– La película estimula distintas interpretaciones. ¿Hubo alguna reflexión en particular que te interesó dejarle al espectador?
– Para mí es valioso que la película dispare ese abanico, que cualquiera de las hipótesis funcionen. Puede haber una lectura epidérmica y cosas más subterráneas. Algunas tan subterráneas que no las ve nadie… Se trata un poco de esta búsqueda que uno está haciendo. Me gustaba que la película se eleve por sobre el blanco y el negro, celebrando la posibilidad de que, finalmente, lo único con lo que contamos es al que tenemos al lado, y cómo lo tratás. Es la única manera de atravesar el mundo, digamos. Los adultos están dormidos, hay cosas que se les pasan. Y aunque tenemos la tendencia a pensar en una catástrofe, los niños ven que eso está pasando pero no les preocupa verdaderamente porque tienen esa mirada matizada por otras cosas.
– Por el juego, por ejemplo.
– Eso es interesante porque yo pensé mucho en la idea del juego, en cómo está profundamente ligado a su realidad. Cuando el niño juega, se juega la vida, porque en realidad piensa que eso puede pasar. Si bien los niños asumen –tal vez un poco secreta o melancólicamente– esa suerte de desamparo, o de existencialismo pre-púber, devuelven la dimensión real a cada cosa. Como si dijeran Esto está mal, pero mientras tanto… Se puede luchar estando contentos, digamos. Creo incluso que el festival asumió un riesgo al programar Vendrán lluvias suaves, porque en las secciones principales suele haber películas más fácilmente tematizables, en sintonía con la agenda del momento.
– ¿Los fundidos a negro representan el gesto de dar vuelta las páginas de un libro?
– Sí, total. Tiene que ver con esa visión un poco fragmentada, que te dormís y pescás esto o lo otro. Hay una lógica de ensueño en la película. Por eso es un poco arbitraria en algunas cosas. Bueno, el cine es arbitrario siempre.
– Las locaciones elegidas tienen algo de pueblo venido a menos, con esas fábricas abandonadas y casas a medio revocar. No son lugares demasiado bonitos ni terroríficos.
– En eso fue fundamental Maxi Schonfeld, ayudó mucho. Como los protagonistas son rubios y de ojos celestes, siempre hacíamos el chiste Alguien va a decir que parece una película danesa, pero en Crespo son todos descendientes de alemanes. No sólo los chicos son de allí, también sus casas y sus perros. Me encantó trabajar con ellos, son una masa. Fueron re cómplices. Proponían todo el tiempo. Son un atajo a la ficción, no tenés que convencerlos de nada.
– ¿Por qué te interesó que transcurriera en un lugar indeterminado de Argentina?
– Transcurre en lugares que tienen una connotación emocional muy fuerte, porque me crié ahí. La fábrica es donde trabajó mi viejo cuarenta años. La casa es de un amigo, donde yo me quedé a dormir fuera de la mía por primera vez. La idea de no anclarla en una geografía concreta tiene que ver, además, con la idea de que puede estar pasando todo en la cabeza de alguien. Medio en broma y medio en serio, digo que es como El Eternauta con niños. Y el protagonismo lo tiene un grupo, no un héroe.
– La música aporta extrañeza y sentimiento al mismo tiempo. Y su uso no es excesivo.
– La hizo Mauro Mourelos, un músico de jazz que por primera vez hace música para una película. Yo había tenido una buena experiencia con él con Me perdí hace una semana (2012), en la que hizo un fragmento. Me gusta que la música sea como las piedritas que ponés para ir pasando por encima del agua, Mauro lo entendió perfecto. Hay también cierto uso de la misma como en el cine oriental o el animé.
– ¿Por qué no hay teléfonos, computadoras o televisores encendidos?
– Entiendo que como director de cine en 2018 debería empezar a incorporar esos elementos al relato. El teléfono de tubo fue fundamental para la historia del cine, por ejemplo. Habría que repensar cómo usar las nuevas tecnologías: la única peli que me gustó cómo está usado eso es Personal Shopper (Olivier Assayas), ya que en la manera en que la protagonista manda los mensajes o usa la computadora hay un hecho estético. En nuestro caso, no lo necesitábamos para la historia. Ayudó que cuando hicimos el casting le preguntábamos a los nenes que venían cuál era su juego favorito y nos decían Jugar al fútbol, a la escondida, ir al parque con los amigos. Casi nadie dijo Jugar a la play. Lo cual me sorprendió.
– Hay un plano cenital bastante curioso, con la cámara elevándose, mientras los chicos caminan.
– Me pareció un buen recurso para expresar desolación. La cámara está siempre a la altura de los chicos, por eso me parecía importante que un par de planos los contextualizara en ese pueblo abandonado. Se hizo con un dron. Teníamos poco tiempo pero creo que funcionó. Juega también con la idea de que alguien viene del espacio, mirando desde una perspectiva no humana. Además, hay algunas presencias que yo quise que fueran muy sutiles: el que las ve las ve, y el que no, no las ve.

Por Fernando G. Varea

La desnuda realidad

LA CAMA
(Mónica Lairana)

Dos personajes, un solo ambiente, diálogo escaso que no desentraña revelaciones, nada de música. Con esas piezas, la actriz y directora Mónica Lairana construye un cuadro de breves momentos en la intimidad de una pareja adulta. Sabiendo que uno de ellos va a dejar la casa, comparten esas últimas horas juntos intentando tener relaciones sexuales, revisando ropa o viejas fotografías, durmiendo, bañándose y cumpliendo desganadamente algunas tareas triviales.
Si el hecho de dilatar un hecho mínimo y recurrir a un realismo descarnado (e incluso de exponer cuerpos desnudos sin pudor ni erotismo publicitario) tiene ecos de cierto cine apreciado en festivales, La cama (que integra la Competencia Argentina del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata) le insufla vida: el admirable trabajo de arte (Maru Tomé, Renata Gelosi) y fotografía (Flavio Dragoset), más los rigurosos encuadres, consiguen expresar fuertemente un estado de ánimo, presintiendo lo que ambos personajes han vivido, lo que piensan o desean. Los planos fijos de diferentes rincones del hogar en penumbras, así como de los rostros y los cuerpos, alcanzan una desacostumbrada, doliente belleza. Una película nunca es mejor porque sus planos se asemejen a pinturas, pero en el film de Lairana la serenidad de sus imágenes impresionistas no responden a una pretensión decorativa: conmueven, angustian, interrogan.
Habrá quienes conduzcan la contemplación de la vida privada de esta pareja, interpretada por Alejo Mango y Sandra Sandrini (que algunos tal vez recuerden como joven actriz intentando abrirse camino a comienzos de los ’80), a la polémica decisión de mostrar con crudeza cuerpos marcados por la tristeza y el paso de los años, pero sería menos superficial llevar el debate a otras cuestiones: si el cine vale como mero instrumento para exponer –sin el alivio del humor– vidas grises, el posible regodeo en el patetismo, o la búsqueda por alcanzar alturas de orden estético escudriñando lo rústico y lo banal.

Por Fernando G. Varea

Mar del Plata: algunos momentos en la historia del festival

1961: En enero finalizaba la 3ª edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y la revista Radiolandia mostraba a Lautaro Murúa (premiado por su debut como director con Shunko, Mejor Film hablado en castellano) junto a Susan Strasberg (premiada por su actuación en Kapó, de Gillo Pontercorvo). Muchos esperaban que el premio otorgado a Murúa fuera a manos del español Juan Antonio Bardem, por A las cinco de la tarde, por lo que el español Bardem recibió posteriormente un pergamino “en desagravio”. Según consigna la nota, la entrega de premios fue precedida por la presentación de la orquesta de Mariano Mores en un escenario levantado en la explanada de los Lobos. Como puede verse, entre los asistentes estaba Leonardo Favio, despuntando ya su vocación de director.

1968: En un artículo de la revista Análisis de marzo de ese año, el cronista se sorprendía porque por primera vez el Festival era absolutamente oficial (“presidido, financiado e inspirado por las autoridades del Instituto Nacional de Cinematografía”) y se lamentaba por el cambio de funcionarios estables en la conducción del mismo. En la nota se destacaba el vigor de Bonnie and Clyde  (Arthur Penn) y la extravagancia del realizador inglés Peter Collinson (que había organizado un baile con sus actores antes de presentar su film En la encrucijada), señalándose que algunas funciones habían sufrido cambios para que pudiera exhibirse Playtime (Jacques Tati). Asimismo, se indignaba porque el Consejo Nacional de Calificación Cinematográfica había impuesto cortes a algunas películas. Ese año el Festival no contó con el apoyo de la Asociación Argentina de Actores, gesto que no impidió que Armando Bo e Isabel Sarli se hicieran presentes.

1996: Después de más de veinte años, el festival volvía a realizarse con la gestión de Julio Mahárbiz al frente del INCAA, oportunidad a la que fueron invitadas actrices como Raquel Welch, Gina Lollobrigida, Elsa Martinelli y Jacqueline Bisset. Página/12 recordaba el hecho en septiembre de 1999, año en que el evento pasaría a noviembre y cuya organización quedaría en manos de una asociación integrada por comerciantes del rubro turístico, presidida por el empresario Florencio Aldrey Iglesias (amigo personal del presidente Carlos Menem). El año anterior había sido convocada para integrar el jurado una actriz más joven pero tan vistosa como las anteriormente mencionadas, la italiana María Grazia Cucinotta. En la misión de juzgar las películas en competencia la habían acompañado, entre otros, el realizador iraní Abbas Kiarostami y el escritor santafesino Juan José Saer.

1998: En una de sus crónicas del festival, Clarín entrevistaba a Rodrigo Moreno, Nicolás Saad, Mariano de Rosa y Salvador Roselli, que presentaban en competencia Mala época. Los jóvenes realizadores, egresados de la Universidad del Cine, contaban que el film había podido hacerse con 280.000 pesos. “No es una película industrial –decía Roselli– y venir fue la única manera de promocionarla. La trajimos para que la vea Kiarostami”. Hubo protestas por ser la única película argentina no programada en horario central, lo cual ocurría, según los directores, porque “se hace cargo del momento político y probablemente a alguien del Instituto eso no le gustó”. El año siguiente desaparecían las secciones Contracampo y La mujer y el cine, programadas por equipos dirigidos por el cineasta Nicolás Sarquís y la actriz Marta Bianchi respectivamente. Sarquís se quejaba, consultado por Página/12: “Hasta ahora mi interlocutor siempre había sido Mahárbiz, pero ahora hay una comisión de empresarios marplatenses que no conozco”, al tiempo que lamentaba la sorpresiva aparición de una sección denominada Otra Opción: “No se trata solamente de reunir películas por su origen exótico, Contracampo implicaba otra mirada”.

2002: En noviembre, el realizador Miguel Pereira asumía como coordinador artístico del Festival, cuya 18ª edición se anunciaba para marzo del año siguiente. El director del INCAA, Jorge Coscia, consideraba que “así como el cine siempre luchó por su autarquía, el Festival deberá en el futuro tener la suya, sin que el Estado se ausente”. Consultado por Página/12, Pereira proponía una programación de cine hispanoamericano: “Tenemos que ser realistas y ver dónde estamos parados; decir que Mar del Plata es un festival clase A es como decir que un peso es igual a un dólar”. 2004: Uno de los invitados fue el director inglés Ken Russell, quien –según consignaba Horacio Bernades en Página/12– presentó sus trabajos con una camisa tachonada de espejos, cantando, gritando y alentando al público al desorden en la sala. 2015: Por encima de la calidad de algunas películas, de los invitados internacionales y las diversas actividades, Paraná Sendrós destacaba razonablemente en Ámbito Financiero la exhibición de Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1921) en copia restaurada por los historiadores Kevin Bronlow y David Gill, proyectada en 35 mm y con música en vivo a cargo de la Orquesta Sinfónica de Mar del Plata. “Dos horas y media de proyección de una historia conmovedora  –describía–, con una música que ponía piel de gallina y la sala del Colón repleta hasta el gallinero. Las ovaciones fueron atronadoras”. El principal impulsor de estos eventos era Fernando Martín Peña, entonces director artístico del Festival.

Por Fernando G. Varea

http://www.mardelplatafilmfest.com/

Argentina Rojo Shocking

ROJO
(2018; dir. Benjamín Naishtat)

En Rojo (premios por Mejor Dirección, Actor y Fotografía en San Sebastián) un respetado abogado que vive en una ciudad de provincia resuelve como puede, o como quiere, el enfrentamiento con un joven perturbado y el pedido de un amigo para apropiarse de un chalet abandonado tras un allanamiento. Otros personajes (incluyendo su mujer y su hija) y algunos conflictos secundarios se suman para esta semblanza turbia de un representativo grupo humano en la Argentina pre-dictadura. Las dos primeras secuencias ya dejan en evidencia lo que Benjamín Naishtat procura expresar: expuestos con un realismo enrarecido, el indolente saqueo de una casa y el duro altercado por ocupar una mesa en un restaurante seguido de un enfrentamiento en plena calle, hablan de la complicidad y la violencia que comenzaban a regir la vida cotidiana de los argentinos en los meses previos al golpe de marzo de 1976.
El film de Naishtat tiene algunos momentos mejores que otros, pero su tono, su atmósfera, las sensaciones de alarma y de extrañeza que lo recorren, conducen provechosamente –de manera estilizada, sin toques demagógicos– a la reflexión y al reconocimiento de un momento histórico.
Entre los personajes no hay policías, militares ni sacerdotes, tampoco militantes políticos o sindicalistas levantando consignas ni imágenes de Perón, López Rega o alguna otra figura distintiva de la época, como no queriendo exculpar del acostumbramiento al miedo y la corrupción a la población civil que no estuvo involucrada directamente en las disputas del momento. La época es la misma de El secreto de sus ojos (2009, Juan José Campanella), pero acá el protagonista no es un chanta simpático que termina redimiéndose sino un abogado de moral dudosa (un exacto Darío Grandinetti), que parece tener buenas intenciones y, al mismo tiempo, por cobardía, desorientación o conveniencia, cede ante una estafa, esconde cosas que sabe y termina siendo cómplice de más de un delito.
Hay estallidos de violencia casi absurdos y varias secuencias aparecen interrumpidas abruptamente, como si la barbarie fuera ganando terreno asestando cortes sobre la aparente tranquilidad de ese pueblo. Las situaciones inquietantes que son imprevistamente quebradas se suceden: sin adelantar mucho aquí, cabe señalar lo que ocurre con un periodista que hace preguntas incómodas, con la esposa (Andrea Frigerio) ante la aparición de un extraño en el bosque cercano a la playa, con el joven llevado en auto por un novio celoso (Rafael Faderman, protagonista de Dos disparos y de relevante rol en La larga noche de Francisco Sanctis) y sus amigos, con la mujer (Claudia Cantero) que busca a su hijo (que podría ser dicho joven) en una iglesia, con el disparo en un vestuario. Del mismo modo, son sinuosas las intenciones de un detective que habla de manera parsimoniosa (el chileno Alfredo Castro) y al joven trastornado (gran trabajo de Diego Cremonesi, visto en Kryptonita e Invisible y los ciclos televisivos Un gallo para Esculapio y El marginal) le dicen hippie, eludiéndose detalles sobre su militancia. Algunas conversaciones se estiran, tensando el tiempo y apartándose de la lógica, como la del amigo del protagonista con una mujer cómodamente sentada en los fondos de la casa saqueada.
La antes mencionada La larga noche de Francisco Sanctis reproducía con similar fruición y eficacia la estética de la época, pero lo hacía con clara vocación de film noir: Rojo, en cambio, apuesta a una visión de los ‘70 cenagosa, desviando todo el tiempo el naturalismo hacia un estado de locura.
Ocasionalmente se acerca al grotesco o desliza alusiones un poco obvias (las escenas en ralenti de la pareja jugando al tenis, el ensayo de una obra teatral, el eclipse que se produce en un momento e incluso el mago que hace desaparecer personas, alegoría a la que ya había recurrido Agresti en El acto en cuestión) y su impecable reconstrucción histórica se permite algún desliz (nuevamente en el cine argentino que recrea los ’70 vuelve a haber personajes utilizando la expresión fuera de época Todo bien). Pero muchas decisiones del joven guionista y director son inteligentes, como la utilización que hace de la canción El valle y  el volcán, que cobra fuerza sin tener una carga explícitamente política. El zoom final parece tener algo de la mirada confundida de Héctor Alterio en el último plano de La Patagonia rebelde (1974, Héctor Olivera), no casualmente una de las películas representativas de esos años que Naishtat trae a la memoria. El hecho de escuchar a alguien renegar de la política, en tanto, resuena en el presente.
Rojo seguramente tiene imperfecciones, pero son más que valiosos su búsqueda y los riesgos que asume, volviendo la mirada a una época incómoda sin tranquilizar al espectador.

Por Fernando G. Varea